CARPE DIEM QUAM MINIMUM CREDULA POSTERO

NO PUEDO VIVIR SIN TÍ

2011-12-18T14:07:00.008+01:00

LO ÚNICO QUE HACE EL MUNDO INTERESANTE ES SABER QUE TÚ ESTÁS EN ÉL

LÁGRIMAS DE EROS

2011-10-26T15:53:00.000+02:00

HOMOSEXUALIDAD EN GRECIA

2011-10-26T15:39:00.003+02:00

HOMOSEXUALES A TRAVÉS DE LA HISTORIA

2011-10-26T15:32:00.002+02:00

LA GATA SOBRE EL TEJADO DE ZINC

2011-07-19T02:36:00.006+02:00

-¿Tú sabes cómo me encuentro? Como una gata sobre un tejado de zinc caliente recalentado por el sol...
-Pues salta del tejado ¡Salta! Los gatos saltan desde los tejados sin hacerse daño... ¡Anda, salta!
-¿Cómo he de saltar y a dónde?
-¡Diviértete!
-¿Cómo puedes decirme eso? Yo no puedo pensar más que en ti... Aún con los ojos cerrados te veo siempre... ¿Por qué no has de ser feo, gordo o cualquier otra cosa que yo no pueda soportar?
-A las mujeres como tú esas cosas se les pasa...
-Estoy mucho más decidida de lo que crees... y al final ganaré
-¿Qué ganarás? ¿Cuál puede ser la victoria de una gata en un tejado de zinc caliente?
-Seguramente continuar en él mientras lo resista.

Es quizá uno de los diálogos entre los personajes más explícitos sobre el desarrollo de los acontecimientos de la obra.

En 1958 se estrenó la película La gata sobre el tejado de zinc caliente, con unos bellísimos Paul Newman y Elizabeth Taylor. La historia es de una familia sureña en Eua, en que el viejo patriarca tiene cáncer y la familia le miente sobre su enfermedad. La historia versa sobre la mentira y la hipocresía, sobre como todos mienten en la vida para obtener cosas de otros. Brick - representado por Newman - alcohólico, ex atleta no quiere tener sexo con su esposa Maggie - la gata - que está que arde, quiere estar preñada para demostrarle a sus cuñados que el matrimonio funciona. Brick tenía un compañero, Skipper, del equipo de football con quien habría tenido sexo, lo que es un secreto a voces. Maggie presiona a Brick hasta que él confiesa sus sentimientos de culpa por la muerte de Skipper - lo que genera su depresión, su desinterés por su esposa y lo impulsa hacia el alcohol - resultado de no soportar los rumores sobre que eran amantes ("¿hay algo malo en que dos compañeros y amigos se tomen la mano antes de dormir cuando están de viaje quedándose en un hotel?"). En la noche de las revelaciones en que el viejo se entera que tiene cáncer todo eso se habla. Su padre, ni se arruga insinuando a su vez que tuvo sexo con los dueños de la plantación que ahora posee. Finalmente Brick accede embarazar a su esposa para dejar callados a su hermano y cuñada (y de paso heredar la estancia).
Probablemente sea Tennessee Williams el autor teatral contemporáneo más veces adaptado al cine. La intensidad dramática de sus textos, la calidad de los diálogos, el arrojo en plantear situaciones que en ocasiones rozaron el escándalo, y particularmente el vigor de sus personajes, especialmente los femeninos, han hecho que numerosos cineastas de talento se hayan interesado por su obra, Elia Kazan, Peter Glenville, Joseph L. Mankiewicz, Paul Newman, Joseph Losey, John Huston o Richard Brooks, entre otros.

Tennessee Williams fue premiado por La gata sobre el tejado de zinc caliente (Cat on a hot tin roof) con el Pulitzer de 1955, tras haberlo obtenido previamente en 1948 por Un tranvía llamado deseo. La gata... se estrenó en Broadway bajo la dirección de Elia Kazan, con Barbara Bel Geddes y Ben Gazzara en los principales personajes (a señalar que Burl Ives interpretó el personaje del padre, que luego repetiría en la versión cinematográfica). La obra obtuvo los más importantes premios Tony del año y alcanzó las 700 representaciones. Sin embargo, Williams no quedó satisfecho del resultado ya que la censura le había obligado a suavizar algunos aspectos de la obra, especialmente los relacionados con la implícita homosexualidad del marido, culpabilizado por el suicidio de su compañero de deportes.

Veinte años más tarde se repuso en Broadway (con Elizabeth Ashley y Keir Dullea en los personajes protagonistas), y Tennessee Williams tuvo la ocasión de reformar el tercer acto para hacer más explícita la relación homosexual del protagonista con su amigo suicida, versión ya definitiva, reestrenada posteriormente en 1990 con Kathleen Turner y Daniel Hugh Kelly, y en 2003 con Ashley Judd y Jason Patric.

TÍTULO ORIGINAL: Cat on a Hot Tin Roof
AÑO: 1958.
DURACIÓN: 108 min.
DIRECTOR: Richard Brooks
GUIÓN: Richard Brooks, James Poe (Obra: Tennessee Williams)
MÚSICA: Charles Wolcott
FOTOGRAFÍA: William Daniels
REPARTO: Elizabeth Taylor, Paul Newman, Burl Ives, Jack Carson, Judith Anderson, Madeleine Sherwood, Larry Gates, Vaughn Taylor
PRODUCTORA: Metro-Goldwyn-Mayer (MGM)
PREMIOS: En 1958. 6 nominaciones al Oscar, incluyendo, película, director, actor (Newman), actriz (Taylor)
GÉNERO: Drama Melodrama.

Brokeback Mountain

2011-07-08T00:36:00.004+02:00

Verano de 1963. Historia de amor entre dos jóvenes vaqueros: un vaquero de Wyoming y un cowboy de rodeos. Ennis del Mar y Jack Twist se conocen mientras hacen cola para ser contratados por el ranchero Joe Aguirre. Los dos jóvenes aspiran a conseguir un trabajo estable, casarse y formar una familia; sin embargo, añoran algo que no pueden expresar. Cuando Aguirre les envía a cuidar ganado a la majestuosa montaña Brokeback, entre ambos surge un sentimiento de camaradería que deriva hacia una relación íntima. Al concluir el verano, los dos tienen que abandonar Brokeback y seguir caminos diferentes. Ennis permanece en Wyoming y se casa con Alma (Michelle Williams), su novia de siempre, y tiene tiene dos hijas. Entre tanto, Jack se marcha a Texas, donde se casa con Lureen Newsome (Anne Hathaway) y tiene un hijo.

Dirección: Ang Lee.
País: USA.
Año: 2005.
Duración: 134 min.
Género: Drama.
Interpretación: Heath Ledger (Ennis Del Mar), Jake Gyllenhaal (Jack Twist), Linda Cardellini (Cassie), Anna Faris (Lashawn Malone), Anne Hathaway (Lureen Newsome), Michelle Williams (Alma), Randy Quaid (Joe Aguirre), Kate Mara (Alma Jr.).
Guión: Larry McMurtry y Diana Ossana; basado en un relato de Annie Proulx.
Producción: Diana Ossana y James Schamus.
Música: Gustavo Santaolalla.
Fotografía: Rodrigo Prieto.
Montaje: Geraldine Peroni y Dylan Tichenor.
Diseño de producción: Judy Becker.
Vestuario: Marit Allen.
Estreno en USA: 9 Diciembre 2005.
Estreno en España: 20 Enero 2006.

CORTOS

2011-05-21T20:29:00.004+02:00

ANUNCIOS PUBLICITARIOS ANTIHOMOFOBIA

2011-05-21T19:50:00.004+02:00

LOST AND DELIRIOUS

2011-01-23T22:24:00.005+01:00

THE BUBBLE

2010-08-24T03:48:00.002+02:00

The Bubble de Eytan Fox se abre y se cierra con dos secuencias terribles: en la primera, mostrada con toda crudeza, una mujer árabe embarazada es retenida en un puesto de control con trágicas consecuencias; la última, un atentado suicida, está dada con dolor, pero también con un toque romántico y cargado de poesía.

Noam (Ohad Kholler), es un joven soldado israelí que abandona el ejército y vuelve a su piso de Tel-Aviv donde vive en un mismo piso con Lulú y Yelli, dos jóvenes llenos de vida que al principio del filme tratan de mostrarse al margen del conflicto que sacude su país. A ese piso llega Ashraf, un joven árabe al quien Noam había conocido en el momento de crispación con el que, en el tono documental de la cámara en mano de un periodista, se abre el filme. Entre ellos se inicia una historia de amor imposible, con ecos evidentes de “Romeo y Julieta” de Shakespeare a la vez que un cambio interior en todos los personajes principales secundarios que inician, como los protagonistas, una cruzada pacifista y de activismo callejero, truncada por un estallido que nos devuelve a la sangrienta realidad de las noticias.

La historia de amor nos muestra cómo la homosexualidad es vivida de manera distinta en las dos culturas enfrentando el hedonista Tel-Aviv con sus bares de ambiente, sus tiendas de discos, sus restaurantes… con mundo empobrecido y amenazado donde ha crecido el joven palestino. De la gran metrópoli israelí conoceremos el mundillo aparentemente despreocupado donde el trío israelí parece desenvolverse con soltura, los bares gays, los lugares de trabajo y ocio, lugares en los que aparecen personajes simpáticos o antipáticos, racistas o integradores.

Al otro lado de la franja se desenvuelve el entorno familiar, patriarcal y asfixiante, que rechaza al joven árabe cuando este “sale del armario” y tratan de obligarle a contraer matrimonio. Las fronteras reales y simbólicas, la burbuja que significa aislamiento y una mezcla de temor y confort, el amor en árabe, las sexualidades interraciales y la culpa en hebreo. Esta vez Fox pone toda la carne en el asador y va más lejos al retratar el racismo judío contra los árabes que ya aparecía en algunas secuencias clave de “Caminar sobre las aguas” mostrando con dureza las tropelías cometidas por la armada israelí sobre el lugar al tiempo que muestra los prejuicios del pueblo palestino hacia la homosexualidad.

CONCHA BUIKA, MIÉNTEME BIEN

2010-07-21T13:52:00.001+02:00

CELTAS CORTOS Y MARÍA TOLEDO

2010-07-20T17:04:00.000+02:00

AIMÉE Y JAGUAR

2010-07-20T01:52:00.003+02:00

La película alemana Aimée y Jaguar (1999) está basada en una exitosa novela de Erica Fischer publicada en 1994, a su vez basada en una historia real ocurrida en Berlín durante los últimos tiempos del nazismo. Es el caso de la historia de amor lésbica entre Felice Schragenheim (Maria Schrader) y Elisabeth "Lilly" Wust (Juliane Köhler).

Felice era una mujer judía y abiertamente lesbiana, que trabajaba para un periódico nazi y a la vez colaboraba con un movimiento antinazi pasándoles información. De caracter jovial y extrovertido, mantuvo siempre una actitud positiva y hedonista pese a vivir al filo de la navaja ante la posibilidad de ser descubierta por las autoridades, como finalmente ocurrió.

Por su parte Lilly era todo lo contrario, una mujer "aria" y llena de prejuicios hacia los judíos, casada con un oficial del ejercito nazi desplazado al frente oriental. A sus 29 años era madre de cuatro hijos e incluso había recibido uno de esos premios a la maternidad propios de ese tipo de régimen. Mientras su marido estaba en la guerra, ella se entretenía con diferentes amantes masculinos, principalmente entre miembros del partido nazi, y jamás se había planteado relacionarse con mujeres.

ANDER

2010-07-20T01:36:00.001+02:00

Ander es una película dramática española escrita y dirigida por Roberto Castón que se estrenó el 30 de enero de 2009. Fue financiada por el Berdindu, el servicio de apoyo LGBTI del departamento de servicios sociales del gobierno vasco, y destaca por ser la primera película de temática gay rodada principalmente en euskera.

Ander (Andrés, del griego ανηρ/ανδρος, hombre, varón)

• Premio CICAE en la sección Panorama del Festival Internacional de Cine de Berlín.
• Premio al mejor largometraje en Cinhomo.
• Premios a la mejor película, director y actor en el XII festival de cine de Punta del Este.
• Mención especial del jurado en el III Festival Llámale H (Montevideo).
• Violeta de oro a la mejor película en el Festival de Cine Español de Toulouse (Cinespaña 2009).
• Gran Premio del Jurado en CineHorizontes (Marsella).
• Mención Especial del Jurado en el Mediterranean Film Festival (Roma).
• LESGAICINEMAD: Mejor película (premio del jurado) y Premio del público a la mejor película española.
• Premio al mejor actor en el Festival Internacional de Jóvenes Realizadores de San Juan de Luz para Josean Bengoetxea.
• Premio a la mejor película y al mejor actor (Josean Bengoetxea) en el festival Queer Lisboa 2009.
• Premio del jurado a la mejor película en el Festival Internacional de cine de Albacete.
• Premio Ley del Deseo al mejor largometraje en el Festival de Cine Gay y Lésbico de Extremadura.
• Premio Lux del Parlamento Europeo 2009 (selección oficial).
• Premio del Público del Festival Mix Brasil al Mejor Largometraje de Ficción.
• Premio al mejor actor (Josean Bengoetxea) en el festival Premiers Plans de Angers (Francia).

EROS

2010-07-20T01:14:00.002+02:00

EROS (LA MANO)

Dir. Wong Kar-wai 60 min. Hong Kong

Intérpretes:

Li Gong (Miss Hua)
Chen Chang (Zhang)
Fung Tin (Master Jin)
Luk Auntie (Ying, sirviente de Hua)
Jianjun Zhou (Zhao, amante de Hua)

Eros es una cinta dividida en tres cortos relacionados evidentemente con el amor pero más pegados al erotismo, donde directores tan importantes como Antonioni, Soderbergh (que reemplazo a Almodóvar) y el director asiático que nos concierne, Wong Kar-wai, con su segmento de casi una hora de metraje condensa la esencia del espíritu inicial del filme concebido por Tonino Guerra (guionista de Antonioni) y es más, lo sobrepasa añadiéndole su propio sello personal y regalándonos una cuota más de su universo, creado en In the Mood for Love y seguido en 2046.

DESEANDO AMAR

2010-07-20T01:02:00.002+02:00

Fa yeung nin wa(花樣年華), Traducción literal: "La magnificencia de los años pasa como las flores"; el título internacional en inglés es In the mood for love, conocido en castellano como Con ánimo de amar o Deseando amar. Es una película del año 2000 escrita y dirigida por Wong Kar-Wai e interpretada por Maggie Cheung y Tony Leung Chiu Wai.

Título: Deseando amar
Título original: Fa yeung nin wa
Dirección: Kar Wai Wong
País: Francia, Hong Kong
Año: 2000
Duración: 98 min.
Género: Drama, Romance
Calificación: No recomendada para menores de 13 años
Reparto: Maggie Cheung, Tony Leung Chiu Wai, Ping Lam Siu, Rebecca Pan, Kelly Lai Chen, Man-Lei Chan, Tsi-Ang Chin, Roy Cheung, Paulyn Sun, Po-chun Chow, Kam-wah Koo, Hsien Yu
Distribuidora: Amboto Audiovisual S.L.
Productora: Paradis Films, Block 2 Pictures, Jet Tone Production
Coproducción ejecutiva: Gilles Ciment
Departamento artístico: Ping Lam Siu
Dirección: Kar Wai Wong
Diseño de producción: William Chang
Fotografía: Christopher Doyle, Pin Bing Lee
Guión: Kar Wai Wong
Montaje: William Chang
Música: Michael Galasso, Shigeru Umebayashi
Producción asociada: Jacky Pang Yee Wah, William Chang
Producción ejecutiva: Ye-cheng Chan
Vestuario: William Chang

Las sensaciones que provoca el visionado de Fa yeung nin wa son intensas e indescriptibles, probablemente lo más aproximado a lo que puede suponer un enamoramiento real, súbito, incontrolable, lo más cercano a una entrega total e incondicional. Porque, contra lo que suele ser habitual en el género romántico, Kar-Wai logra que el amor se palpe a través de la pantalla. La propia película, una de las más hermosas y poéticas manifestaciones del amor en la Historia del cine, consigue que el espectador se enamore de ella a través de un flechazo consistente en un torbellino de bellísimas imágenes, un uso sugerente de la música, y sobre todo, mediante un recital interpretativo de dos colosos del cine asiático, Maggie Cheung y Tony Leung Chiu Wai.

Premios

Festival de Cannes 2000Palma Mejor Actor, y mejor equipo técnico
Festival Internacional de HamburgoPremio Douglas Sirk (Mejor Melodrama)
Fertival Nuevo Cinema de MontrealPremio "Loba de oro" Mejor Película
Europena Film Awards 2000Mejor Película Internacional
Golden Horses 2000Mejor Actriz, Mejor Vestuario, Mejor Fotografía.

HAPPY TOGETHER

2010-07-20T00:53:00.003+02:00

HAPPY TOGETHER (1997)

Happy Together es una película de 1997 del director honkonés Wong Kar-Wai, quien ganó con ella el Premio al Mejor Director del Festival de Cannes 1997. El guión, del propio director, está basado en el relato The Buenos Aires affair del escritor argentino Manuel Puig. El título (que en castellano sería Felices juntos) proviene de una canción del grupo estadounidense de pop de los sesenta The Turtles. Con esta canción, en versión de Frank Zappa, finaliza la película.

Esta película trata del tema universal de la búsqueda del amor. Wong Kar-wai ha realizado una trilogía con este tema: Days of Being wild (Días Salvajes) en 1991, y continuó en In the mood for love (Deseando amar) en el 2000 y 2046 en el 2004. Happy Together, anterior a su gran revelación universal con Deseando amar, tiene muy presente ese estílo característico de Wong Kar-wai que hace que la narración se adentre en la conciencia del personaje, en su subjetividad. Es una marca enunciativa que puede ser identificable a lo largo de su filmografía, pero quizá se hace más presente en las películas que tratan sobre el amor, el deseo y la búsqueda del tiempo perdido bajo una mirada nostálgica. En Happy Together predomina la narración que se focaliza en el interior del personaje. El uso de la imagen, de la música y de una planificación donde se ansía detener el tiempo, donde éste se paraliza al igual que lo hacen sus protagonistas, crean una atmósfera a través de la cual se logra narrar los sentimientos de soledad y tristeza que invaden a sus dos protagonistas. El centro del relato es un personaje, tratado de un modo especial y diferenciado y descrito desde dentro. Y todo esto en una película en la que la voz en off es escasa en la enunciación, con lo cual el reto de adentrarse en la subjetividad de los personajes es mayor si cabe. Lo que Wong Kar-wai hace es que los actores a través de sus cuerpos, acciones, gestos, miradas, logren contar sus sentimientos.

Ficha técnica:

Dirección: Wong Kar Wai
Producción: Wong Kar Wai, Chan Ye Cheng
Guión: Wong Kar Wai
Música: Danny Chung
Fotografía: Christopher Doyle
Montaje: William Chang, Wong Ming Lam.
Reparto: Leslie Cheung, Tony Leung, Chang Chen, Gregory Dayton.
País: Hong Kong
Año: 1997
Género: Drama.
Duración: 94 minutos.
Productora: Fortissimofilms.

Premios y nominaciones:

-Festival de Cine de Cannes: Premio: Mejor Director, Nominación: Palma de Oro.
-1998 Arizona International Film Festival, Premio: Premio del público - Película extranjera más popular.
-1997 Golden Horse Awards: Premio: Mejor Fotografía (Christopher Doyle), Nominación: Mejor Director, Nominación: Mejor Actor (Leslie Cheung)
-1997 Hong Kong Film Awards:
Premio: Mejor Actor (Tony Leung Chiu-Wai)
Nominación: Mejor Película.
Nominación: Mejor Director.
Nominación: Mejor Actor (Leslie Cheung)
Nominación: Mejor Actor Secundario (Chang Chen)
Nominación: Mejor Dirección Artística (William Chang)
Nominación: Mejor Fotografía (Christopher Doyle)
Nominación: Mejor Diseño de Vestuario y Maquillaje (William Chang)
Nominación: Mejor Montaje (William Chang, Wong Ming-lam)

-1998 Hong Kong Film Critics Society Awards: Film of Merit.
-1998 Indepent Spirit Awards: Nominación: Mejor Película Extranjera.

Celuloide oculto

2010-07-19T14:11:00.001+02:00

GIA

2010-07-19T13:41:00.001+02:00

Head on (De cabeza) de Anna Kokkinos

2010-07-19T12:21:00.003+02:00

ΕΛΕΥΤΗΕΡΙΑ ΑΡΒΑΝΙΤΑΚH

2010-07-16T12:30:00.004+02:00

NUEVO DISCO DE MINA, FACILE 2009

2009-11-15T20:21:00.001+01:00

HYPATIA DE ALEJANDRÍA

2009-11-04T12:54:00.010+01:00

Nacida: Aproximadamente en el año 370 en Alejandría, Egipto.
Fallecida: Marzo del año 415 en Alejandría, Egipto.

Hypatia de Alejandría, se ha ganado a pulso un lugar en la historia de las matemáticas, dado que fue la primera mujer que realizó una importante contribución al desarrollo de las mismas.

Hypatia fue la hija del matemático y filósofo Theon de Alejandría, y es muy probable que estudiara matemáticas bajo la orientación e instrucción de su padre. Es digno de mención el hecho de que Hypatia llegase a ser uno de los líderes de la escuela Platónica de Alejandría, aproximadamente en el año 400 D.C. Allí ofreció discursos de matemáticas y filosofía, enseñando en particular la filosofía del Neoplatonismo. Hypatia basó sus enseñanzas en las de Plotinus, fundador del Neoplatonismo, y en Iamblichus, quien desarrolló dicha doctrina alrededor del año 300 D.C.

Plotinus explicaba que existe una última realidad que está más allá del alcance del pensamiento o el lenguaje. El objetivo de la vida era aspirar a dicha última realidad, que nunca podía ser descrita de forma precisa. Plotinus enfatizaba que la gente no tenía la capacidad mental para entender completamente ni la última realidad ni las consecuencias de su existencia. Iamblichus distinguió, además, niveles de realidad, en una jerarquía de niveles, por debajo de la mencionada última realidad. En dicha jerarquía, existe un nivel de realidad correspondiente a cada pensamiento distinto del cual la mente humana es capaz. Hypatia enseñó estas ideas filosóficas con un mayor énfasis científico que los primeros discípulos del Neoplatonismo. Ella fue descrita por los comentaristas como una profesora carismática.

Hypatia llegó a simbolizar el conocimiento y la ciencia que los primeros Cristianos identificaron con el paganismo. No obstante, entre los pupilos a quienes había enseñado en Alejandría había muchos Cristianos destacados. Uno de los más famosos fue Synesius de Cyrene, que más tarde llegó a convertirse en obispo de los ptolomeos. Muchas de las cartas que Synesius escribió a Hypatia se han preservado y podemos apreciar que algunas de ellas están llenas de admiración y reverencias por los conocimientos de Hypatia y sus habilidades científicas.

En el año 412 Cyril (después San Scyril) se convirtió en el patriarca de Alejandría. Sin embargo, el prefecto romano de Alejandría fue Orestes. Ambos se transformaron en encarnizados rivales políticos, peleando por el control de la Iglesia y el Estado. Hypatia fue amiga de Orestes y esto, junto con los prejuicios en contra de su visión filosófica que fue vista por los cristianos como pagana, llegó a colocar a Hypatia en el foco de los disturbios entre los Cristianos y los no-Cristianos. Thomas Little Heath escribió de Hypatia:

‘ … por su elocuencia y autoridad … alcanzó tal influencia que el Cristianismo se consideró amenazado … ’

Algunos años más tarde, con arreglo a lo que se recoge en una denuncia Hypatia fue brutalmente asesinada por los monjes Nitrian, que constituían una secta fanática de cristianos partidarios de Cyril. De acuerdo con otro relato (de Sócrates Scholasticus), una caterva de alejandrinos liderados por Peter, un estudioso de la época, dio muerte a la famosa matemática. Parece ser innegable que su asesinato fue consumado por Cristianos, quienes se sentían amenazados por su erudición, cultura y profundo conocimiento de la ciencia. Este evento, se convirtió en un hecho crucial que ha sido descrito de la siguiente forma:

‘Cualquiera que sea el móvil preciso para el asesinato, tras la temprana partida de muchos sabios memorables dio comienzo del declive de Alejandría, que hasta entonces había sido el mayor centro del conocimiento antiguo’.

No existe evidencia de que Hypatia abordara de la búsqueda de los orígenes de la matemática. Sin embargo, ella asistió a su padre, Theon de Alejandría, en la escritura del comentario de la undécima parte del Almagesto de Ptolomeo. Asimismo, se pensaba que colaboró con su padre en la producción de una nueva versión de los Elementos de Euclides, que llegó a ser la base para todas las ediciones posteriores de Euclides. Thomas Little Heath escribió lo siguiente acerca de la edición de los Elementos de Theon e Hypatia:

‘… aunque sólo realizó insignificantes añadiduras al contenido de los “Elementos”, él se esforzó en suprimir dificultades que podrían sentir los lectores noveles al estudiar el libro, tal y como un redactor moderno podría hacer en la edición de un libro de texto clásico para el uso en escuelas; y no quepa duda que su edición fue acogida por sus pupilos de Alejandría, para quienes fue escrita, así como por los griegos posteriores quienes exclusivamente utilizaban ésta…’

Además del trabajo que realizó en común con su padre, se puede consultar en los textos redactados por Suidas, que Hypatia escribió comentarios sobre la ‘Arithmetica’ de Diophanto, las ‘Conics’ de Apolunio y los trabajos astronómicos de Ptolomeo. El pasaje Suida encontrado, dista de ser claro y la mayoría de los historiadores dudan que Hypatia escribiera cualquier comentario sobre Ptolomeo de otra manera que no fuera en los trabajos que realizó conjuntamente con su padre.

Todos los trabajos de Hypatia se pierden, a excepción de sus títulos y algunas referencias hacia ellos. Sin embargo, no se tiene conocimiento de ningún trabajo puramente filosófico, solo de trabajos sobre matemáticas y astronomía. Basado en esta pequeña evidencia, Deakin sostiene la opinión de que Hypatia era una excelente recopiladora, editora y la preservadora de los trabajos matemáticos más tempranos.

Como se ha mencionado anteriormente, algunas cartas de Synesius a Hypatia todavía se conservan. En ellas, por ejemplo, le pide consejo para la construcción de un astrolabio y un hidroscopio (especie de reloj de agua).

Charles Kingsley (más conocido como el autor de ‘The Water Babies’) la convirtió en heroína de una sus novelas ‘Hypatia, or New Foes with an Old Face’. Como Kramer ha mencionado en algunas ocaciones:

‘Tales trabajos han perpetuado la leyenda de que ella no era solo una intelectual, sino que también era hermosa, elocuente y modesta.’

Autores: O'Connor, J.J. y Robertson, E.F.
Traducción: Rubén Alexis Sáez Morcillo y Ana Isabel Martínez Domínguez.

PACO VIDARTE

2009-10-27T23:25:00.003+01:00

Francisco Javier Vidarte Fernández (Paco Vidarte), filósofo, escritor y activista gay. Licenciado en Filosofía (Premio Extraordinario de Licenciatura) por la Universidad Pontificia de Comillas (UPC, Madrid), Máster en Psicoanalítica por la Universidad Complutense de Madrid y Doctor de Filosofía (Premio extraordinario de Doctorado) por la Universidad Nacional de Educación a Distancia (UNED). Desde 2002 Paco Vidarte era Profesor Titular del Departamento de Filosofía de la Facultad de Filosofía de la UNED. Impartió cursos y seminarios sobre teoría queer, Derrida y pensamiento francés contemporáneo. Escribió y tradujo más de 20 libros y artículos sobre estos temas. Participó en ponencias, congresos y seminarios filosóficos internacionales.

¡QUÉ MARIQUITA NI QUÉ NIÑO MUERTO!

A mi amigo Juan de Ayamonte y todos los que fueron, son y serán niños mariquitas en los colegios de Huelva

"Si volviera a nacer, volvería a ser maricón". O lesbiana. En esto coincidimos todos, al menos todos los que seguimos vivos heroicamente en una sociedad heterosexista y homofóbica porque hemos conseguido salir indemnes con mejor o peor suerte de sus criminales políticas de propagación del VIH, de acoso y persecución institucional y social desde pequeños hasta mayores. Esto es el orgullo gay, no otra cosa. Orgullo de seguir vivos y haber sorteado todo un dispositivo de disuasión encaminado a reprimir, desviar, invertir, obstaculizar, penalizar, martirizar física y psicológicamente nuestra preferencia sexual.

Sin embargo, pese a todo el orgullo gay que podamos acumular a lo largo de la vida y habernos construido un nicho social, familiar, laboral en el que sentirnos a gusto y absolutamente felices, creo que casi nadie sería capaz de decir esta otra frase, similar a la anterior, sin sentir un escalofrío por la espalda y ver cómo se le pasan cinematográficamente, en unos segundos, escenas de horror amontonadas en el desván de la memoria: "Si volviera a nacer, me gustaría volver a ser el niño mariquita de mi colegio". Es nuestra piedra de toque: no querer volver a vivir la infancia, un contexto donde nuestra autoestima era imposible. Toda nuestra infancia a la mierda, nada se salva. No quiero haber sido niño. Las maricas no miramos atrás. Vivimos y recordamos desde que empezamos a ser felices y de ahí en adelante. El presente y el futuro son nuestros. En el pasado sucumbimos. Quizás no todos, ni del mismo modo. Esto no es victimismo. Es historia. La historia de la España mariquita que siempre ha perdido en los dos frentes y cuyos muertos ni siquiera se desentierran ni son honrados.

Yo soy un niño muerto. No porque me solidarice hipócritamente con ninguna víctima del bullying, sino porque si alguna vez fui un niño, murió rápido: yo lo asesiné y lo enterré vivo buscando salvarme en mi vida de adolescente. Al que también enterré vivo, dándole con la pala en la cabeza hasta que dejó de moverse. Luego ya nunca he vuelto a sepultarme y tampoco creo en los fantasmas. Ahora sé defenderme.

"Si todos los niños y niñas deben estar protegidos contra los malos tratos (art. 6 [de los Derechos del niño]), eso significa que no se puede ejercer sobre ellos y ellas violencia física, psicológica o simbólica con el único objetivo de promocionar una identificación heterosexual o de castigar actitudes, gustos, opiniones, aficiones, etc., que se quieran interpretar como señales de disconformidad con un modelo de rol de género o con una posible preferencia sexual" (Llamas, R. y Vidarte, F. J.: Homografías. "Nenaza. La invención del niño mariquita", Madrid, Espasa-Calpe, 1999, p. 111). Hace ya muchos años que escribimos esto Ricardo Llamas y yo. Y que hablamos del suicidio y del acoso escolar por estos motivos nunca atendidos y siempre silenciados. Como sucede hoy.

Estamos asistiendo a una invasión mediática de algo que hemos sabido y experimentado siempre. Ahora parece que tiene nombre. Un nombre ininteligible e inescribible en castellano: bullying. Como si lo hubiéramos importado de culturas anglosajonas más avanzadas que la nuestra. De nuevo asistimos en nuestro país a un alejamiento culpable de toda responsabilidad respecto del "proyecto de exterminio de los (niños) mariquitas" como si fuera cosa de estos tiempos revueltos de crisis de autoridad y familia nuclear desmembrada por la Play. Ya es hora de que revisemos el sistema patriarcal heterosexista en que vivimos que provoca mortalidad infantil en las aulas, acoso, montañas de sufrimiento, mujeres maltratadas y asesinadas y más cosas terribles. Lo mismo que en Euskadi, parece que la culpa la tienen cuatro locos violentos irracionales, niños malos. La cosa es no mirarnos nunca el ombligo ni reconstruir la historia de un país de machitos violentos, heterosexistas, patrioteros, patriarcales, misóginos, creyentes, homofóbicos, deportistas y celosos asesinos de todo cuanto amenace su cada vez más precario sistema de opresión. Javier Sáez, amigo y teórico queer, me comentaba que en dos estudios franceses recientes sobre factores de discriminación en las aulas, a uno se le olvidó incluir la "homosexualidad" y el otro le preguntó a los niños directamente si eran homosexuales. Todos callaron, naturalmente. ¿Quién va a decir en su clase que es mariquita? El resultado del estudio fue que no existía discriminación por orientación sexual en las escuelas.

Menos científicamente, yo he hecho una pequeña encuesta entre amigos que cualquiera puede hacer rápidamente y, no por azar, a todos nos venía a la memoria alguna escena de acoso, de humillación. O incipientes estrategias de supervivencia y disimulo: "Yo no tenía pluma, pero era gordito, tenía gafas, era el empollón, un niño muy raro, muy complicado, introvertido, no me relacionaba, vivía en mi mundo, iba a mi bola, tenía uno o dos amigos tan solo y me dejaban en paz". No se trata de tener a todo el profesorado buscando y detectando persecutoriamente a los niños mariquitas para hipervisibilizarlos, patologizarlos, señalarlos y así poder "protegerlos". Ya me veo las quejas de los padres viendo su orgullo familiar por los suelos: "Mi niño ha sido objeto de acoso pero ¡no es mariquita!".

El problema no es que la agresión, el acoso convierta socialmente a la víctima en mariquita, la raíz del problema es que el bullying rubrica la heterosexualidad de los agresores en una edad temprana donde buscan afirmar su virilidad e identidad sexual como pueden, como ven, como siempre se ha enseñado en España (un país que apremia a ser hetero cuanto antes): a golpes con los maricas y las mujeres. Y demás antiespañoles.

Paco Vidarte: Profesor de filosofía en la UNED. Ha escrito (con R. Llamas) Homografías (1999) y Extravíos (2001), ambos en Espasa-Calpe, Madrid. Recientemente ha editado con J. Sáez y D. Córdoba, Teoría queer. Políticas bolleras, maricas, trans, mestizas (2005) en la Editorial Egales, Madrid y ha colaborado en Zero en numerosas ocasiones.

COLABORACIONES MUSICALES

2009-06-14T14:59:00.003+02:00

QUE VERGÜENZA DE CLERO

2009-06-07T20:37:00.003+02:00

Las declaraciones del Cardenal Cañizares es para poner el grito en el cielo y para ponerlo a él (mejor me callo....) porque incluso en los tiempos que corren acabaría una peor que él encima. Comparar el aborto con los abusos sexuales a niños no es que sea "irresponsable" como dice la Ministra de Sanidad, Trinidad Jiménez, sino que es para volverse loca. Y éstos son los que viven del dinero de los españoles dando misas y...... Me parece fantástico, vamos. Y sigamos así, sigamos. ¿Cuanta mierda puede tapar una sotana y un traje con corbata? ¡QUE UN FETO NO ES CONSCIENTE DE SU EXISTENCIA AÚN, SEÑORES! UN NIÑO SÍ. QUE UN FETO DE 8 SEMANAS ES UN SER VIVO PERO NO HUMANO (como dijo la Ministra de Igualdad, Bibiana Aido) SÍ SEÑORES, SÍ. ¿ESO NO LO ENTIENDEN USTEDES? PERO ABUSAR DE UN NIÑO PEQUEÑO ESO SÍ LO ENTIENDEN, SEÑORES CARDENALES, ESO SÍ LO SABEN HACER USTEDES ¿NO?. ¡AH, CLARO QUE EL NIÑO AL DÍA SIGUIENTE SIGUE VIVO PARA QUE PUEDAN SEGUIR USTEDES ABUSANDO DE ÉL! AUNQUE SIGUE APARENTEMENTE VIVO PERO MUERTO, MUERTO EN SU INOCENCIA, MUERTO MORALMENTE PARA SIEMPRE. OBJETOS PARA SIEMPRE DE QUIENES LE QUIERAN SEGUIR EXPOLIANDO SUS SENTIMIENTOS YA PARA SIEMPRE ENTERRADOS.

Yo no tengo ganas de lanzarle ningún grito a Roma, porque ya sabemos que no escuchan lo que no les conviene y punto. Sordos para el grito del sediento, del hambriento, del enfermo de sida, del marginado, sordos para el grito de ese niño que agoniza ante el abuso y el poder de un hombre que le pone sus manos sucias y grandes que le resulta a él un gigante, un gigante que puede aplastarle si grita. Pero voy a dejar que grite el muerto más vivo, Federico García Lorca, ese que mataron también para que no siguiera hablando, para que no siguiera gritando esta miseria de vida. Recuerdo ahora una letra de Lole y Manuel que decía: "El cardo siempre gritando y la flor siempre callá. ¡Que hable la flor y que se calle el cardo!" ¡QUE SE CALLE EL CARDO, POR FAVOR, QUE SE CALLE EL CARDO!

FEDERICO NEGRO, FEDERICO GITANO, FEDERICO HOMOSEXUAL, FEDERICO MUJER, FEDERICO SIEMPRE TÚ AL LADO DE LOS QUE SON VERDAD, AL LADO DE LOS QUE SUFREN, MARGINADOS POR ESOS QUE SE DISFRAZAN DE PODER PARA ESCONDER CON ÉXITO SUS MISERIAS.

FEDERICO GARCÍA LORCA, POETA EN NUEVA YORK

Grito hacia Roma

(Desde la torre del Crysler Building)

Manzanas levemente heridas

por los finos espadines de plata,

nubes rasgadas por una mano de coral

que lleva en el dorso una almendra de fuego,

peces de arsénico como tiburones, tiburones

como gotas de llanto para cegar una multitud,

rosas que hieren

y agujas instaladas en los caños de la sangre,

mundos enemigos y amores cubiertos de gusanos

caerán sobre ti. Caerán sobre la gran cúpula

que untan de aceite las lenguas militares

donde un hombre se orina en una deslumbrante paloma

y escupe carbón machacado

rodeado de miles de campanillas.

Porque ya no hay quien reparta el pan ni el vino,

ni quien cultive hierbas en la boca del muerto,

ni quien abra los linos del reposo,

ni quien llore por las heridas de los elefantes.

No hay más que un millón de herreros

forjando cadenas para los niños que han de venir.

No hay más que un millón de carpinteros

que hacen ataúdes sin cruz.

No hay más que un gentío de lamentos

que se abren las ropas en espera de la bala.

El hombre que desprecia la paloma debía hablar,

debía gritar desnudo entre las columnas,

y ponerse una inyección para adquirir la lepra

y llorar un llanto tan terrible que disolviera sus anillos y sus teléfonos de diamante.

Pero el hombre vestido de blanco

ignora el misterio de la espiga,

ignora el gemido de la parturienta,

ignora que Cristo puede dar agua todavía,

ignora que la moneda quema el beso de prodigio

y da la sangre del cordero al pico idiota del faisán.

Los maestros enseñan a los niños

una luz maravillosa que viene del monte;

pero lo que llega es una reunión de cloacas

donde gritan las oscuras ninfas del cólera.

Los maestros señalan con devoción las enormes cúpulas sahumadas;

pero debajo de las estatuas no hay amor,

no hay amor bajo los ojos de cristal definitivo.

El amor está en las carnes desgarradas por la sed,

en la choza diminuta que lucha con la inundación;

el amor está en los fosos donde luchan las sierpes del hambre,

en el triste mar que mece los cadáveres de las gaviotas

y en el oscurísimo beso punzante debajo de las almohadas.

Pero el viejo de las manos traslucidas

dirá: amor, amor, amor,

aclamado por millones de moribundos;

dirá: amor, amor, amor, entre el tisú estremecido de ternura;

dirá: paz, paz, paz,

entre el tirite de cuchillos y melones de dinamita;

dirá: amor, amor, amor,

hasta que se le pongan de plata los labios.

Mientras tanto, mientras tanto, ¡ay!, mientras tanto,

los negros que sacan las escupideras,

los muchachos que tiemblan bajo el terror pálido de los directores,

las mujeres ahogadas en aceites minerales,

la muchedumbre de martillo, de violín o de nube,

ha de gritar aunque le estrellen los sesos en el muro,

ha de gritar frente a las cúpulas,

ha de gritar loca de fuego,

ha de gritar loca de nieve,

ha de gritar con la cabeza llena de excremento,

ha de gritar como todas las noches juntas,

ha de gritar con voz tan desgarrada

hasta que las ciudades tiemblen como niñas

y rompan las prisiones del aceite y la música,

porque queremos el pan nuestro de cada día,

flor de aliso y perenne ternura desgranada,

porque queremos que se cumpla la voluntad de la Tierra

que da sus frutos para todos.

Lex Oppia

2009-06-04T19:16:00.000+02:00

Extemplo simul pares esse coeperint, superiores erunt (Livio, Ab urbe condita, XXXIV, 3) argumentó Catón en el 195 a. C. a la petición de derogación de la Lex Oppia. El mensaje de la cita, y el temor que encierra, no pueden ser más fulminantes, TAN PRONTO COMO HAYAN EMPEZADO A SER IGUALES, SERÁN SUPERIORES. Se está refiriendo Catón a las mujeres.

La Lex Oppia fue una Ley que estuvo vigente en la República Romana desde su promulgación en el año 215 a. C. hasta el año 195 a. C., año en que fue derogada a pesar de la oposición de Catón el Viejo. Era una ley restrictiva para las mujeres, ya que se les prohibía llevar más de una cierta cantidad de oro, vestidos coloridos y llevar carruajes por ellas mismas demasiado cerca de la ciudad, a menos que fuera para ritos religiosos.

BAMBINO

2009-05-29T19:54:00.001+02:00

SIN COMENTARIOS. ¡AHÍ QUEDA ESO!

MARIO BENEDETTI

2009-05-18T19:18:00.003+02:00

Nacido en 1920 en Montevideo (Uruguay), escritor y poeta integrante de la generación del 45 nos dejó ayer a sus 88 años. Mario es autor de ensayos, cuentos, novelas y poemas, muchos poemas que se han hecho conocidísimos. Entre ellos éste que he elegido y que tienen a continuación. Algunos de sus poemas más conocidos están en la película de Eliseo Subiela, El lado oscuro del corazón, una de mis filmes favoritos.

Ustedes y nosotros

Ustedes cuando aman
exigen bienestar
una cama de cedro
y un colchón especial,
nosotros cuando amamos
es fácil de arreglar
con sábanas qué bueno
sin sábanas da igual.

Ustedes cuando aman
calculan interés
y cuando se desaman
calculan otra vez,
nosotros cuando amamos
es como renacer
y si nos desamamos
no la pasamos bien.

Ustedes cuando aman
son de otra magnitud
hay fotos chismes prensa
y el amor es un boom,
nosotros cuando amamos
es un amor común
tan simple y tan sabroso
como tener salud.

Ustedes cuando aman
consultan el reloj
porque el tiempo que pierden
vale medio millón,
nosotros cuando amamos
sin prisa y con fervor
gozamos y nos sale
barata la función.

Ustedes cuando aman
al analista van
él es quien dictamina
si lo hacen bien o mal,
nosotros cuando amamos
sin tanta cortedad
el subconsciente piola
se pone a disfrutar.

Ustedes cuando aman
exigen bienestar
una cama de cedro
y un colchón especial,
nosotros cuando amamos
es fácil de arreglar
con sábanas qué bueno
sin sábanas da igual.

17 DE MAYO DÍA INTERNACIONAL CONTRA LA HOMOFOBIA, TRANSFOBIA, BIFOBIA.

2009-05-16T16:18:00.002+02:00

ANNA VISSI

2009-05-09T13:43:00.001+02:00

LA MADONNA GRIEGA, LA DIOSA (THE THEA) LA LLAMAN EN GRECIA.

ANNA VISSI VERSUS BRITNEY SPEARS

2009-05-09T13:28:00.001+02:00

Carpe diem

2009-05-03T21:05:00.002+02:00

El frecuentísimo tópico conocido como Carpe diem -'aprovecha el día'- consiste en una invitación a disfrutar del presente sin preocuparse del futuro. La formulación "carpe diem" aparece por primera vez en Horacio, en el ejemplo que citamos más abajo. Son frecuentes otras formulaciones, como el conocido collige rosas -'coge las rosas'-. De ordinario, el tópico del carpe diem aparece en unión de otros lugares comunes, como el de la fugacidad del tiempo (tempus fugit).

dum loquimur, fugerit invida
aetas: carpe diem, quam minimum credula postero.

Mientras hablamos, huye el envidioso tiempo. Aprovecha el día, y no confíes lo más mínimo en el mañana.

Horacio, Odas, I, 11, 7-8.

Hay muchísimos ejemplos de este tópico de la literatura latina. Aquí van algunos:

1-Catulo, 5,1.

Vivamus, mea Lesbia, atque amemus,
rumoresque senum severiorum
omnes unius aestimemus assis.
soles occidere et redire possunt:
nobis, cum semel occidit brevis lux,
nox est perpetua una dormienda.

Vivamos, querida Lesbia, y amémonos,
y las habladurías de los viejos puritanos
nos importen todas un bledo.
Los soles pueden salir y ponerse;
nosotros, tan pronto acabe nuestra efímera luz,
tendremos que dormir una noche eterna.

2-Rinconete y Cortadillo, M. de Cervantes, Madrid, Alianza 1992.

Con esto, se fue la Pipota, diciéndoles:- Holgaos, hijos, ahora que tenéis tiempo; que vendrá la vejez y lloraréis en ella los ratos que perdisteis en la mocedad, como yo los lloro.

3-Poemas de la India en Equipaje de mano, Martín López-Vega, Madrid, Acuarela, 2000.

Entrégate a todo amor, hermosa joven,
pues huye día a día la juventud.
¿Quieres pagar mayor tributo a la muerte
que el que ella misma se cobrará cuando te desnude?

4-Los estados carenciales, Á. Vallvey, Madrid, Destino, 2002.

¿Qué pretendes con tu abatimiento y tu agonía gratuitas? No le añadas fuego al fuego para aumentar la locura. Ésta es la vida. Esto es lo que hay. Cenizas y confusión. Pero también prodigios y grandeza. Napoleón sabía que vivimos y morimos entre maravillas. Tú también deberías saberlo, deberías saber que del barro nacen flores, y de tu tristeza puedes obtener fuerza en lugar de depresión. Somos carne mortal, pero lo mortal es para los mortales, como decía Píndaro. Aprovecha tu mortalidad, apura tu tiempo hasta las heces. Somos ciegos que pretenden comprender el arco iris, pero, Luz, ¿qué más da?, ¿qué más da?, ¿es que no notas cómo bulle la vida a tu alrededor?

5-Andrew Marwell en Antología Esencial de la Poesía Inglesa, Ángel Rupérez (ed.), Madrid, Espasa, 2000.

A su esquiva señora.

Por eso ahora, mientras colores juveniles
afloran a tu piel como al alba el rocío
y tu alma deseosa por cada poro
transpira fuegos instantáneos,
pasémonoslo bien mientras podamos
y, como aves de presa entregadas a amarse,
antes devoremos nuestro tiempo con prisa
en vez de languidecer ante su lenta caza.
Echemos a rodar toda nuestra fuerza
y toda la dulzura en una misma bola
y con áspera lucha rasguemos los placeres
por todas las puertas de hierro de la vida.
Así, aunque no podamos hacer que nuestro sol
se detenga, sí al menos podremos gobernar su carrera.

6-Luis de Góngora.

Ilustre y hermosísima María,

mientras se dejan ver a cualquier hora

en tus mejillas la rosada aurora,

Febo en tus ojos, y en tu frente el día,

y mientras con gentil descortesía

mueve el viento la hebra voladora

que la Arabia en sus venas atesora

y el rico Tajo en sus arenas cría;

antes que de la edad Febo eclipsado,

y el claro día vuelto en noche oscura,

huya la aurora del mortal nublado;

antes que lo que hoy es rubio tesoro

venza a la blanca nieve su blancura,

goza, goza el color, la luz, el oro.

7-Francisco Álvarez Velasco

Oye latir la noche

en la voz subterránea

de las tardes,

y chascar la hojarasca

del otoño

en el suave mecerse de las frondas de mayo.

Podredumbre en desorden ya acelera la muerte

bajo la piel hermosa de los cuerpos.

Apresúrate, pues, corazón jubiloso.

Goza tarde, hojas verdes, luz viva en el cabello,

claveles, labios que tus ojos siguen,

piel de la frente y cuello y alegre primavera.

8-Juana de Ibarbourou (Uruguay 1892-1979)

La hora

Tómame ahora que aún es temprano

y que llevo dalias nuevas en la mano.

Tómame ahora que aún es sombría

esta taciturna cabellera mía.

Ahora , que tengo la carne olorosa,

y los ojos limpios y la piel de rosa.

Ahora que calza mi planta

ligera la sandalia viva de la primavera

Ahora que en mis labios repica la risa

como una campana sacudida a prisa.

Después...¡oh, yo sé que nada de eso más tarde tendré!

Que entonces inútil será tu deseo

como ofrenda puesta sobre un mausoleo.

¡Tómame ahora que aún es temprano

y que tengo rica de nardos la mano!

Hoy, y no más tarde. Antes que anochezca

y se vuelva mustia la corola fresca.

hoy, y no mañana. Oh amante, ¿no ves

que la enredadera crecerá ciprés?

9-Garcilaso de la Vega

En tanto que de rosa y azucena

se muestra la color en vuestro gesto,

y que vuestro mirar ardiente, honesto,

enciende el corazón y lo refrena;

y en tanto que el cabello, que en la vena

del oro se escogió, con vuelo presto,

por el hermoso cuello blanco, enhiesto,

el viento mueve, esparce y desordena;

coged de vuestra alegre primavera

el dulce fruto, antes que el tiempo airado

cubra de nieve la hermosa cumbre.

Marchitará la rosa el viento helado,

todo lo mudará la edad ligera,

por no hacer mudanza en su costumbre.

10-Francisco Brines, El otoño de las rosas.

Collige, virgo, Rosas.

Estás ya con quien quieres. Ríete y goza. Ama.

Y enciéndete en la noche que ahora empieza,

y entre tantos amigos (y conmigo)

abre los grandes ojos a la vida

con la avidez preciosa de tus años.

La noche, larga, ha de acabar al alba,

y vendrán escuadrones de espías con la luz,

se borrarán los astros, y también el recuerdo,

y la alegría acabará en su nada.

Más, aunque así suceda, enciéndete en la noche,

pues detrás del olvido puede que ella renazca,

y la recobres pura, y aumentada en belleza,

si en ella, por azar, que ya será elección,

sellas la vida en lo mejor que tuvo,

cuando la noche humana se acabe ya del todo,

y venga esa otra luz, rencorosa y extraña,

que antes que tú conozcas, yo ya habré conocido.

11-Joan Manuel Serrat, Hoy puede ser un gran día.

Hoy puede ser un gran día.

Plantéatelo así,

aprovecharlo o que pase de largo

depende en parte de ti.

Dale el día libre a la experiencia

para comenzar,

y recíbelo como si fuera

fiesta de guardar.

No consientas que se esfume,

asómate y consumela vida a granel.

Hoy puede ser un gran día,

duro con él.

Hoy pueder ser un gran día

donde todo está por descubrir,

si lo empleas como el último

que te toca vivir.

Saca de paseo a tus instintos

y ventílalos al sol,

y no dosifiques los placeres;

si puedes, derróchalos.

Si la rutina te aplasta,

dile que ya basta de mediocridad.

Hoy puede ser un gran día,

date una oportunidad.

Hoy puede ser un gran día

imposible de recuperar,

un ejemplar único,

no lo dejes escapar.

Que todo cuanto te rodea

lo han puesto para ti.

No lo mires desde la ventana

y siéntate al festín.

Pelea por lo que quieres

y no desesperes

si algo no anda bien.

Hoy puede ser un gran día

y mañana también.

San Sebastián de Tiziano

2009-04-25T18:25:00.007+02:00

Sebastián, Guido Reni, Escuela Clasicista.

Tiziano Vecellio, San Sebastián

Óleo sobre lienzo, 1575.

Museo del Hermitage.

Un santo cristiano del siglo III, pintado por Tiziano en 1570, acabó convirtiéndose en un icono gay 1.600 años después. Muchos han querido ver en su rostro ambiguo y su postura a un representante de la cultura homosexual. El soldado romano condenado por sus creencias —ese fue el pecado de Sebastián— retratado por Tiziano recuerda a una estatua griega. Su rostro está inspirado en uno de los hijos de la escultura griega de Laooconte y su cuerpo en el Apolo de Balvedere. Curiosamente al santo se le conoce en arte como el Apolo Cristiano por ser, al igual que el dios clásico, una de las imágenes más representadas. Narra el primero de los martirios que sufrió Sebastián, el de ser aseteado, martirio que no consiguió matarlo. La boca entreabierta, el gesto ambiguo, entre el dolor y el placer, y su postura recuerdan más a un efebo clásico que al mártir que realmente fue.

San Sebastián fue un soldado romano que fue condenado por Diocleciano por no querer abjurar del cristianismo. Su martirio se producirá por medio de una lluvia de flechas que se clavarán en su cuerpo, aunque no conseguirán matarlo, recogiéndole Santa Irene por la noche, curándole las heridas. Más tarde será decapitado.

Aunque no muera en ella, será la lluvia de flechas el momento elegido para su representación por su potencialidad dramática. Sin embargo, y como empieza ya a aparecer en Mantenga y es habitual ya en todo el siglo XVI. La representación comienza a tener unas características muy poco comunes. Frente al dolor que debería representar, el santo suele aparecer tranquilo o, aún más, con una cierta cara de placer, que (ortodoxamente) debería ser interpretada como un éxtasis o gozo supremo ante la visión ya cercana de Dios.

Sin embargo, este éxtasis (como luego el de Santa Teresa) fue interpretado de otra manera y el santo (un hombre normalmente musculazo, semidesnudo en donde el placer y el dolor se unen) terminó por ser el patrón popular de los gays a partir de finales del XV y XVI.

La Iglesia (sobre todo en Trento) intentó combatir esta costumbre, introduciendo decretos que impidieran la realización de obras excesivamente sensuales para la iglesia, poniendo veedores (expertos que calificaban las obras antes de su exposición pública) en todas las diócesis importantes, aunque al fin la medida no tuvo demasiado éxito y San Sebastián siguió siendo una de las imágenes más repetidas a lo largo del arte clásico.

Y es que, fuera ya del mundo griego en donde la homosexualidad era una práctica común perfectamente asimilada entre las clases altas, en el Renacimiento hubo numerosos autores gays como Botticelli, Cellini, Donatello, Michelangelo, Rafael, Leonardo da Vinci, que gracias a sus vínculos con el poder pudieron más o menos seguir sus inclinaciones sin demasiados sobresaltos (aunque Leonardo, por la delación de un enemigo, llegó a ser encarcelado durante un año).

Era el llamado pecado nefando, y en casi todos los países era causa de muerte en la hoguera, aunque como siempre ha ocurrido las clases poderosas tenían una mayor libertad de costumbres y menor control social.

Derek Jarman (1942- 1986). Escritor, poeta, actor (actuó en Julio César de Shakespeare, uno de sus autores preferidos intensamente a lo largo de su vida), escenógrafo, diseñador, cineasta, pintor y activista por los derechos de los homosexuales, es reconocido mundialmente por la calidad de sus obras. En todas sus películas se puede apreciar su pasión por el arte, creando verdaderos cuadros en sus escenas.

Sebastiane (1976) fue el primer largometraje dirigido por el cineasta de culto gay Derek Jarman. La película, hablada en latín, cuenta la historia de San Sebastián, capitán de la guardia del emperador Diocleciano que fue condenado a morir asaeteado por sus simpatías hacia el emergente Cristianismo. Mártir católico e icono gay, el filme no omite su relación homosexual con el centurión Justino.

EL NUEVO DISCO DE MINA

2009-04-19T01:03:00.005+02:00

Sulla tua boca lo dirò (Sobre tu boca lo diré)

Ya está a la venta en formato digital el nuevo disco de Mina, un tributo a los mejores romances en el que la cantante no incluye ningún tema inédito. El primer single de esta nueva publicación es Nessun Dorma, una versión libre de la conocida aria de la opera Turandot de Puccini para Tenor.

1- Mi chiamano Mimi

2- Ideale

3- I Have a Love

4- Caro mio Ben

5- Oblivion

6- Mi parlavi adagio

7- Manon

8- Bess You Is… I Loves You Porgy

9- È la solita storia…

10- Nessun dorma

11- E lucean le stelle

12- Sono andati

La cantante presentó en el Festival de San Remo el nuevo single, Nessun Dorma a través de un video promocional:

Nessun dorma!

Nessun dorma! Nessun dorma!

Tu pure, o Principessa,

nella tua fredda stanzaguardi le stelle che tremano

d'amore e di speranza!

Ma il mio mistero e chiuso in me,

il nome mio nessun sapra!

No, no, sulla tua bocca Io diro,

quando la luce splendera!

Ed il mio bacio sciogliera

il silenzio che ti fa mia!

Il nome suo nessun sapra...

E noi dovrem, ahime! Morir! Morir!

Dilegua, o notte!

Tramontate, stelle! Tramontate, stelle!

All'alba vincero! Vincero! Vincero!

¡Que nadie duerma!
¡Que nadie duerma! ¡Que nadie duerma!
Tú también, princesa,
en tu fría estancia
miras las estrellas que tiemblan de amor y de esperanza!

¡Mas mi misterio se encierra en mí,
mi nombre nadie lo sabrá!
¡No, no, sobre tu boca lo diré,
cuando resplandezca la luz!

¡Mi beso deshará
el silencio que te hace mía!
Mi nombre nadie lo sabrá,
Al amanecer deberemos morir ! Morir !

¡Noche, disípate!
¡Pónganse las estrellas!
¡Pónganse las estrellas!
¡Al alba venceré!¡Venceré, venceré!

MUCHATELA

2009-04-06T12:23:00.004+02:00

Grupo sanluqueño de amigos. Agua fría en el invierno para qué, ¿para qué?

LILA DOWNS

2009-01-30T20:29:00.002+01:00

Lila Downs (1968 en Heroica Ciudad de Tlaxiaco, Oaxaca, México) es una cantante mexicana. Compositora y cantante especializada en música mexicana y de pueblos indígenas mexicanos entre ellos el mixteco, zapoteco, maya y náhuat, además de las músicas regionales de México, en especial Oaxaca.

Lila es hija de la cantante de Cabaret Anita Sánchez y de Allen Downs, un profesor de cinematografía escocés-americano de Minnesota. Vivió parte de su vida en Oaxaca, México, así como en California, Estados Unidos, como adolescente y como adulta en Minnesota. Obtuvo la Licenciatura en canto y antropología en la Universidad de Minnesota, y posteriormente realizó estudios similares en la Escuela de Bellas Artes de Oaxaca.

Más tarde regresó a México, donde comenzaría a cantar en clubes de Oaxaca, y en Philadelphia con el apoyo dePaul Cohen, un saxofonista norteamericano que le ayudaría en sus producciones discográficas hasta el momento en que contrajeron matrimonio y que sería su director artístico a partir de entonces.

Recientemente ella y su esposo se han dedicado al viaje en América Latina y Europa. Colaboró en el Soundtrack de la película Frida en el disco Burn It Blue, que fue nominado en la 75 edición de los Premios Oscar. Otras películas con una canción de Lila son Real women have curves y Tortilla soup. También fue invitada por la Twelve girls band a un concierto en Shangai donde cantó en inglés y francés. Algunas de sus canciones más exitosas han sido Sueño y bendición, Estrella oscura y La llorona. Actualmente vive en Coyoacán, en la Ciudad de México.

Discografía:

Ofrenda, 1994
Azuláo. En vivo con Lila Downs, 1996
Tree Of Life, 2000
La Sandunga, 2003
El Árbol de la vida
The Border, 2001
Una sangre (Grammy Latino del 2005 al mejor disco de música folk)
La Cantina.(...entre copa y copa), 2006
La Lotería Cantada (DVD)
The Very Best Of El Alma de Lila Downs (CD+DVD), 2008
Ojo de culebra, 2008 (Edición Americana: "Shake Away")

Lila Downs: "Mi inspiración está muy basada en la tristeza y en la angustia, me empujan a componer cosas que me alegren."

Conocía a Lila Downs hace tiempo, conocía la BSO de Frida y su Llorona, hace un año o así un amigo me dio un tema de ella para que la escuchara. Quizá su sugerencia en ese momento no fue la más acertada. Hace unos meses vi un concierto de ella. Ahí me fascinó. Pude ver su tremenda fuerza racial y su apuesta comprometida. Pero los temas que he escuchado en estos días y sobre todo su intervención el otro día en el programa de Jesús Quintero me terminaron de cautivar. Comenzó Jesús haciéndole una pregunta, como él acostumbra, interesante y abierta: "¿Qué habría que quitar del mundo?" A lo que ella contestó con una respuesta aún más interesante: "El miedo, el miedo a lo diferente, a las personas diferentes, a la comida diferente,..."

Lila Downs fuerza, raza, potente sexualidad, verdad.

La Llorona es un personaje legendario originario de México, muy conocido también en otros países de Hispanoamérica (Chile, Colombia, Costa Rica, El Salvador, Guatemala, Honduras, Panamá, Venezuela).

En el México colonial, cada noche las campanas del templo católico marcaban el toque de queda sobre las once de la noche. Pasada esa hora, comenzaban a oírse llantos y gritos angustiosos, emitidos por una mujer sobrenatural que recorría de madrugada la colonia española y desaparecía misteriosamente antes del alba.

Después de que el suceso se repitiera por varias noches, los vecinos comenzaron a preguntarse quién sería esa mujer y qué pena le ahogaría. Asomándose a las ventanas, o saliendo bravamente a su encuentro, distinguieron a una mujer vestida de blanco oculta tras un velo, flaca y macilenta, que se arrodillaba, mirando a Orienteen la Plaza Mayor. Al ver que la seguían, se desvaneció entre la bruma junto al lago de Texcoco.

Se decía que era una mujer indígena, enamorada de un caballero español o criollo, con quien tuvo tres niños. Sin embargo, él no formalizó su relación: se limitaba a visitarla y evitaba casarse con ella. Tiempo después, el hombre se casó con una mujer española, pues tal enlace le resultaba más conveniente. al enterarse, la Llorona enloqueció de dolor y ahogó a sus tres hijos en el río. Depués, al ver lo que había hecho, se suicidó. Suele hallársela en el río, recorriendo el lugar donde murieron sus hijos y ella se quitó la vida.

LILA DOWNS, LA LLORONA.

LILA DOWNS, UN POCO MÁS.

LILA DOWNS, TRAIGO PENAS EN EL ALMA.

LILA DOWNS Y CAETANO VELOSO, BURN IT BLUE.

LILA DOWNS Y EUGENIA LEÓN, LA BRUJA.

LILA DOWNS, CIELO ROJO.

CONCHA BUIKA

2009-01-27T20:30:00.004+01:00

Nació en Palma de Mallorca en 1972 donde vive su familia originaria de Guinea Ecuatorial. De su madre aprende a escuchar a las grandes voces del jazz, pero desde la ventana de su casa y por la radio se cuelan las coplas de toda la vida y en la calle se pega el quejío flamenco que quedará definitivamente impregnado a su piel.

Canta en bares y clubs de Mallorca, graba varios temas house, colabora con La Fura del Baus en “Ombra“. En el 2000, no se acuerda muy bien como y por qué, llega a Las Vegas, donde trabaja en casinos como doble de Tina Turner y The Supremes y donde es invitada por la dama del jazz Rachelle Ferrell, a cantar en el Club Blue Note.

Se instala en Madrid y en su primer disco demuestra las infinitas posibilidades de sus talentos. En el estudio de grabación le gana el pulso a cuatro productores empeñados en imponer un estilo reconocible. Ahora sabemos que es imposible resumir su carrera en una línea, pero abre la boca y sabes que no hay otra cantante igual.

Con su segundo disco “MI NIÑA LOLA” producido por Javier Limón recibe el crédito, el reconocimiento y los premios (Mejor Producción Musical y Mejor Álbum de Canción Española de los premios de la música; premio de la crítica fonográfica alemana, etc), llegan los grandes festivales y las críticas apasionadas que acaban con los adjetivos y con la gente que sale sin aliento de sus conciertos.

BUIKA se convierte en su tercer álbum en "NIÑA DE FUEGO" y Javier Limón vuelve a tomar las riendas de la producción. En este álbum BUIKA vuelve a visitar la copla, viaja por primera vez a la ranchera y canta temas inéditos compuestos por ella misma y por Javier Limón. Canciones de amor y sobre todo de desamor. BUIKA canta sus vivencias personales en letras que Javier Limón compone especialmente para ella, y en letras propias, nacidas de largas noches de insomnio y soledad en las numerosas giras que realizó el pasado año.

Dicen por ahí que BUIKA canta coplas, pero no es verdad, BUIKA se mete dentro de las coplas, las vive, estruja las palabras, se bebe las emociones y las grita entre susurros.

JAVIER LIMÓN ha hecho posible la unión de las dos cantantes en MÍRAME de Elefthería Arvanitaki.

Concha Buika es una de las cantantes más interesantes por lo que su voz deja entrever, por lo que sus letras gritan. Cuando canta es el conocimiento y la experiencia del amor y del dolor. Por eso me gusta, porque canta como quien ha bajado a los infiernos y ha vuelto para contarlo.

Yo no voy a poner ninguno de sus videos comerciales, ni ninguna de las canciones de su nuevo disco, eso ya lo conoceis. Voy a colgar lo que para mí son tres joyas. Tiene muchas más, pero éstas son una invitación a que descubran su personalidad y su voz negra y flamenca.

BUIKA, Sensibilidad.

BUIKA EN EL 75 ANIVERSARIO DEL SUFRAGIO FEMENINO EN LA UCM.

BUIKA, ¡AY DE MI PRIMAVERA!

EL NUEVO DISCO DE ELEFTHERIA ARVANITAKI

2009-01-22T19:19:00.005+01:00

La gran diva griega saca a la luz un nuevo disco producido por Javier Limón y grabado en Madrid. Además del sonido de Arvanitaki, Limón le ha añadido instrumentaciones que van del flamenco y el folklore árabe a la copla. Elefthería interpreta a dúo con Buika la canción de Javier Limón "Mírame" que en España da título al disco. En Grecia se titula Και τα μάτια και η καρδιά (Y los ojos y el corazón). Se puede pedir más, Elefthería y Buika. No me lo puedo creer, mis favoritas. Así mismo Arvanitaki canta en griego la copla de León, Quintero y Quiroga "Cárcel de oro.” El disco ha sido presentado en España el día 20 de enero, el día de mi cumpleaños. No dejen de escucharlo.

Elefthería Arvanitaki, Mírame, 2009.

1. To grizo ton mation sou
2. Toso megala logia
3. Ton erota rotao
4. Sto palati tis kardias sou (Carcel de oro)
5. Pes mou
6. De milo gia mia nixta ego (Bukovina)
7. Toso megala logia
8. Ase me na se misiso
9. Kseni Kardia
10. Ta mystika tou kosmou
11. Mia eyxi
12. Mirame (con Concha Buika)
13. Pes mou (Soumka Mix)
14. De milo gia mia nyxta ego (Soumka Mix)

Elefthería Arvanitaki y Buika, Mírame.

Elefthería Arvanitaki, Τον έρωτα ροτάω (Al amor le pregunto).

Elefthería Arvanitaki, De milo gia mia nyxta ego.

PARECE MENTIRA

2008-12-14T01:35:00.010+01:00

Me parece mentira que sigamos aún con la misma historia y lo que nos queda. La pretensión de Francia de llevar a la ONU una propuesta para despenalizar la homosexualidad en todo el mundo ha levantado ampollas en Italia y en el Vaticano. ¿Cómo puede estar pasando esto en pleno siglo XXI? ¿Cómo puede ser delito y hasta tener pena de muerte amar en algunos lugares del mundo? No lo entiendo. Por más que quiero no lo entiendo.

Mientras en infinidades de lugares se maltrata y veja aún a la mujer por ser mujer, mientras minas de racimo sigue matando a campesinos y niños, mientras el terrorismo sigue haciendo de las suyas,…sin que nada parezca estar pasando y la Iglesia ni se pronuncie, resulta que se monta la de Dios es Cristo –nunca mejor dicho- si se habla de despenalizar la homosexualidad. ¿Cómo se puede penalizar a hombres y mujeres por amar? No lo comprendo. No me entra en la cabeza. Es que estoy escribiendo a golpe de rabia. Porque la sinrazón de los hechos me bloquea totalmente. Este debería ser un tema ya superado en nuestra sociedad. Toda la culpa la tiene el cristianismo, el catolicismo, y los ismos vaticanos que los parió. Ni siquiera se está hablando de legalizar las uniones en todo el mundo sino de despenalizar la homosexualidad. ¿Cómo pueden tener la osadía de negar eso? ¿Cómo pueden pretender que se sigan matando a gente por ser homosexual?

¿Qué pasa en Italia? ¡Por favor! ¿Dónde han ido a parar estos romanos? ¿Pues no que censuraron en la televisión pública italiana RAI 2 la película Brokeback Mountain el pasado lunes? Un filme de Ang Lee que recibió el León de Oro del Festival de Venecia en 2005, tres premios Oscar y cuatro Globos de Oro. No me lo puedo creer. Conozco películas mucho más atrevidas de los años 60 y 70. Pero claro, no hablan de visibilidad, ni tratan el tema como hoy día se hace, sino que hay que verlas desde la perspectiva de la invisibilidad y la represión. No se habla de uniones de dos hombres o mujeres abiertamente y de pleno derecho, no plantean esta situación que es lo que les jode.

Si no les afectara, no les jodería tanto. Digo yo. Hablando en plata. ¿Por qué les molesta a ciertos “foros de la familia” –familias heterosexuales- que haya otras familias homoparentales? Si ellos están tan felices y contentos con su situación familiar ¿por qué se meten con los demás? ¿No tendrán miedo de que algunos miembros cercanos a sus familias (sus parejas o hijos) opten por esta opción? ¿No tendrán miedo de ser abandonados? ¿Les dará rabia no haber podido hacerlo ellos mismos y tienen que reprimir a todo hijo de vecino para no verlos por las escaleras de su casa y sentir cada día su propio fracaso por cobardía? Pues sí, así de claro hablo. Porque ya estoy harta. No hay mayor represor que el propio reprimido. Y del Vaticano, mejor no hablar. Porque me meto y no paro. ¿Cómo van a permitir ellos las uniones homosexuales? Entonces se quedan sin clientela: ellos que son expertos en lavarles el cerebro a chicos y chicas “raritos”[1] cuando son pequeños para llevarlos a su terreno. Si acepta el Vaticano las uniones homosexuales se queda sin negocio. Así de claro. Ellos están pero tiritando de miedo. Me los imagino pensando “si estos homosexuales se convierten en ciudadanos de pleno derecho para formar familias ¿qué joven vendrá a abrocharse las sotanas con nosotros?” ¡Qué hipocresía más grande la de esta sociedad y la de esta Iglesia!

¡Y para colmo el Juez Calamidad, devoto de éstos! Un Juez que pretendía separar a una hija de su madre porque vive y ama a otra mujer. Y encima se pone a llorar en el juicio el muy listo para que nos apiademos de él! Toma ya. Y a tragar se ha dicho. A tragar y a tragar y a tragar con lo que ellos quieran. ¡Que se metan en sus casas a dar sus misas! Que yo ahí no entro. Yo si que no voy a entrar. Que en su casa y con su vida haga lo que le de la gana. ¿Pero que tenga él derecho a decirle a los demás lo que tiene que hacer? ¿Qué tenga él potestad para negarle la custodia a una pareja de su propia hija? Esto sí que es escandaloso.

Y encima tenemos que aguantar en mil y un programas de televisión a ciertos personajes opinar sobre la vida de los demás y aquí no pasa nada. Todavía. Aún hoy. Y lo que nos queda. Esto es un camino de fuego. Obstáculo tras obstáculo. Insulto tras insulto. Negativa tras negativa. Lo que es de elogio humano es que aún nos queden fuerzas a los homosexuales para salir del armario. Porque ellos nos quieren dentro, claro, con miedo, para manipularnos y dominarnos cuanto puedan. Lo que es tremendamente valiente es hoy día ser homosexual.

Se ponen dos comedias en la televisión sobre los gais y ya está todo hecho. “¡Qué graciosos! Pero vamos que para que se van a casar no están ellos bien ahí con su vida para arriba y para abajo, de pub en pub, mira que bien se lo pasan, pero si yo soy muy moderna, a mi que vivan juntos no me molesta”. Vamos como si los gais fueran a molestarle a las cuatro de la mañana llamando a su casa. Pues claro que no te molesta, señora, cada cual en su casa.

Cuando no, sale por la tele una fotito del colectivo feliz y contento y ya se cree esta sociedad que somos los reyes del mambo y que estamos todo el día de carroza en carroza del Orgullo Gay. Y venga “a machacarlos, que se lo merecen”, van a estar estos contentos y yo jodido. Y así un día tras otro y un año tras otro.

Lo que ha hecho Zapatero y este Gobierno del PSOE es lo que deberían haber hecho hace mucho, pero que mucho tiempo en este país y en cualquier otro. La legalización del matrimonio Gay era una piedra angular que le hacía falta a esta sociedad. Hasta que no pasen 20 años no vamos a apreciar con objetividad el gran paso que ha supuesto para España y para el mundo entero. Zapatero ha sido el impulsor de nuestros derechos y es por eso que Francia propone ahora a la ONU esta propuesta mundial. Somos en este país el inicio del cambio y del progreso, pero ¿cómo podemos permitir en España jueces calamidades a estas alturas? ¿Cómo callarnos ante esta Iglesia que permite que se condene a la gente por amar mientras que otorga mil veces ante conflictos bélicos en todo el mundo? ¿Cómo podemos tolerar este sinsentido? ¡Que alguien me lo explique! o mejor ¡que se acabe esto por favor!

[1] Lo de “raritos” lo digo en un sentido positivo. “Rarito” en inglés “queer” se utiliza para denominar una teoría en boga desde hace unos años, la “teoría queer”, para designar toda conducta sexual no normativa. Mucho más interesantes somos los raritos que los normales que son todos iguales, previsibles. Yo rarita la primera.

Artículo publicado en el Sanlucardigital el domingo 14 de diciembre de 2008.

Juanes, It's time to change.

Mónica Naranjo, Entender el amor

Mónica Naranjo, Sobreviviré

Ana Gabriel, Simplemente amigos

Rosario, De ley

Malú, Como una flor

Ana Torroja y Marta Sánchez, Mujer contra mujer

OBK, Yo no me escondo

Mónica Naranjo, El amor coloca.

GRECIA ES MÁS

2008-12-12T21:45:00.003+01:00

Tres décadas de Democracia marcadas por los enfrentamientos en Grecia:

En 1973 una masiva protesta estudiantil contra la dictadura, reprimida con sangre, acelera la caída de la Junta Militar.

En 1985 la conmemoración de la revuelta estudiantil de 1973 degenera en nuevos brotes de vilencia entre jóvenes y fuerzas de seguridad. Un policía dispara y mata a un joven de 15 años en el barrio de Exarjía.

En 1991 una oleada de protestas y desórdenes recorre el país tras el asesinato de un profesor durante una manifestación contra una reforma del sistema educativo planteada por el gobierno.

En 1995 los desórdenes en Atenas se saldan con centenares de arrestos, docenas de heridos y saqueos de tiendas y bancos.

En 1999 manifestantes y policías se enfrentan durante las protestas contra una visita de Bill Clinton. Grupos anarquistas atacan inmuebles oficiales y de instituciones financieras.

En el 2003 jóvenes anarquistas y de grupos antisistema se enfrentan a la policía durante la cumbre de la UE en Salónica.

Ahora en el 2008 parece repetirse la historia, ¿cuántos jóvenes tiene que caer para que se salve Grecia?

Desde luego no es politicamente correcto apoyar dichas revueltas que están llevano al país a una situación penosa. Pero ¿qué pasa en Grecia? El motor de nuestra civilización está ahora a la cola de Europa. ¿Qué ha pasado en este país? Grecia está llena de gente culta, incluso más culta que en muchos lugares de Europa, muchos, pero, no sé, quizá los intelectuales están demasiado alejados del poder, porque quienes obstentan el mismo, están dejando a nuestra columna vertebral entre los últimos de esta "comunidad" llamada Unión Europea.

LITERATURA NEOHELÉNICA

2008-12-12T21:33:00.003+01:00

Características básicas de la literatura neohelénica.

Cuando hablamos de literatura neohelénica, tenemos que tener presente el significado de ambos términos:

-literatura (λογοτεχνία) desde el punto de vista etimológico es “el arte (τέχνη) del discurso escrito (λόγος), es decir, la “lengua” que se hace obra de arte escrita. Aunque no debemos olvidar que algunas de las mejores obras literarias fueron al principio cantadas o recitadas de forma oral.

-neohelénica (νεοελλενική) se refiere al periodo de literatura que fue escrita con la forma lingüística que emplean los griegos actuales.

A la hora de definir, por tanto, la “literatura neohelénica” y sus características básicas nos encontramos con la difícil tarea de delimitar cuándo y por qué podemos hablar de literatura neohelénica.

¿Cuándo podemos empezar a hablar de literatura neohelénica? En principio, podríamos afirmar que comienza cuando termina la literatura bizantina. Teniendo en cuenta los sucesos históricos, diríamos que, la literatura neohelénica comienza con la caída de Constantinopla a manos de los turcos en 1453. Con el aniquilamiento del Imperio Bizantino se estanca la historia de Bizancio y la cultura bizantina.

Otro elemento decisivo sería naturalmente la lengua. La lengua neohelénica es la lengua popular, la lengua coloquial.Desde los últimos siglos del Imperio Bizantino hasta 1969, es decir, hasta la Caída de Creta en manos turcas, se desarrolla un idioma popular que se va alejando cada vez más de la lengua de la Iglesia. La utilización de la lengua neohelénica en la literatura sería, por tanto, un rasgo decisivo. Pero, como bien hemos apuntado ya, la literatura neohelénica supone una continuación de la literatura en lengua vulgar que existió con anterioridad a la Caída de Constantinopla y el fin del Imperio Bizantino.

Por un lado, el problema de la periodización histórica está servido ¿desde cuando el nacimiento de una etapa literaria se puede fechar con tanta precisión? En la historia, y mucho más, en la historia cultural no se pueden hacer cortes tan bruscos, hay períodos de transición en los que lo nuevo convive con lo viejo. Por otro lado, el problema de la utilización de la lengua “coloquial”, “popular” para hacer literatura es también una cuestión difícil de concretar, porque la lengua griega es por su propia naturaleza conservadora y lenta en su desarrollo, hecho que dificulta las distinciones claras.

La literatura neohelénica supone una continuación de la literatura en lengua vulgar que existió con anterioridad a la Caída de Constantinopla y el fin del Imperio Bizantino. Sin embargo, hay una clave para empezar a hablar de los comienzos de la literatura neohelénica. En los últimos siglos de Bizancio aparecen determinados elementos con rasgos claros, a los que podemos, sin temor, denominar “neohelénicos”. Y ¿a qué llamamos rasgos “neohelénicos”? Cuando cayó la Ciudad, el pueblo lloró amargamente con un canto en el que están ya formados los modos expresivos y la técnica que encontramos después sin modificar en la canción cléftica del siglo XVIII. Estas mismas características las encontramos, sin embargo, también en las canciones anteriores, con seguridad de época bizantina, como las acríticas – canciones de los protectores o defensores de las fronteras- y otras. El mismo fenómeno se observa en la literatura artística, las Erotopegnia , por ejemplo, tienen las mismas características poéticas que las escritas antes de la Conquista, y nos conducen de modo natural a la poesía de la segunda mitad del siglo XV.

Del Διγενής Ακρίτας al Erotócritos hay una unidad y desarrollo orgánico que es inseparable, de manera que un corte en 1453, que dividiría la literatura en “bizantina” y “postbizantina”, sería arbitrario y falsificaría la realidad. La literatura popular bizantina, la Vulgärliteratur justamente porque reconoció su cohesión y continuidad, la llevó Krumbacher hasta 1669, es decir, hasta la Caída de Creta. Otros estudiosos para simplificar las cosas, han hablado de una literatura medieval tardía o protoneohelénica. Más natural –y de acuerdo con la realidad- es admitir que el elemento neohelénico aparece, bajo el barniz culto bizantino, aún en época bizantina, y considerar que la literatura popular del último período bizantino-la parte más viva de la literatura bizantina, con los elementos de desarrollo futuro en su interior-constituye precisamente el comienzo de la literatura griega moderna.

Algunas antiguas – y también recientes- historias de la literatura griega moderna empiezan su exposición desde 1453 o a partir de la literatura cretense, los eruditos más modernos están de acuerdo en que el comienzo de la literatura neohelénica debe situarse en el poema de Διγενής Ακρίτας , escrito probablemente en la primera mitad de siglo XI, que es el primer texto literario (escrito), en el que se usa la lengua griega moderna. Por otro lado, este poema épico deriva, en gran medida, de la canción popular acrítica del mismo ciclo épico, y se encuadra en el mismo espíritu épico que corre a través de Occidente y Oriente en aquella época y es testimonio del primer brote de una nueva conciencia nacional. El sentimiento nacional griego (y no romano, no olvidemos que los bizantinos nunca abandonan la nomenclatura oficial de Imperio Romano) que se desarrolla por oposición a eslavos y otomanos es otro de los rasgos esenciales que van conformando los comienzos de la literatura neohelénica.

Las etapas de la literatura neohelénica.

1ª- Literatura vulgar, que comienza en los últimos siglos de Bizancio y termina con la conquista de Creta en 1669. Se toma como punto de partida el poema Διγενής Ακρίτας, escrito a mediados del s. XI y se cierra el ciclo con el Ερωτόκριτος cretense.

2ª- Literatura regional: durante el s. XVIII la influencia de la Ilustración llega a Grecia. Las comunidades de la diáspora infundieron las ideas políticas y las tendencias que surgían en Europa, ayudando a extender el sentimiento nacionalista que persigue la independencia.

3ª- Desde 1821 hasta 1922: Del Regionalismo al Nacionalismo.
-En las islas Jónicas surge la Escuela del Heptaneso, en torno a Solomós. La lengua empleada es el dimotikí. En Atenas, por el contrario, bajo la influencia cultural de los fanariotas, se impone la kazarévusa.
-En 1880 Atenas se consolida como foco cultural, alejándose de la tradición fanariota. Se produce una aglutinación de ambas corrientes literarias por parte de intelectuales –Palamás y Psijaris- que se expresan en dimotikí.
-La década de 1912-22 es una época de gran agitación social, en la que se suceden las Guerras Balcánicas, la I Guerra Mundial y la expulsión de Asia Menor. La literatura se vuelve belicista y la política reaccionaria favorece la reaparición de enfrentamientos por causa de la lengua.

4ª- Época contemporánea:
-Generación de los años ’30: es la llamada generación de entreguerras, algunos de cuyos representantes buscan la modernidad que ya existe en todo occidente (Seferis, Elitis), mientras que otros se muestran más preocupados por los problemas sociales (Ritsos).
-Generación de la posguerra: como consecuencia de las persecuciones políticas tras la II Guerra Mundial y la Guerra Civil, la creación poética es de tono melancólico, en sintonía con la pobreza espiritual que domina la sociedad.
-Generación del ’70: son los poetas que han aparecido durante los siete años de la dictadura militar y en la época inmediatamente posterior, ya en el periodo democrático. Se ha producido un renacimiento literario, en un intento de liberarse del pasado reciente, que pretende unificar las tendencias culturales neohelenas con los modelos tradicionales y la influencia norteamericana a partir de la posguerra.

ESTAMPAS MUSICALES DE LA MITOLOGÍA CLÁSICA

2008-12-11T02:45:00.002+01:00

Para los antiguos griegos y romanos, los mitos y leyendas daban respuesta a numerosas cuestiones que de siempre han preocupado al hombre, cuestiones tales como los orígenes de la humanidad, cómo nacieron las artes o a quién se debe la invención de ciertos objetos o instrumentos. La música, como sucede en casi todas las culturas, ha jugado un papel importantísimo en la Antigüedad clásica. Nuestro propósito en estas líneas es rememorar ciertos episodios míticos en los que el arte de los sonidos se alza como telón de fondo.
Numerosos y de naturaleza muy diversa son los personajes míticos vinculados al mundo de la música: dioses, semidioses, héroes, sátiros y centauros aparecen en él ya sea como intérpretes, pedagogos o inventores de instrumentos.

Las Musas
Mousikós, en griego, se refiere a todo aquello relacionado con las Musas. Estas divinidades, hijas de Mnemósine y del gran Zeus, eran capaces de ver el futuro y tenían el poder de inspirar a los poetas. En total eran nueve hermanas y cada una patrocinaba un arte o un saber. Así Calíope, la de la bella voz, era la protectora de la oratoria y de la poesía épica; la gloriosa Clío, de la historia; Erato, la adorable, de la lírica; la deliciosa Euterpe, de la música; Melpómene, celebrada por sus cantos, de la tragedia; Polimnia, la cantora de himnos, de la pantomima; la floreciente Talía, de la comedia; la bailarina Terpsícore, de la danza; y Urania, la celeste, de la astronomía. Además, cuentan las leyendas que las Musas inventaron algunos instrumentos musicales: por ejemplo el bárbiton, una lira de largos brazos cuya construcción se atribuye a Melpómene; o la flauta, que algunos aseguran que inventó Euterpe. Terpsícore, Clío y Erato eran unas virtuosas de la cítara. Y también algo rencorosas ya que ellas fueron las responsables de la desgracia de Támiris, un poeta legendario y excelente intérprete de la lira que presumía ser mejor que las propias Musas. Dispuesto a competir con ellas, su arrogancia lo llevó a pretender acostarse con todas si conseguía el triunfo; y claro, las Musas no le perdonaron su osadía: le hicieron enmudecer y perder la memoria y, por si fuera poco, le dejaron ciego. Por cierto, se dice que este Támiris fue el primero en enamorarse de alguien
de su mismo sexo y que bebía los vientos por el hermoso Jacinto; aunque otras tradiciones revindican ese mérito para Orfeo.

Hermes
Una divinidad muy importante para la música fue el dios Hermes, también conocido por Mercurio. Por su habilidad para los tratos fue nombrado mensajero de los dioses; y como era muy embustero y farsante, y también amigo de lo ajeno, se hizo acreedor del dudoso honor de ser el patrón de los mentirosos y los ladrones. Era hijo de Maya y de Zeus, el dios de dioses, un padre prolífico como podrá verse de aquí en adelante e incapaz de sustraerse a los encantos femeninos. Parecerá increíble, pero el mismo día de su nacimiento Mercurio ya estaba haciendo de las suyas pues no tardó mucho en saltar de la cuna y robarle al mismísimo Apolo una manada de vacas. El enfado que cogió el rubio dios de la poseía, muy conocido por su destreza con el arco, fue de aúpa. Sin embargo, el niñito se las arregló para calmarlo. Resulta que ese mismo día, en la puerta de su gruta vio una tortuga que comía hierba tranquilamente. De pronto, se le encendió una luz y atrapando al animal se lo llevó con él. Ya en su casa, le dio muerte y vació toda la carne
ayudándose de un pincho; atravesó el caparazón con dos cañas y las sujetó por arriba con un yugo; tensó alrededor de la concha una piel de vaca, añadió una pieza que sirviera de puente y pasó por ella siete cuerdas de tripa de oveja y, para asombro de todos, construyó la primera “tortuga musical”, que era como los griegos acostumbraban a llamar a la lira en recuerdo de su origen. La verdad es que Hermes dio muestras de un gran ingenio. Aunque también hay quien quiere restarle mérito y afirma que todo fue fruto de la casualidad y que lo que sucedió realmente es que se encontró con el caparazón vacío de una tortuga en el que aún pendían unos tendones que al pulsarlos produjeron unos graciosos sonidos. Sea como fuere, nada más escuchar los sones de este instrumento, Apolo se encaprichó de él; y Hermes se lo regaló compensando de este modo el robo de las vacas. Pero no acaba aquí la cosa pues, al poco tiempo, mientras apacentaba las vacas, se construyó un caramillo, una especie de pequeña flauta de agudos sones, que nada
más verla y oírla Apolo también la quiso para él. A cambio le regaló a Hermes el caduceo, una varita de oro que junto con el petaso, una especie de sombrero, y las alas de sus sandalias constituyen el vestuario de este dios ladronzuelo y de vivo ingenio. Por su parte, el rubio Apolo se convirtió de inmediato en un magistral intérprete de la lira aunque, como comprobaremos después, era un tanto picajoso.

Palas Atenea
La Minerva de los romanos, era una diosa augusta y virginal, amante de la lucha y protectora de los guerreros, pero también sensible y cultivada: no en vano era la patrona de la inteligencia y de las artes manuales. Y también hizo sus pinitos en el arte musical. A ella se debe, según algunas fuentes, la invención del aulós, una especie de oboe, que se solía tocar a pares. Presentó el instrumento en una reunión de dioses pero, a pesar de que su sonido complacía a la mayoría, observó que algunos se burlaban de ella. Cuando estuvo a solas volvió a tocar y al ver su imagen reflejada en un espejo comprendió porqué se reían: su rostro adquiría una expresión fea y deforme, amoratado y con los carrillos hinchados. Entonces, malhumorada, agarró el aulós y lo arrojó lejos de sí maldiciendo además al que lo encontrara.

Marsias
Y quiso el azar que viniera a caer en manos del sátiro Marsias, un ser mitad hombre, mitad macho cabrío que feliz por el hallazgo no intuyó el funesto fin que su uso le depararía. La verdad es que se prendó del instrumento, pues sin apenas hacer nada producía unas maravillosas melodías. Ya se veía a sí mismo convertido en un famoso músico y, claro, la soberbia lo cegó. Al desgraciado no se le ocurrió otra cosa que retar a un duelo musical nada menos que al mismísimo Apolo.

Apolo
El rubio dios era hijo de Leto y de Zeus -que, como puede observarse, no perdía ocasión de perpetuarse-, y hermano gemelo de la diosa Ártemis, la Diana de los romanos. Enterado de las intenciones de Marsias, al principio se ofendió, pero aceptó el desafío. Y con una astucia no exenta de crueldad, puso unas condiciones a las que el infeliz sátiro no debiera haberse sometido. Pues convinieron, en primer lugar, que el vencedor hiciera lo que quisiera con el vencido. Y además, en busca del más difícil todavía, el ladino Apolo propuso que tocaran dándole la vuelta al instrumento. Esto, con la lira, no resultó especialmente difícil; pero cuando Marsias quiso hacer lo mismo con el aulós no pudo obtener sonido alguno y, ateniéndose a la primera condición que otorgaba al vencedor decidir la suerte del vencido, Apolo lo colgó de un pino y lo despellejó vivo. Eso en castigo por su atrevimiento y osadía.

Lino y Hércules
La verdad es que en aquellos tiempos había que tener mucho valor para sermúsico pues por un quítame allá esas pajas uno podía perder la vida. Tal le ocurrió al pobre Lino, un músico encargado de enseñar al famoso Hércules el arte de la lira. Parece ser que el héroe, tan forzudo y diestro con sus puños, no lo era tanto en los estudios. El caso es que recibía frecuentes regañinas de su maestro Lino y algún que otro coscorrón. Hasta que un buen día el bruto de Hércules, todo un carácter, se cansó y cogiendo la lira del maestro se la estrelló en la cabeza causándole la muerte.

Quirón
Por cierto que el propio Hércules fue el causante de la muerte de otro famoso músico y pedagogo, el centauro Quirón, que fue maestro entre otros de Acteón, Jasón y el famoso Aquiles; si bien en esta ocasión no hubo mala fe pues todo sucedió sin querer, cuando el forzudo héroe hirió accidentalmente al sabio y
pacífico centauro con una flecha envenenada.

Pan
Probablemente, la victoria que obtuvo Apolo sobre Marsias otorgó confianza al dios en sus posibilidades como músico y lo animó a participar en otros certámenes musicales. Sabemos que poco después se enfrentó a Pan, también conocido con los nombres de Fauno o Silvano, un dios pastoril de apariencia humana pero que tenía pezuñas, cuernos y orejas de macho cabrío. Este dios vivía en la Arcadia y a él lo culpaban los pastores de las estampidas del ganado, cuando las reses huían alocadas de no se sabía bien qué (presas del “pánico”). Cuentan que el dios Pan fue el inventor de la siringa o “flauta de Pan”, un instrumento que fabricó tras un desafortunado lance amoroso.

Siringe
Pan se había enamorado de la náyade Siringe, pero ella no le correspondía. Más bien le tenía miedo de forma que, cuando lo venía venir, ponía pies en polvorosa. Huyendo de él, llegó un día hasta la orilla del río Ladón, un río de la Arcadia, y allí, ya casi en su brazos y viéndose perdida, se transformó en cañas. Cortando algunas de ellas, unió tubos de distinto largo y grosor, y así construyó Pan la siringa que tomó el nombre de la desafortunada náyade.

Midas
Pues bien, como decíamos, Apolo y Pan se batieron en duelo con el único propósito de poner en claro quién era mejor músico. Por mayoría, los jueces otorgaron el triunfo a Apolo, aunque no sabemos si, conocedores de lo acontecido con Marsias, lo hicieron temerosos de despertar las iras del furibundo dios. Aunque no todos estaban de acuerdo con tal decisión. O, al menos, no lo estuvo y así lo manifestó Midas, aquel legendario rey de Frigia que tuvo el extraño y engorroso poder de convertir en oro todo lo que tocaba. Apolo no perdonó la afrenta y en castigo, alargó las orejas de Midas hasta hacerlas semejantes a las de un asno. El rey, avergonzado, ocultaba su deformidad con unos turbantes y sólo su peluquero conocía el secreto, que no se atrevía a revelar por miedo a la furia de Midas. Con el tiempo el secreto comenzó a agobiar al pobre peluquero que no podía soportar tan pesada carga de forma que, incapaz de callarlo por más tiempo, se acercó un buen día a las orillas de un río, cavó un hoyo y, acercando la boca a él, dejó escapar entre susurros la verdad que tanto le quemaba. Aliviado con la confesión, cubrió con arena el hoyo y se marchó del lugar. Pero poco después crecieron unas cañas que con la brisa del viento silbaron el secreto, y así todo el mundo tuvo noticia de las enormes orejas que Midas escondía bajo el turbante.

Dioniso
También conocido por Baco, es el dios de la embriaguez y del frenesí; dirige los coros de esas mujeres desenfrenadas que son las Bacantes, y celebra con su flauta frigia la alegría de la naturaleza. Nacido de la unión de Sémele y Zeus –un viejo verde como habrá podido comprobarse- se cuenta que recibió de la diosa
Cibeles, a la que representan coronada de torres y subida a un carro tirado por leones (y tan conocida por los seguidores del Real Madrid), las enseñanzas necesarias para organizar los rituales orgiásticos así como los instrumentos apropiados para celebrarlos: el aulós, el týmpanon, los platillos, los crótalos y demás instrumentos de percusión.

Los Coribantes
Por cierto que hay quien afirma que fueron los Coribantes, unos sirvientes de la diosa Cibeles, los inventores del týmpanon, una especie de pandero que, junto con el aulós, es el instrumento que se utilizaba en las fiestas en honor de Baco.

Anfíon
Ya próximos al final queremos recordar a otros dos famosos músicos que pasaron a la posteridad por los mágicos sones de sus melodías. El primero de ellos es Anfíon (o Anfión), hermano gemelo de Zeto, hijos ambos de Antíope y -¿adivinan?- de Zeus. De Anfíon, que era un excelente intérprete de la lira, instrumento que junto con las primeras lecciones recibió del dios Hermes, es conocidísimo el episodio que narra cómo construyó las murallas de Tebas sin más que tocar su lira, pues las piedras, hechizadas, se apilaron por sí solas atraídas por la fuerza de la música. Por cierto que este relato recuerda el de Josué que, aunque buscando el efecto contrario, consiguió derribar las murallas de Jericó con la ayuda de siete trompetas y del griterío del pueblo.

Orfeo
El segundo personaje tiene una importancia trascendental para el mundo de la música. Se trata de Orfeo, hijo de Eagro, un rey de Tracia, y de la musa Calíope: siendo hijo de ésta no es de extrañar que fuera un maravilloso músico y se podría afirmar aquello de que de casta le viene al galgo. Con el poder de su lira y de su cantos atraía a los árboles, a los animales y a las mismísimas piedras que acudían embelesadas a escucharlo; hasta los ríos detenían su curso. Sabemos que Orfeo participó en la conocida expedición de los argonautas acompañando a Jasón en busca del vellocino de oro, y que los tripulantes de la nave Argos se libraron del maléfico poder de seducción de las Sirenas sólo gracias a los cantos del poeta tracio, que sobrepasaban en belleza y en poder a los de aquellas. No obstante, a Orfeo se le conoce mayormente por el famosísimo episodio que protagonizara al descender a los infiernos para rescatar a su esposa Eurídice.
Orfeo y Eurídice se profesaban mutuo amor y, por tanto, decidieron casarse. Pero quiso la fatalidad que en plena celebración apareciera un tal Aristeo, también enamorado de Eurídice, con la fea intención de raptarla. La pobre intentó escapar pero en su huida una serpiente venenosa le mordió en un pie causándole la muerte. Desesperado, Orfeo decidió bajar a las mismísimas moradas del tenebroso abismo de donde nunca nadie pudo regresar. En los infiernos reinaban Hades y Perséfone (o Plutón y Prosérpina). Ambos quedaron subyugados por el poder de los cantos de Orfeo y los deliciosos sones de su lira. Hechizados como estaban accedieron a los ruegos del infortunado y consintieron en permitir que Eurídice regresara con él a la tierra de los vivos. Eso sí, con la condición de que Orfeo no volviese la cabeza para mirar a su esposa hasta haber alcanzado la salida. Pero impaciente Orfeo, ya sintiendo próxima la luz del sol, no pudo evitar la tentación y giró la cabeza justo para ver como el fantasma de su esposa desaparecía para siempre.

La constelación de la Lira
Destrozado por el dolor se alejó del mundo y rehuyó el contacto con la gente y, a pesar de numerosas propuestas, no quiso casarse de nuevo. Tal vez por ello unas mujeres tracias, al sentirse rechazadas, lo asesinaron y descuartizando su cuerpo lo arrojaron a un río. Cuentan que aún entonces la cabeza decapitada de Orfeo profería lamentos suspirando por su Eurídice y que de su lira se escapaban quejumbrosos sones. Tras la luctuosa muerte del poeta tracio su lira fue catasterizada por Zeus y surgió de este modo en el firmamento la constelación de la Lira, emblema insigne de los músicos.

Neanto
Pero antes de ello, y según cuentan ciertas leyendas, la lira de Orfeo llegó a manos de un tal Neanto, quien maravillado por las propiedades de la lira, capaz de encantar a fieras y plantas y que, aun muerto su dueño, seguía sonando sin que nadie la pulsase, quiso hacerse con ella y emular al gran músico: y a fe cierta que
lo consiguió pues, aunque los sones que arrancó del instrumento no llegaron a fascinar nadie, sí que atrajeron a unos perros que abalanzándose sobre el desdichado acabaron por despedazarlo, sufriendo por tanto un tormento similar al de su ídolo. No pudo vivir como él, pero murió como él. Y ahora, una pequeña broma final, ¿Alguien conoce cómo nació la música? Cuentan, y esto ya entra en la mitología del chiste, que el emperador Nerón estaba tan obsesionado por aprender a tocar la lira, que se hizo con los servicios de un
profesor particular. Pasaba largas horas ensayando, pero cierto día, cansado ya de practicar sin obtener los resultados esperados, comenzó a sacudir con fuerza la lira mientras gritaba fuera de sí: TIRO LA LIRA, TIRO LA LIRA... y así, se inventó la Música.

BIBLIOGRAFÍA BÁSICA

GRIMAL, P. Diccionario de mitología griega y romana. Barcelona: Paidós 1994.
RUIZ DE ELVIRA, A. Mitología clásica. Madrid: Gredos, 1982.
FALCÓN MARTÍNEZ C. y otros Diccionario de la mitología clásica. Madrid: Alianza Editorial, 1980.

LECTURAS RECOMENDADAS

Sobre las Musas y Támiris
Apolodoro, Biblioteca I 3 ,1 y ss. Cf. Ovidio, Metamorfosis X 83-85.

Sobre Hermes
Himno homérico IV (a Hermes) 25 y ss; Ovidio, Metamorfosis II 685 y ss.; Apolodoro, Biblioteca III 10; Luciano, Diálogo de los dioses XI, 4.

Sobre Atenea, Apolo y Marsias
Ovidio, Fastos VI 696 y ss. y Metamorfosis VI 383 y ss.; Apolodoro, Biblioteca I 4, 2; Pausanias, Descripción de Grecia I 24, 1

Sobre Apolo, Pan y Midas
Ovidio, Metamorfosis XI 153 y ss.

Sobre Hércules y Lino
Apolodoro, Biblioteca II 4, 9

Sobre los Coribantes
Eurípides, Bacantes 120 y ss.

Sobre Anfíon
Apolodoro, Biblioteca III 5, 5; Pausanias, Descripción de Grecia IX 5, 7 y ss

Sobre Orfeo
Virgilio, Geórgicas IV 454 y ss; Ovidio, Metamorfosis X 8 -86. y XI 1-66.

Sobre Neanto
Luciano, Contra un ignorante, 11-12

(Artículo publicado en la revista Eufonía nº 31. Editorial Graó: Barcelona, 2004)
José Francisco Ortega Castejón

2008-12-11T02:36:00.003+01:00

TEORÍA DE LA CARCOMA

Y llegó fin de año

por Lola Jiménez

Como dice la canción “el tiempo pasa, nos vamos haciendo viejos y el amor no lo recuerdo como ayer…” Sí, el tiempo pasa y va arrastrando tras de sí sus cotas de sufrimiento. Este año nos ha dejado horas y horas de enfrentamiento verbal en pro y en contra de los nacionalismos, los separatismos, el estatut…, mientras, en las fechas navideñas todo parece tomar un receso y los villancicos y las cenas de Nochebuena y Nochevieja nos adormece a golpe de moscatel y polvorones para despertar el nuevo año con la misma pesadilla. Todas las casas se engalanan de una aparente armonía roja y verde, se endulzan de chocolate y almendras y todo parece como uno de esos telefilmes norteamericanos que llenan la pantalla estos días para vendernos una falsa imagen de familias bien avenidas alrededor de la chimenea. Se entierra el hacha de guerra para desempolvarla a primeros de enero cuando los tres Reyes Magos recién hayan terminado su labor de entrega. Mientras tanto va subiendo el número de víctimas por la violencia de género, la precariedad en el trabajo, va aumentando el desencuentro, la codicia, el deseo de tener más que el otro. Se confunde el amor con la estabilidad, la cuenta corriente, la conveniencia-dos sueldos que se juntan para comprar una casa sin tener que pasar demasiadas penurias para afrontar la hipoteca-. Ya no importa quién eres, cómo eres, cuánto sigues luchando cada día para ser lo que siempre has soñado ser, sólo importa cuánto tienes para poder pedir un préstamo hipotecario. Ellos nos venden las casas, los coches, los préstamos, los móviles, los gastos, y también la Navidad, la felicidad del 24 con su precioso calor de hogar-ese inmueble que no terminarás de pagar nunca y que sigue siendo de ellos, del banco, del constructor, del tipo de interés-…Y entonces todo vuelve a reproducirse: las familias aparentemente felices alrededor de la mesa navideña el año que viene volverán a brindar con champaña mientras se preguntan cómo empezaron todo aquello una noche solitaria en la barra de un bar. La vida nos está cercando como a puercos y cada año por estas fechas perfumamos nuestra pocilga con unas gotas de channel nº 5 para esconder nuestras miserias.

Artículo publicado en SanlúcarInformación la semana del 6 al 12 de Enero de 2007.

2008-12-11T02:28:00.004+01:00

TEORÍA DE LA CARCOMA

La vuelta al horror.

por Lola Jiménez

Todos sabemos que este mundo que vivimos es muy complejo, lleno de injusticias miles: el terrorismo, las guerras, la corrupción, la violencia de género, la inmigración, el paro… Con la vuelta de las vacaciones hemos aterrizado de nuevo en este asfalto caliente que nos impulsa a movernos con tanta premura que vamos olvidando poco a poco quiénes somos y cómo somos. La vuelta al trabajo diario con esas jornadas interminables que solo dan lugar a unas míseras horas para comer y dormir no permite que escuchemos nuestro corazón ni nuestra piel ni descifremos los gritos que originan nuestros órganos encendidos. A veces tengo la sensación de que volvemos a las tragedias cotidianas como si volviésemos al curso escolar. No es que las desgracias también veraneen, pero de alguna manera se maquillan con las noticias de las playas, el mar, la gastronomía, la belleza de los lugares visitados,…en fin, todo eso que nos hace la vida más agradable. Y ahora la vuelta a la realidad cotidiana nos arroja un jarro de agua fría a la cara. Y además todo vuelve indemne, sí, las plagas de este mundo vuelven enteritas, ellas no han hecho examen de conciencia, no han disminuido, ellas vienen como nuevas y hasta con más fuerza. Y aquí estamos nosotros otra vez para padecerlas y sufrirlas. Y seguimos luchando una y otra vez y peleando hasta la extenuidad. Yo no sé si vosotros os dais cuenta de la fortaleza del ser humano, porque yo desde luego me quedo atónita. Me quedo estupefacta viendo cómo un inmigrante rumano se prende fuego en plena calle protestando por la falta de trabajo y la discriminación que sufren él y su familia, cómo se recupera una mujer rociada con un líquido tóxico por su “exmarido”, de qué extraña manera permanecen con vida los afectados del sida en África con tan pocos medios, cómo sobreviven algunos heroinómanos esqueléticos que pululan por nuestras calles…No se han preguntado alguna vez cuando los ven ¿cómo pueden sobrevivir a tanto veneno? ¿Cómo podemos sobrevivir nosotros a tanto veneno? Si los cristianos creen que Dios nos hizo a su imagen y semejanza, yo creo que el muy gracioso lo que nos dejó es sólo una capacidad de aguante divina. Lo único que sé es que el último de los dones que quedó en el fondo de la tinaja de Pandora, la esperanza, en el mito de Hesíodo, es una moneda de cambio de doble cara.

Artículo publicado en SanlúcarInformación en la semana del 9 al 16 de septiembre de 2007.

2008-12-11T02:25:00.004+01:00

TEORÍA DE LA CARCOMA

Fronteras

por Lola Jiménez

No sé que está pasando últimamente en España, esa España democratizada que tanto nos cuesta todavía llevar por bandera, esa España a la que le crecen todavía los enanos por doquier, desenterrando viejas y corrompidas momias de un pasado aún muy cercano. Parece mentira que en estos tiempos que corren tengamos que escuchar a uno de estos uniformados armados desempolvar la cajita de los truenos, intentando sembrar un miedo añejo en los corazones de los hombres que trabajan por este nuevo barco que apenas empieza a zarpar. Todavía hay quienes se empeñan en dividirnos como antaño, tachando de inconstitucional cualquier propósito de avance, toda intención de democratización y entendimiento entre los hombres. Está claro que sólo los ignorantes se empeñan en negar a los diferentes y convertirlos en semejantes para poderlos controlar y dirigir a su antojo. Para estos enanos es mucho mejor negarle la voz y el voto a los que traen una propuesta nueva de convivencia o una nueva forma de estar en el mundo que aceptar e integrar la diferencia dentro del marco constitucional de esta España nuestra tan llena de matices y colores. ¡Cuán pobre y aburrido sería el mundo si solamente existiese un único sexo o un solo color, una música, una lengua, una sola opinión! ¡Que rebaño de ovejas tan sumamente mansas para un único perro tan tremendamente fiero!
A muchos aún hoy el reconocimiento de la diferencia les parece lo mismo que el establecimiento de un límite más y no se dan cuenta que sembrar el odio y el miedo al otro es lo que realmente alza muros insalvables entre los seres humanos. Eso sí que es trazar fronteras. ¿Por qué no podemos viajar todos de la mano en un mismo barco nuevo y diferente?¿Por qué no caminamos andaluces, extremeños, catalanes, vascos o gallegos y nos enseñamos los unos a los otros ese destino final que no es otro que ser hombre? Para mí, desde luego, está claro que las fronteras no son líneas trazadas sobre un mapa, sino límites imaginarios que nacen en las mentes de los hombres.

Artículo publicado en SanlúcarInformación la semana del 21 al 27 de Enero de 2006.

2008-12-11T02:22:00.004+01:00

TEORÍA DE LA CARCOMA

El miedo vive en casa

por Lola Jiménez

Ya suman en lo que va de año 46 víctimas de la violencia de género en nuestro país. Las mujeres que sufren maltrato se sienten anuladas como personas, se vuelven pasivas e inseguras, mientras su autoestima se va degradando en cada episodio de violencia. La mujer se va sintiendo como un objeto, incapaz de reaccionar, de defenderse, de pedir ayuda. Incluso llegan a sentirse culpables y merecedoras de tal maltrato. Los agresores las aislan socialmente para que no puedan contar a nadie los hechos. Ellos saben muy bien lo que tienen que hacer. Nadie puede ser testigo de sus atrocidades. No conviene que ella tenga amistades en las que pueda confiar, no conviene que vea otro tipo de relaciones en su entorno que las haga reflexionar sobre la injusticia y el horror que sufren cada día. Esos golpes y arañazos en cuerpo y alma no pueden ser vistos, por eso se esmeran mucho en conseguir que ellas no salgan con nadie, las excusas: “soy muy celoso porque te quiero mucho”, “esa amiga tuya no me gusta”, “¿es que no estás bien en casa?”…Cuando no, “te humillo en la calle delante de los demás”, “controlo todo lo que haces y no te dejo hablar con nadie mucho rato”, etc. En fin, que se lo montan muy bien. Así, la casa se convierte en el museo de los horrores y la mujer en la guardiana fiel de tales atrocidades. Entre enero de 1999 y Junio de 2003, la cifra de víctimas asciende a 315 según el recuento de la Red Estatal de Organizaciones Feministas contra la Violencia de Género, basado en las noticias aparecidas en la prensa. El gobierno del PSOE se comprometió en el 2004 a dar prioridad a este tema. El 7 de mayo de ese mismo año el Consejo de Ministros aprobó un paquete de 10 medidas urgentes entre las que destacaba la reasignación de policías, guardias civiles y la implicación de la policía local. El 22 de diciembre fue aprobada la Ley Integral que entró en vigor en el 2005 que contemplaba entre otras medidas, la creación de servicios urgentes de información y asistencia, la creación de Juzgados de Igualdad y asuntos familiares, medidas de protección y prevención. Sin embargo, en lo que va de año, ya son 46 las mujeres asesinadas a manos de sus parejas o ex-parejas. Señores, ¿cuanto tiempo tiene que pasar para que se erradique el problema? ¿Hasta cuando el hombre va a creer que la esposa o la novia es una propiedad privada? Yo les pediría a los hombres, a los de verdad, que ya va siendo hora de que ellos defiendan la causa, vosotros que sí amáis a las mujeres, salid a la calle en contra de estos mal nacidos, protestad contra los que os están manchado vuestro nombre.

Artículo publicado en SanlúcarInformación la semana del 21 al 27 de Julio de 2007.

2008-12-11T02:19:00.002+01:00

TEORÍA DE LA CARCOMA

El insondable camino de la mujer del siglo XXI

por Lola Jiménez

Podría hablar de la Semana Santa y sus acólitos, de las filas interminables de pecadores arrepentidos que lleva el Cautivo, de las calles copadas de impenitentes perfumados, pero no lo voy a hacer. Y no lo voy a hacer porque hay un tema que creo más interesante, muy relacionado por cierto, con estas interminables filas de pecadores que desfilan en estos días. Pues no hay una fecha más indicada para observar en lugares opuestos -por un lado, la calle, llena de casadas, niños y abuelas; por otro, el bar, lleno de solteras y divorciadas- y discernir entre los dos modelos de mujer que están enfrentados desde que llegó la revolución sexual y cuya oposición está, precisamente en este siglo, en su punto más álgido. Pues lo cierto es que la mujer que nació en los 50 y 60 fue educada para casarse y tener hijos, pero alcanzó a vislumbrar las mieles de la revolución y muchas de ellas adoptaron las nuevas tendencias: estudiar una carrera, trabajar, probar más de un novio antes del matrimonio…, pero no sabían que esto no era más que un fugaz caramelo que, en cuanto se les deshacía en la boca, dejaba un sabor amargo y triste, “ahora ha llegado la hora de casarte y tener hijos.” La de los 70 y 80, sin embargo, está logrando desprenderse de esa lápida pesada que es trabajar en la calle y en la casa, crear una familia y acabar yendo al centro comercial los domingos para hacer las compras de la semana. Este cambio que empezó en el siglo XX está provocando a principios del siglo XXI las mayores crisis, sobre todo en la mujer de mediana edad que ve en las jóvenes actuales la mujer que ella soñó ser y no pudo, ésa que sólo pudo ser por un breve espacio de tiempo que se le clava como un aguijón en las entrañas. A ellas me dirijo y les dedico esta pequeña reflexión para que dejen los niños al papá y vengan a tomarse una copa al otro lado.

Artículo publicado en SanlúcarInformación la semana del 14 al 21 de abril de 2006.

FEDERICO GARCÍA LORCA

2008-12-01T18:10:00.020+01:00

Venus

Efectivamente
tienes dos grandes senos
y un collar de perlas
en el cuello.
Un infante de bruma
te sostiene el espejo.
Aunque estás muy lejana,
yo te veo
llevar la mano de iris
a tu sexo,
y arreglar indolente
el almohadón del cielo.
Te miramos con lupa
yo y el Renacimiento.

Federico García Lorca

Me he propuesto hacer una recopilación de los poemas de Federico García Lorca que han sido cantados e interpretados. Puede llevar mucho tiempo. ¡Son tantos y tantos los que han cantado su poesía!. Desde el flamenco se han hecho innumerables versiones, Ana Belén le dedicó un disco Lorquiana, Ketama y Manzanita cantaron su Verde que te quiero verde, Carmen Linares y Manolo Sanlúcar, Enrique Morente, el cantaor y músico flamenco más innovador del siglo XX, Miguel Poveda con su precioso Romance de la dulce queja, Amancio Prada, Carlos Cano, Javier Ruibal, etc. Intentaré poner un poco de todo.

Federico García Lorca tiene aquí su entrada más que justificada, primero como clásico, pues su teatro no se entendería sin el teatro de Eurípides. Esas obras dedicadas a la mujer, Yerma, La casa de Bernarda Alba, Bodas de sangre, tragedias que ponen en escena el sentimiento trágico de un pueblo en la voz de la mujer, la última, la desterrada del poder desde los tiempos más inmemorables. Lorca al igual que Eurípides saben colocar en la voz de las mujeres su tragedia personal, la del individuo desterrado del poder cuando llega el momento, la que sufre los errores de la sociedad que las condena al segundo plano, al silencio. La que no tiene voz por tradición alza su grito en escena cansada de tanta inexistencia como ser poítico y social. Ya hablaremos del teatro de Eurípides en otro momento, ya hablaremos de Medea, la gran tragedia universal de la mujer. En segundo lugar, como poeta del folclore andaluz, no en vano fue Lorca junto a Falla quienes rescataron el flamenco en su momento del lugar en el que estaba, como arte de taberneros y navajeros. Lorca impulsó y cambió el rumbo del flamenco tras una generación de escritores (la generación del 98) que lo aborrecían y lo rebajaban del estatus que merece. Por eso, Lorca es un poeta capaz de dotar a sus composiciones ese sabor de lo andaluz universal que todos quieren cantar en todas partes. Lorca es el cantor universal de lo andaluz, de nuestras raíces que apuntan al Universo y que representa el sentir más profundo del ser humano. Por eso es y será siempre tan apreciado en todo el mundo.

(Fuente Vaqueros, España, 1898 - Víznar, id., 1936) Poeta y dramaturgo español. Los primeros años de la infancia de Federico García Lorca transcurrieron en el ambiente rural de su pequeño pueblo granadino, para después ir a estudiar a un colegio de Almería. Continuó sus estudios superiores en la Universidad de Granada: estudió filosofía y letras y se licenció en derecho. En la universidad hizo amistad con Manuel de Falla, quien ejerció una gran influencia en él, transmitiéndole su amor por el folclore y lo popular.

A partir de 1919, se instaló en Madrid, en la Residencia de Estudiantes, donde conoció a Juan Ramón Jiménez y a Machado, y trabó amistad con poetas de su generación y artistas como Buñuel o Dalí. En este ambiente, Lorca se dedicó con pasión no sólo a la poesía, sino también a la música y el dibujo, y empezó a interesarse por el teatro. Sin embargo, su primera pieza teatral, El maleficio de la mariposa, fue un fracaso.

En 1921 publicó su primera obra en verso, Libro de poemas, con la cual, a pesar de acusar las influencias románticas y modernistas, consiguió llamar la atención. Sin embargo, el reconocimiento y el éxito literario de Federico García Lorca llegó con la publicación, en 1927, de Canciones y, sobre todo, con las aplaudidas y continuadas representaciones en Madrid de Mariana Pineda.

Entre 1921 y 1924, al mismo tiempo que trabajaba en Canciones, escribió una obra basada en el folclore andaluz, el Poema del cante jondo (publicado en 1931), un libro ya más unitario y madurado, con el que experimenta por primera vez lo que será un rasgo característico de su poética: la identificación con lo popular y su posterior estilización culta, y que llevó a su plena madurez con el Romancero gitano (1928), que obtuvo un éxito inmediato. En él se funden lo popular y lo culto para cantar al pueblo perseguido de los gitanos, personajes marginales marcados por un trágico destino.

Formalmente, Lorca consiguió un lenguaje personal, inconfundible, que reside en la asimilación de elementos y formas populares combinados con audaces metáforas, y con una estilización propia de las formas de poesía pura con que se etiquetó a su generación.

Tras este éxito, Lorca viajó a Nueva York, ciudad en la que residió como becario durante el curso 1929-1930. Las impresiones que la ciudad imprimió en su ánimo se materializaron en Poeta en Nueva York (publicada póstumamente en 1940), un canto angustiante, con ecos de denuncia social, contra la civilización urbana y mecanizada de hoy. Las formas tradicionales y populares de sus anteriores obras dejan paso en esta otra a visiones apocalípticas, hechas de imágenes ilógicas y oníricas, que entroncan con la corriente surrealista francesa, aunque siempre dentro de la poética personal de Lorca.

De nuevo en España, en 1932 Federico García Lorca fue nombrado director de La Barraca, compañía de teatro universitario que se proponía llevar a los pueblos de Castilla el teatro clásico del Siglo de Oro. Su interés por el teatro, tanto en su vertiente creativa como de difusión, responde a una progresiva evolución hacia lo colectivo y un afán por llegar de la forma más directa posible al pueblo. Así, los últimos años de su vida los consagró al teatro, a excepción de dos libros de poesía: Diván del Tamarit, conjunto de poemas inspirados en la poesía arabigoandaluza, y el Llanto por Ignacio Sánchez Mejías (1936), hermosa elegía dedicada a su amigo torero, donde combina el tono popular con imágenes de filiación surrealista.

Las últimas obras de Federico García Lorca son piezas teatrales. Yerma (1934) es una verdadera tragedia al modo clásico, incluido el coro de lavanderas, con su corifeo que dialoga con la protagonista comentando la acción. Parecido es el asunto en Bodas de Sangre (1933), donde un suceso real inspiró el drama de una novia que huye tras su boda con un antiguo novio (Leonardo). La huida, llena de premoniciones, en la que la propia muerte aparece como personaje, presagia un final al que se viene aludiendo desde la primera escena y en el que ambos hombres se matarán, segando así la posibilidad de continuidad de la estirpe por ambas ramas y renovando la muerte del padre del novio a manos de la familia de Leonardo. De esta manera, la pasión y la autobúsqueda concluyen con la destrucción de todo el orden establecido.

Entre toda ellas destaca La Casa de Bernarda Alba (1936), donde la pasión por la vida de la joven Adela, encerrada en su casa junto con sus hermanas a causa del luto de su padre y oprimida bajo el yugo de una madre tiránica, se rebelará sin temor a las últimas consecuencias. De esta manera, su pasión por la vida se estrellará contra el muro de incomprensión de su familia concluyendo todo con su eliminación. Junto con la figura de la protagonista, destaca la serie de retratos femeninos que realiza el autor, desde la propia Bernarda hasta la vieja criada confidente de todas (La Poncia), la hermana amargada y envidiosa (Martirio) o la abuela enloquecida que se opone a la tiranía de Bernarda.

La casa de Bernarda Alba, considerada su obra maestra, fue también la última, ya que ese mismo año, al estallar la guerra civil, fue detenido por las fuerzas franquistas y fusilado diez días más tarde, bajo acusaciones poco claras que señalaban hacia su papel de poeta, librepensador y personaje susceptible de alterar el «orden social». (Vamos, siempre dijeron que lo mataron por "rojo y maricón").

Soneto de la dulce queja.

Tengo miedo a perder la maravilla

de tus ojos de estatua, y el acento

que de noche me pone en la mejilla

la solitaria rosa de tu aliento.

Tengo pena de ser en esta orilla

tronco sin ramas; y lo que más siento

es no tener la flor, pulpa o arcilla,

para el gusano de mi sufrimiento.

Si tú eres el tesoro oculto mío,

si eres mi cruz y mi dolor mojado,

si soy el perro de tu señorío,

no me dejes perder lo que he ganado

y decora las aguas de tu río

con hojas de mi otoño enajenado.

Miguel Poveda, Romance de la dulce queja.

Romance de la pena negra.

Las piquetas de los gallos
cavan buscando la aurora,
cuando por el monte oscuro
baja Soledad Montoya.
Cobre amarillo, su carne
huele a caballo y a sombra.
Yunques ahumados sus pechos,
gimen canciones redondas.
Soledad, ¿Por quién preguntas
sin compaña y a estas horas?
Pregunte por quien pregunte,
dime: ¿a ti qué se te importa?
Vengo a buscar lo que busco,
mi alegría y mi persona.

Soledad de mis pesares,
caballo que se desboca,
al fin encuentra la mar
y se lo tragan las olas.
No me recuerdes el mar,
que la pena negra, brota
en las tierras de aceituna
bajo el rumor de las hojas.
¡Soledad, qué pena tienes!
¡Qué pena tan lastimosa!
Lloras zumo de limón
agrio de espera y de boca.
¡Qué pena tan grande! Corro
mi casa como una loca,
mis dos trenzas por el suelo,
de la cocina a la alcoba.
¡Qué pena! Me estoy poniendo
de azabache, carne y ropa.
¡Ay, mis camisas de hilo!
¡Ay, mis muslos de amapola!
Soledad: lava tu cuerpo
con agua de alondras,
y deja tu corazón
en paz, Soledad Montoya.

Por abajo canta el río:
volante de cielo y hojas.
Con flores de calabaza,
la nueva luz se corona.
¡Oh pena de los gitanos!
Pena limpia y siempre sola.
¡Oh pena de cauce oculto
y madrugada remota!

Ana Belén, Romance de la pena negra

Ay, voz secreta

Ay voz secreta del amor oscuro
¡ay balido sin lanas! ¡ay herida!
¡ay aguja de hiel, camelia hundida!
¡ay corriente sin mar, ciudad sin muro!

¡Ay noche inmensa de perfil seguro,
montaña celestial de angustia erguida!
¡Ay silencio sin fin, lirio maduro!

Huye de mi, caliente voz de hielo,
no me quieras perder en la maleza
donde sin fruto gimen carne y cielo.

Deja el duro marfil de mi cabeza
apiádate de mi, ¡rompe mi duelo!
¡que soy amor, que soy naturaleza!

La Aurora.

La aurora de Nueva York tiene
cuatro columnas de cieno
y un huracán de negras palomas
que chapotean en las aguas podridas.

La aurora de Nueva York gime
por las inmensas escaleras
buscando entre las aristas
nardos de angustia dibujada.

La aurora llega y nadie la recibe en su boca
porque allí no hay mañana ni esperanza posible.
A veces las monedas en enjambres furiosos
taladran y devoran abandonados niños.

Los primeros que salen comprenden con sus huesos
que no habrá paraísos ni amores deshojados;
saben que van al cieno de números y leyes,
a los juegos sin arte, a sudores sin fruto.

La luz es sepultada por cadenas y ruidos
en impúdico reto de ciencia sin raíces.
Por los barrios hay gentes que vacilan insomnes
como recién salidas de un naufragio de sangre.

Enrique Morente, La Aurora de Nueva York

Gacela del amor imprevisto

Nadie comprendía el perfume
de la oscura magnolia de tu vientre.
Nadie sabía que martirizabas
un colibrí de amor entre los dientes.

Mil caballitos persas se dormían
en la plaza con luna de tu frente,
mientras que yo enlazaba cuatro noches
tu cintura, enemiga de la nieve.

Entre yeso y jazmines, tu mirada
era un pálido ramo de simientes.
Yo busqué, para darte, por mi pecho
las letras de marfil que dicen siempre.

Siempre, siempre: jardín de mi agonía,
tu cuerpo fugitivo para siempre,
la sangre de tus venas en mi boca,
tu boca ya sin luz para mi muerte.

Mayte Martín, Casida del amor imprevisto

Casida de las palomas oscuras

Por las ramas del laurel
vi dos palomas oscuras.
La una era el Sol,
la otra la Luna.
«Vecinitas», les dije:
«¿Dónde está mi sepultura?»
«En mi cola», dijo el Sol.
«En mi garganta», dijo la Luna.
Y yo que estaba caminando
con la tierra por la cintura
vi dos águilas de nieve
y una muchacha desnuda.
La una era la otra
y la muchacha era ninguna.
«Aguilitas», les dije:
«¿dónde está mi sepultura?»
«En mi cola» , dijo el Sol.
«En mi garganta», dijo la Luna.
Por las ramas del laurel
vi dos palomas desnudas.
La una era la otra
y las dos eran ninguna.

Camarón, casida de las palomas oscuras

Casida de la mujer tendida

Verte desnuda es recordar la Tierra,
la tierra lisa, limpia de caballos.
La tierra sin un junco, forma pura,
cerrada al porvenir; confín de plata.

Verte desnuda es comprender el ansia
de la lluvia que busca débil talle,
o la fiebre del mar de inmenso rostro
sin encontrar la luz de su mejilla.

La sangre sonará por las alcobas
y vendrá con espadas fulgurantes,
pero tú no sabrás donde se ocultan
el corazón de sapo o la violeta.

Tu vientre es una lucha de raíces,
tus labios son un alba sin contorno.
Bajo las rosas tibias de la cama
los muertos gimen esperando turno.

(Este poema fue cantado por Carlos Cano entre otros pero no encuentro el video)

Gacela del amor desesperado

La noche no quiere venir
para que tú no vengas,
ni yo pueda ir.
Pero yo iré,
aunque un sol de alacranes me coma la sien.
Pero tu vendrás
con la lengua quemada por la lluvia de sal.
El día no quiere venir
para que tú no vengas,
ni yo pueda ir.

Pero yo iré
entregando a los sapos mi mordido clavel.
Pero tú vendrás
por las turbias cloacas de la oscuridad.
Ni la noche ni el día quieren venir
para que por ti muera y tú mueras por mí.

Camarón, Romance de la luna.

DIOSES DE LA MITOLOGÍA GRIEGA

2008-11-30T14:12:00.006+01:00

LA MITOLOGÍA GRECORROMANA CONSTITUYE UN CONOCIMIENTO AMPLIO DE NOSOTROS MISMOS. LOS MITOS CLÁSICOS HAN SERVIDO PARA AYUDARNOS A ENTENDERNOS DESDE NUESTRA MÁS ÍNTIMA NATURALEZA. CONFORMA UN VIAJE A LO MÁS ÍNTIMO DEL SER HUMANO PRIMERAMENTE EN SU NATURALEZA MÁS PRIMARIA Y DESPUÉS COMO SER QUE NECESARIAMENTE TIENE QUE VIVIR EN SOCIEDAD. ESTO HACE QUE A VECES PODAMOS DESCIFRAR ENTRE LO OCULTO Y LO SOCIAL. NO EN VANO, FREUD UTILIZÓ DIVERSOS MITOS GRIEGOS PARA EXPLICAR Y DESARROLLAR SU TEORÍA DEL PSICOANÁLISIS. POR OTRO LADO, LA MITOLOGÍA RECORRE LA LITERATURA EN TODAS LAS ÉPOCAS EN EL MUNDO OCCIDENTAL ASÍ COMO EL ARTE Y LA MÚSICA.

DIOSES DE LA MITOLOGÍA GRIEGA 1

DIOSES DE LA MITOLOGÍA 2

DIOSES DE LA MITOLOGÍA GRIEGA 3

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DIOSES DE LA MITOLOGÍA GRIEGA 11

HARIS ALEXIOU

2008-11-09T18:44:00.001+01:00

“Me acuerdo siendo una niña escuchar a Haroula Aleksiou cantando la “calle Aristóteles” (unos versos de Lefteris Papadópulos musicados por Yannis Spanos): “sacaba de mis bolsillos piel de mandarina y te la echaba a los ojos para hacerte llorar”. Esta piel de mandarina, este aroma del Mediterráneo, dulce y amargo como la nostalgia que trae lágrimas a los ojos, esta es Haroula, esta es su voz. Una voz que susurra y hace soñar y toca las cuerdas más tiernas del alma y al mismo tiempo es capaz de sacudirte y arrastrarte a unas profundidades insospechadas para luego catapultarte, cantando un zeïmbekiko, a los cielos. Es lo que hace que su voz sea inolvidable y ella única: puede sufrir y gozar, puede cantar canciones populares, anónimas, antiguas, duras, al son de los clarinetes, como las que cantaba hace años en las fiestas de su pueblo, en Tebas, puede bailar al compás de bousouki y que todo el mundo se levante a bailar con ella y después sentarse en la quietud y escribir versos íntimos y tiernos, como los de “Nefeli”, que canta acompañada por un solo piano. Esta persona que lleva años dando vida a nuestras radios y nuestros discos, significado a nuestra soledad y nuestros amores, alegría inagotable a nuestros bailes y fiestas; esta persona que con su pasión y su verdad brilla en el escenario es para nosotros todo lo que quisimos y seguimos queriendo de Grecia, es nuestra Haroula.”

Klairh Skandami Arquéloga y Profesora de Griego.

Haris Alexíou, cantante, compositora y poeta griega, inicia su carrera a principios de los años 70. En estos años de intensa actividad artística Haris Alexíou ha editado más de 30 álbumes en los que canta a los grandes poetas griegos, las canciones tradicionales de su país y en los que también interpreta sus propias composiciones que ya se han convertido en clásicos de la música tradicional griega.

La llamada “Haroula de Grecia” rompe al mismo tiempo con algunas tradiciones y durante una época canta sus canciones tradicionales en los clubs nocturnos de su país además de actuar en grandes teatros y festivales de los cinco continentes.

Siempre atenta y dispuesta a apoyar a los jóvenes artistas griegos Haris ha colaborado también con artistas internacionales de la talla de Lorenna Mc Kennit, Seze Aksun o Paolo Conte.

Haris Alexíou cree firmemente que la canción griega, a través de sus poetas y compositores, le ha enseñado a amar y a entender mejor la historia y la cultura de su país.

Haris Alexíou

Haris Alexiou (ΧΑΡΙΣ ΑΛΕΞΙΟΥ) apareció en la escena musical griega a principios de la década de los 70. Su carismática voz, combinada con un modo único de actuar y una fuerte presencia escénica, la llevaron muy pronto a lo más alto. Hoy en día todavía está en la cima, trabajando siempre duro, buscando siempre nuevas maneras de expresión y dando siempre prestigio y valor a la luz contemporánea y a la música popular griega. Ha trabajado con los compositores griegos más importantes, ha actuado en los mejores teatros musicales de los cinco continentes y ha recibido varios premios de primer orden.

Ha grabado más de treinta álbumes propios, ha participado en álbumes de otros artistas, tanto famosos como jóvenes prometedores, y ha estado siempre atenta a los nuevos caminos abiertos por la música.

En septiembre de 2003, salió a la venta el nuevo álbum de Haris Alexiou titulado To the End of your Heaven. Incluye treinta canciones escritas por diversos compositores y letristas. Cuatro de estas canciones están escritas por Haris Alexiou. El resto han sido escritas por compositores griegos conocidos, como Antonis Vardis, George Theofanous, Manolis Famelos, “Ekinos + Ekinos” (Tassos Voyadjis y Solon Apostolakis), Makis Seviloglou, Panayotis Yatrakos y Sophia Argyropoulou. Dos de las canciones son interpretadas por Haris Alexiou, una con Yannis Kotsiras y otra con Filipos Pliatsikas, del grupo PYX-LAX. Es un trabajo que recopila diversos estilos, entre los que se encuentran el “laiko” (música popular tradicional), baladas y canciones modernas, pero todos ellos compartiendo un concepto común con respecto al sonido. Toda la obra se caracteriza por una aproximación directa al público, ya que incluye trece temas cortos en los que cada oyente puede descubrir algo de sí mismo.El primer paso importante de su carrera fue su participación junto a George Dalaras en el álbum Mikra Asia/ (Asia Minor) escrito por Apostolos Caldaras y Pythagoras en 1972. Se convirtió en un álbum histórico, el mayor éxito de la década de los 70, y fue legítimamente incluido en la lista “MINOS-EMI’s 100 Greatest Hits of the Century”.

En 1973 Haris participa en los álbumes Kalimera ilie/(Good Morning, Sun) de Manos Loizos y Lefteris Papadopoulos, Byzantinos Esperinos/(Byzantine Vesper) de Apostolos Kaldaras y Lefteris Papadopoulos y Odos Aristotelous/(Aristotelous Street) de Yannis Spanos y Lefteris Papadopoulos. Su encuentro con Manos Loizos supuso el comienzo de una amistad para toda la vida y una prolífica cooperación.

En 1975, publica su primer álbum personal 12 ‘Laika’ Songs. Una de las canciones de este álbum, “Dimitroula”, se convierte en un clásico de todos los tiempos.

El mismo año, aparece en los locales nocturnos de Plaka, imponiendo una nueva forma de presentar canciones, completamente diferente de la de los grandes clubes nocturnos convencionales. Es el primer año después de la caída de la junta militar, una época para las canciones políticas y el resurgimiento de las canciones “rebetika”, y Haris Alexiou canta canciones tradicionales, baladas, canciones modernas, canciones populares y rebetika. Durante largos períodos de tiempo, aparece con George Dalaras, Dimitra Galani, Basilis Papakonstantinou y Yannis Parios. Obtiene grandes éxitos en sus conciertos en estadios y teatros, con canciones escritas por Loizos, Papadopoulos, Nikolopoulos, Spanos, Theodorakis, Kuyumdjis y otros. Su popularidad alcanza su cima. Desde entonces, es conocida como “Haroula de Grecia”.

En 1979, se publica el álbum, Ta tragoudia tis Haroulas/(Haroula’s Songs). Manos Loizos había compuesto la música, y las letras fueron escritas por Manolis Rassoulis y Pythagoras. De este álbum, el tema “O Fantaros”/“The Soldier” inmediatamente se convierte en un gran éxito, mientras que “Ola se thymizoun” /“All Things Remind Me of You” está considerada una de las baladas griegas más hermosas de todos los tiempos.

La década de los 80 comienza con dos enormes éxitos: Fevgo/(I'm Leaving) y Ximeroni/(The Day Breaks). Songs of Yesterday, su álbum junto con Dimitra Galani incluye baladas que fascinan al público. Al mismo tiempo graba canciones tradicionales y populares, rebetika y laika, y ofrece conciertos tanto en Grecia como en el extranjero.

1983 es el año del álbum Tsilika, una pieza de coleccionista, con viejas canciones rebetika escritas entre 1900 y 1935.

1986 es el año de su primera cooperación con el compositor Thanos Mikroutsikos. El álbum se titula I Agapi ine zali/(Dizzy with Love), con letra de Alkis Alkeos, Nikos Kavadias, Andreas Mikroutsikos y Babis Tsikliropoulos. La canción que da título al disco se convierte en un enorme éxito. “Eleni” y “Erotikon” del mismo álbum, también obtienen un gran éxito. El mismo año Haroula conquista al público francés con su aparición en el Théâtre de la Ville, logrando críticas ditirámbicas por parte de la prensa francesa. Después de este acontecimiento ofrece conciertos en Chipre, Túnez, Alemania y muchas ciudades de toda la geografía griega.

En 1987, el mundialmente famoso compositor griego Manos Hadjidakis la invita a aparecer en su club “Sirius” con “Unpredictable Songs”, y bajo su dirección musical la lleva al estudio de grabación. Durante el verano de este año, canta en los conciertos de Hadjidakis en muchas ciudades griegas.

En 1988 trabaja con “Fatme”, un grupo de artistas jóvenes de gran talento. También colabora con Paolo Conte, famoso cantante y compositor italiano. Aparecen juntos en el Teatro Palace de Atenas.

En 1989, “The Show in on”. Es el espectáculo musical que la cantante presenta por dos años, junto con Dimitra Galani y Yannis Parios, en Atenas y Tesalónica. El resultado de este trabajo fue un álbum del mismo título.

1990 empieza con su segunda cooperación con Thanos Mikroutsikos. El álbum se titula This Cologne Lingers on for Years, con letra de Lina Nikolakopoulou. En octubre del mismo año, participa en el concierto más importante de la década en el Peace and Friendship Stadium de Atenas. En este concierto festivo, llamado “Our Own Night”, están presentes todos los grandes nombres griegos del mundo del espectáculo.

En 1991 aparece en el Teatro Attikon de Atenas con un espectáculo especial titulado “In Three Acts”. En el primer acto canta canciones de Hadjidakis, Loizos, Mikroutsikos y Brecht-Weill. En el segundo acto invita a algunos grupos de música griega moderna y presenta canciones escritas por sí misma. El tercer acto es un popurrí de sus éxitos, de antes y de ahora. Después presenta este espectáculo en el Teatro Estatal del Norte de Grecia, que por primera vez acogía a una cantante de origen griego en su escenario.

Con sus conciertos, establece nuevos estándares para los espectáculos musicales, utilizando equipos de luz y sonido e impresionantes decorados de vanguardia.

En otoño de 1991, al lado de Costas Hadjis, presenta un espectáculo dirigido por Maouro Bolognini en el Teatro Rex de Atenas y en la Radio City de Tesalónica. Alexiou Sings Hadjis es el álbum que viene a continuación.

En 1992 empieza su cooperación con Polygram, presentando con éxito un nuevo estilo en sus canciones. El álbum Di’ efchon/(L’orale), con música de Nikos Antypas y letras de Lina Nikolakopoulou se recibe como algo muy nuevo a la discografía griega, dando un nuevo empujón a la ya larga carrera de Haroula.

En 1993 el álbum citado más arriba es publicado en Japón, Bélgica, Francia e Israel por la Polygram International. El canal de televisión francés “MCM International” filma y proyecta su concierto en el Lycabetus Theatre. Ese mismo año viaja por todo el mundo con conciertos en Chipre, Estados Unidos, Canadá, Israel y varios países europeos, para acabar en el Teatro Mogador de París.

En 1994 ve la luz su álbum Hey! con música de Nikos Antypas y letra de Lefteris Papadopoulos y Aris Davarakis.

En el verano del mismo año, aparece en el Herod Atticus Odeon con un espectáculo dirigido por Mauro Bolognini. En octubre, se produce su primera aparición en Japón, donde consigue un gran éxito.

En 1995, se publica el álbum 88 Nefelis Street. Las canciones de este álbum están todas escritas por ella misma. Para este álbum, en abril de 1995, en el Palacio de Congresos de París, recibe el “Prix Adami”, un premio concedido cada año por la Charles Cross Academy para artistas eminentes.

El mismo año, abre su Studio Nefeli, donde presenta sus nuevas canciones, creando un nuevo ambiente de “Café Theatre”.

En 1996, escribe la letra para “Nefeli’s Tango” con música de Loreena McKennit. Esta canción, al lado de otras grabaciones en directo de sus conciertos por el mundo, está incluida en el álbum “Around the World ’92-‘96”. “Nefeli’s Tango”, se mantiene durante varios meses como una de las diez mejores canciones de world music en Europa.En el verano de 1997, respondiendo a la invitación del Comité de los Juegos Olímpicos de “Atenas 2004”, celebra un concierto en la colina de Pnyka, muy cerca de la Acrópolis. Este concierto logra un éxito tan grande que tiene que repetirlo dos veces en el mismo lugar.1998 es el año de The Game of Love, su segundo álbum con canciones escritas sólo por ella misma. La grabación tuvo lugar en el Studio Guillaume Tell de París con músicos griegos y de otros países.

Ese mismo año, realiza una gira por América del Norte y del Sur con Nikos Papazoglou. En diciembre aparece en Atenas en el Diogenis Studio que es reconstruido para atender a las demandas del espectáculo que presentaba la artista con Chris Nikolopoulos. El espectáculo es dirigido de nuevo por Dimitri Papajoannoy.

En octubre de 1999, canta junto con la famosa cantante turca Sezen Aksu, tanto en Atenas como en Estambul, a favor de las víctimas de los terremotos que sufrieron los dos países aquel año, bajo los auspicios del Ministerio de Cultura. Esta colaboración se repite en el verano de 2000 en Estambul y en Esmirna.

En septiembre de 2000 se publica el álbum Whispers. En él se incluyen sus canciones favoritas, interpretadas sólo por ella y un piano. En octubre la artista presenta estas canciones en el Palacio de la Música de Atenas, así como en el antiguo Odeón de Epidauro, acompañada tan sólo por un pequeño conjunto musical.

Ese mismo año funda su propia compañía de discos, “Estia”, para producir todas sus futuras iniciativas discográficas. En diciembre publica el primer álbum, titulado Strange Light. En este álbum se encuentra otra vez con compositores con los que ha trabajado y cosechado éxitos en el pasado. Strange Light se convierte en Lumiere Etrange y es distribuido en toda Europa por Universal-France. Al mismo tiempo, Haroula realiza una gira por Europa en la que ofrece conciertos en los teatros más prestigiosos, conquistando tanto al público como a la crítica. Su gira finaliza con una aparición triunfal en el Teatro Olimpia de París. 2002 es otro año creativo para Haroula. Aparece en el Keramikos Music Hall, esta vez cantando más canciones “laika”. En este espectáculo participan Lavrentis Macheritsas y otros jóvenes artistas. El resultado es el álbum “Keramikos Live”.

Desde Grecia hasta Australia, desde Rusia hasta África, desde América hasta Japón, Haris Alexiou viaja y enseña al mundo el sentimiento de la canción griega. Ella cree firmemente que la canción griega, por medio de sus poetas y compositores, la ha enseñado a amar y entender mejor la historia y la cultura de su país.

Όλα σε θυμίζουν

Όλα σε θυμίζουν,

απλά κι αγαπημένα,

πράγματα δικά σου, καθημερινά

σαν να περιμένουν κι αυτά μαζί μ' εμένα

νά 'ρθεις κι ας χαράξει για στερνή φορά.

Όλη μας η αγάπη την κάμαρα γεμίζει

σαν ένα τραγούδι που λέγαμε κι οι δυο,

πρόσωπα και λόγια και τ' όνειρο που τρίζει,

σαν θα ξημερώσει τι θα 'ν' αληθινό.

Όλα σε θυμίζουν,

απλά κι αγαπημένα,

πράγματα δικά σου, καθημερινά.

Όλα σε θυμίζουν,

κι οι πιο καλοί μας φίλοι.

Άλλος στην ταβέρνα, άλλος σινεμά.

Μόνη μου διαβάζω το γράμμα που 'χες στείλει

πριν να φιληθούμε πρώτη μας φορά.

Όλη μας η αγάπη την κάμαρα γεμίζει

σαν ένα τραγούδι που λέγαμε κι οι δυο,

πρόσωπα και λόγια και τ' όνειρο που τρίζει,

σαν θα ξημερώσει τι θα 'ν' αληθινό.

Όλα σε θυμίζουν,

απλά κι αγαπημένα,

πράγματα δικά σου, καθημερινά.

Todo me recuerda a ti,
cosas simples y queridas,
Tus cosas cotidianas,
Como si esperasen también estar conmigo
Para que vengas aunque amanezca por última vez.

Todo nuestro amor llena la habitación
Como una canción que entonábamos los dos,
Rostros y palabras y el sueño que cruje.
Cuando amanezca, ¿qué será cierto?

Todo me recuerda a ti,
También nuestros mejores amigos.
Uno en la taberna, otro en el cine.
Sola estoy leyendo la carta que habías enviado
Antes de que nos besáramos por primera vez.

Todo nuestro amor llena la habitación
Como una canción que entonábamos los dos.
Rostros y palabras y el sueño que cruje.
Cuando amanezca, ¿qué será cierto?

Todo me recuerda a ti,
cosas simples y queridas,
Tus cosas cotidianas.

Απόψε θέλω να πιω

Απόψε θέλω να πιω

τίποτα μετά να μη θυμάμαι,

μέσα στον καπνό να παγιδευτώ,

συνέπειες να μη φοβάμαι.

Απόψε θέλω να πιω,

θέλω να ξεφύγω από τα όριά μου.

Μέσα στον καπνό να εξομολογηθώ

Για τα χαμένα όνειρά μου.

Θα ανάβω με τσιγάρα,

θα σβήνω με ποτά...

τώρα που πήρα τη λαχτάρα

στάχτη να γίνουν όλα πια.

Απόψε θέλω να πιω...

Όλους κι όλα να τα διαγράψω.

Μέσα στον καπνό να εξαφανιστώ

πίσω να μην ξανακοιτάξω.

Esta noche quiero beber
Para no recordar después nada,
Para quedarme atrapada dentro del humo,
Para no tener miedo de las consecuencias.

Esta noche quiero beber,
Quiero evadirme de mis fronteras,
Confesarme entre el humo
Por mis sueños perdidos.

Me encenderé con cigarros,
Me apagaré con la bebida…
Ahora que me han dado ganas
De que todo se venga ya abajo.

Esta noche quiero beber…
Borrar a todos y borrarlo todo,
Desaparecer en medio del humo,

No mirar nunca más hacia atrás.

Ahora esa canción a la que hace referencia Klairh anteriormente donde aparece esa hermosísima frase "sacaba de mis bolsillos piel de mandarina y te la echaba a los ojos para hacerte llorar." No se puede plasmar de un manera más bella una imagen tan sublime: cómo sacarte de la indolencia, cómo, "te arrojaba a los ojos piel de mandarina para hacerte llorar." A mí también me hubiera llamado la atención esta imagen, es profesora de griego, colega mía, no podía ser de otra manera. No me canso del griego. No puedo cansarme. Tanta belleza en su lenguaje, tal sutileza, tal precisión, imposible de explicar. Hay que conocerlo. Te hace diferente. Nos hace diferentes. Su comentario sobre Haroula me parece impresionante, por eso encabeza esta entrada. No tengo la letra de esta canción pero la seguiré buscando para ofrecérselas. Al comienzo y al final de la canción (un poema de Leftéris Papadópoulos) repite esta imagen: Έβγαζα απ΄τις τσέπες μου φλούδες μανταρίνι σου ρίχνουν στα μάτια να πονάς.

Οδός Αριστοτέλους

Οδός Αριστοτέλους

Στίχοι: Παπαδόπουλος Λευτέρης
Μουσική: Σπανός Γιάννης
Πρώτη εκτέλεση: Χαρούλα Αλεξίου

Σάββατο κι απόβραδο και ασετυλίνη
στην Αριστοτέλους που γερνάς
έβγαζ' απ' τις τσέπες μου φλούδες μανταρίνι
σου 'ριχνα στα μάτια να πονάς

Παίζαν οι μικρότεροι κλέφτες κaι αστυνόμους
κι ήταν αρχηγός η Αργυρώ
και φωτιές ανάβανε στους απάνω δρόμους
τ' Άη Γιάννη θα 'τανε θαρρώ

Βγάζανε τα δίκοχα οι παλιοί φαντάροι
γέμιζε η πλατεία από παιδιά
κι ήταν ένα πράσινο πράσινο φεγγάρι
να σου μαχαιρώνει την καρδιά

Παίζαν οι μικρότεροι κλέφτες κι αστυνόμους
κι ήταν αρχηγός η Αργυρώ
και φωτιές ανάβανε στους απάνω δρόμους
τ' Άη Γιάννη θα 'τανε θαρρώ

Σάββατο κι απόβραδο και ασετυλίνη
στην Αριστοτέλους που γερνάς
έβγαζ' απ' τη τσέπη μου φλούδες μανταρίνι
σου 'ριχνα στα μάτια να πονάς

Atardecer de sábado y lámparas de acetileno
En la calle Aristóteles donde envejeces
Sacaba de mis bolsillos pieles de mandarina
Te las arrojaba a los ojos para hacerte daño

Jugaban los más pequeños a ladrones y policías
Y Argyró era la cabecilla
Y encendían hogueras en las calles de arriba
Sería por San Juan, creo.

Se quitaban el gorro los viejos soldados
Se llenaba la plaza de niños
Y había una luna verde verde
Que se te clavaba en el corazón

Jugaban los más pequeños a ladrones y policías
Y Argyró era el jefe
Y encendían hogueras en las calles de arriba
Sería por San Juan, creo.

Atardecer de sábado y lámparas de acetileno
En la calle Aristóteles donde envejeces
Sacaba de mis bolsillos pieles de mandarina
Te las arrojaba a los ojos para hacerte daño.

Gracias, María, por regalarnos esta letra.

MINA MAZZINI

2008-10-19T20:56:00.000+02:00

Mina Anna Mazzini más conocida por su nombre artístico Mina, es la cantante más reconocida de Italia. Nació en Busto Arsizio, Lombardia, Italia, el 25 de marzo de 1940, aunque creció en Cremona, ciudad que le ha valido el sobrenombre popular de "Tigresa de Cremona."

Su primera incursión en el mundo de la canción fue en 1958, en un local de la comuna italiana de Pietrasanta llamado La Bussola, con la canción "Un'anima pura". En aquel periodo, bajo la influencia del rock and roll que invadía Italia, grabó en inglés los sencillos "Be Bop A Lula" y "When" con el seudónimo de Baby Gate.

Debutó en televisión en 1959, en el programa Il musichiere, cantando "Nessuno". En 1960 y en 1961 participó en el Festival de Sanremo con las canciones "È vero" y "Le mille bolle blu" respectivamente.

Durante los años 60 y 70 su popularidad comenzó a crecer. Se convirtió, junto a Lucio Battisti, en una de las voces más populares de Italia. Empezó a darse a conocer fuera de su país grabando canciones en español, francés, turco y japonés.

En 1974, presentó con Raffaella Carrà su último programa nocturno Milleluci. En 1978 tienen lugar sus últimos conciertos en directo y apareció en televisión por última vez interpretando la canción "Ancora, ancora, ancora". Se trasladó a Lugano en la primera mitad de los años 70, donde abrió la sede de su estudio de grabación y pidió, obteniéndola en 1989, la ciudadanía suiza.

De 1978 a 1995, Mina publicó un doble disco cada año, alternando cover y canciones inéditas de cantautores italianos, como Lucio Battisti y Renato Zero, con quien grabara a duo, el tema "Tutti gli zeri del mondo" (Todos los ceros del mundo), y sólo en 1996 su producción comenzó a ralentizarse, hasta llegar a 2004, primer año desde el inicio de su carrera en el que no editó ningún disco. En 2000, grabó a dúo con Mónica Naranjo "Él se encuentra entre tú y yo", una canción que aparece en el tercer álbum de la cantante catalana, llamado Minage en su honor. En 2007 Miguel Bosé incluye en "Papito" el duo "Agua y sal", previamente grabado por Mina y Adriano Celentano en "Mina-Celentano"En los últimos años, Mina ha empezado a colaborar con periódicos y revistas como comentarista.

Mina Mazzini es la diva por excelencia de la pasión italiana, podría poner muchas canciones pero sólo una habla por si sola, la maravillosa Ancora, ancora, ancora. Ésta es la canción que he elegido para su presentación. La cantante Mónica Naranjo, admiradora declarada de Mina, la versionó en su disco Minage, claro tributo a la artista italiana. Les vamos a ofrecer los dos videos. Aunque admiro también a la cantante catalana, no hay color. El video de Mina en el año 1978 habla por si solo: primer plano de su rostro maquillado, sin figurantes, sin bailarines, sin escenario. Toda ella un espectáculo: interpreta con una carga erótica impresionante la letra de la canción, la pasión va creciendo como si estuviera viviendo ese momento del deseo en suspense, ese deseo que reclama con tanta fuerza "ancora, ancora, ancora." Al borde del orgasmo. Sensacional. Aún hoy este video sería un escándalo. Pasión mediterránea. No exitiría Mónica Naranjo si no hubiera existido antes Mina Mazzini, observen cómo la imita a veces hasta en la imagen y el maquillaje. Ah, y por supuesto la canción original en italiano es mucho más bonita. Hay pocos cambios, pero los hay. Mucho mejor si os la traduce alguien que sepa italiano. Gracias Juan por haberme enseñado esta canción.

Ancora, ancora, ancora.

Se vuoi andare ti capisco
se mi lasci ti tradisco si,
ma se dormo sul tuo petto
di amarti io non smetto no.
Tu stupendo sei in amore
sensuale sul mio cuore si,
se poi strappo un tuo lamento
è importante questo mio momento perché
io ti chiedo ancora
il tuo corpo ancora
le tue braccia ancora
di abbracciarmi ancora
di amarmi ancora
di pigliarmi ancora
farmi morire ancora
perché ti amo ancora.
Confusione la tua mente
quando ama completamente si,
con le sue percezioni
mette a punto le mie inclinazioni perché
io ti chiedo ancora
la tua bocca ancora
le tue mani ancora
sul mio collo ancora,
di restare ancora
consumarmi ancora
perché ti amo ancora
ancora, ancora, ancora...

Mónica Naranjo. Ahora, ahora.

Ahora les ofreceremos diversas versiones de SOBREVIVIRÉ, la original de Mina, la versión de Mónica Naranjo y la de Gloria Gaynor. Muy interesantes es también la de Remedios Amaya en flamenco pero esta última no está disponible en video. La versión original de Mina se titula Fiume azzurro.

Mónica Naranjo, Sobreviviré.

Gloria Gaynor, I will survive.

A continuación vamos a ver la atrevida "L'importante è finire", "Lo importante es llegar (o terminar)" o lo que es lo mismo lo importante es "correrse" que es lo que quiere decir exactamente la canción por lo que fue censurada en un primer momento en Italia. La verdad que la ambigüedad del término "llegar" le da más clase a la canción. Mónica Naranjo la convierte en la resignada "Que imposible." Es muy sexual también pero como siempre, Mina va más allá, mucho más allá. Aunque debo confesar que en este video creo que esta un tanto sobreactuada, es demasiado, utiliza los recursos del cine mudo, o a mí me lo parece. Creo que está muy exagerada. Da un poco de pavor ¿no creen?.

Mónica Naranjo, Que imposible.

DESPINA VANDI

2008-10-19T14:27:00.000+02:00

Despina Vandi (griego: Δέσποινα Βανδή), nacida el 22 de Julio de 1969 en Tipigen, Alemania es una reconocida y famosa cantante alemana griega. Mezcla en su música "elementos tradicionales griegos" con el "pop" y el "dance" más modernos. Su nombre real es "Despina Malea."

Nació en Tipigen, Alemania, un pequeño pueblo cerca de Stuttgart. Sus padres se habían desplazado allí desde Kavala,Grecia y volvieron a Grecia cuando Despina tenía 6 años. Como resultado, la pequeña Despina nunca aprendió alemán. Pasó el resto de su niñez en Kavala antes de ir a la Universidad de Tesalónica, donde estudió psicología, filosofía y educación.

Durante su estancia en la universidad, Despina empezó a cantar en un bar local con un amigo suyo que tocaba el piano. Pronto creció su interés por la música, recibió cursos de canto y atrajo la atención del mundo de la música griega. Su talento y presencia en el escenario la condujeron a los estudios de grabación.

Despina grabó su primer álbum, titulado Gela Mou con la compañía "Minos-EMI" en 1994, en el que se incluyó un dueto con el famoso cantante griego "Yiannis Parios". La canción, titulada "To Adieksodo" fue todo un éxito, y en 1996 un segundo álbum salió a la venta con el título de Esena Perimeno (Te espero a ti). Al año siguiente, Despina hizo un tour por Europa y América del Norte.

En Diciembre de 1997 formó equipo con el productor y compositor "Foibos/Phoebus". Su primera colaboración, Deka Entoles, produjo más singles exitosos. En el año 2000, Despina y Foibos produjeron Profities, álbum que consiguió ser disco de "Oro" el mismo día en que fue sacado a la venta, y "Platino" en sólo 1 mes.

El single "Ypofero" fue 6 veces "Platino", con más de 300,000 copias vendidas, convirtiéndose en el CD-single más vendido de la historia musical de Grecia. En Otoño del 2001 Despina y Foibos decidieron hacer un contrato con la nueva y más dinámica compañía discográfica "Heaven Music", y el 19 de Diciembre de ese mismo año, Despina publicó Geia, un álbum doble con 21 nuevas canciones que fue 4 veces disco de "Platino" en tan solo 11 días.

A principios de Marzo del 2002, Despina fue premiada en los "World Music Awards", celebrado en Mónaco, como la artista griega con más éxito de ventas, siendo la primera artista que, viviendo y trabajando en Grecia, recibió un premio de tal categoría. A principios del 2003, su single titulado "Ante Gia" escaló en las listas griegas como sus predecesores, al igual que su siguiente single, "Opa-Opa".

Después le siguieron "Come Along Now", canción oficial de la marca "Coca-Cola" para las olimpiadas de "Atenas 2004", y en invierno de ese mismo año, "Stin Avli Tou Paradisou" rola en la que Foibos volvió a colaborar con Despina. 10 Xronia Mazi es su más reciente producción discográfica, así como un álbum triple, lanzado el 6 de Diciembre del 2007, donde Despina creó 15 canciones, más un "disco extra" o "bonus" (en este caso el tercero), donde adjuntó sus más grandes éxitos en versión "remix" creados junto a Foibos como un agradecimiento a todos sus fans por todo el amor y todo el cariño que le han hecho sentir todos estos 14 años de trayectoria musical.

Obviamente el disco se convirtió en "Platino" durante la primer semana de su lanzamiento al mercado europeo. El género está bien variado. Varía desde el "pop" puro, mezclado con tintes de "rock" y un género musical griego titulado "laika"; aparte de canciones "dance", las cuales son los excelentes remixes que componen esta obra maestra. Los 4 singles que han salido hasta la fecha son los siguientes: "Thelo", "10 Xronia Mazi", "Agapi" y "Fantasou Apla."

Φαντάσου απλά (Imagina simplemente)

Με κοιτάς, σε κοιτώ και κρυφά χαμογελώ
μέσα μου νιώθω τόσο ευτυχισμένη
με κερνάς το φιλί που λαχτάρισα πολύ
σαν κρασί την καρδούλα μου γλυκαίνει

με ρωτάς να σου πώ αν αλήθεια σ'αγαπώ
με ρωτάς τι σημαίνεις για εμένα
με ρωτάς να σου πω πως θα ήμουνα εγώ
στη ζωή αν δεν γνώριζα εσένα

Φαντάσου απλά το ράδιο χωρίς τραγούδια
Φαντάσου απλά την άνοιξη χωρίς λουλούδια
Φαντάσου απλά σταθμούς χωρίς να υπάρχουν τρένα
έτσι θα ΄μουνα χωρίς εσένα

Φαντάσου απλά μια καραμέλα δίχως γλύκα
Φαντάσου απλά ένα καφέ γεμάτο πίκρα
κι ίσως μετά να καταλάβεις πως το θέμα
είναι να χω εσένα

με ρωτάς να σου πώ αν αλήθεια σ'αγαπώ
κι αν ποτέ με αφήσεις πως θα νιώσω
με ρωτάς να σου πώ πως τα πράγματα και εγώ
προσπαθώ μια ιδέα να σου δώσω.

Me miras, te miro y sonrío a escondidas
Dentro de mí me siento tan feliz
Me agasajas con el beso que tanto anhelé
Como el vino endulza mi pequeño corazón.

Me pides que te diga si te quiero de verdad
Me preguntas qué significas para mí
Me pides que te diga como estaría yo
En la vida si no te conociera.

Imagina simplmente la radio sin canciones
Imagina simplemente la primavera sin flores
Imagina simplemente las estaciones sin trenes
Así estaría yo sin ti.

Imagina simplemente un caramelo sin azúcar
Imagina simplemente un café lleno de amargor
Y quizás depués comprendas cómo estaría el tema
Si no te tengo.

Me pides que te diga si te quiero de verdad
Y cómo me sentiría si alguna vez me dejases
Me pides que te diga cómo estarían mis asuntos y yo
Intento darte una idea.

Σε χρειάζομαι (Te necesito).

Opa, opa.

Ela

Anaveis foties

Símera

Gia

Ypofero

RENÉE VIVIEN

2008-10-19T13:31:00.001+02:00

Renée Vivien, pseudónimo de Pauline Mary Tarn nació en Inglaterra en el último tercio del siglo XIX. Su padre murió cuando ella era apenas una niña, dejándola a merced de una madre que intentó por todos los medios declarar a su hija como demente cuando su mayoría de edad estaba próxima con el propósito de arrebatarle su parte de la herencia. Los años de niñez que pasó estudiando en Francia le hicieron adorar este país y su lengua, hasta el punto de convertirse París en su lugar de residencia y asumir el francés como lenguaje de expresión literaria.

Por otra parte, la ciudad de la Rive Gauche era un destino preferente para las artistas e intelectuales que ansiaban vivir libremente su homosexualidad, como era el caso de Vivien. Vecina de Colette (sus casas estaban comunicadas por el patio) y coetánea de Pierre Louys, Lucie Delarue-Mardrus, Liane de Pougy, entre otras, vivió su primer romance amoroso y lésbico con la también escritora Natalie Clifford Barney, conocida como "La Amazona", mujer de gran personalidad y fama que inspiró no sólo gran parte de las creaciones de nuestra escritora, sino de muchos otros escritores y escritoras más.

El mayor volumen de su escritura se concentró en el género poético, mientras que la narrativa vio la luz en forma de relatos (La Dame à la Louve) y una novela de la que haría dos versiones (Une Femme m´apparut...), amén de una pequeña biografía sobre Ana Bolena, un compendio de frases máximalistas (L´Album de Sylvestre) y traducciones de Safo y otras poetisas griegas.

El primer poemario que Renée Vivien publicó fue firmado mediante las palabras R. Vivien, que posteriormente derivaron en René Viven. Mientras la crítica alababa el talento de aquel autor que suponían masculino la autora se preparaba para dar el salto añadiendo una "e" más a su pseudónimo: Renée Vivien.

El escándalo sacudió a la joven poetisa, que de la noche a la mañana pasó de ser alabada y comparada con Baudelaire a ser tratada por la crítica con burlas referentes a su homosexualidad en todos los periódicos y revistas del momento. Tal fue la presión, que al cabo de un par de años, la escritora dedició retirar todos sus libros de la venta. En adelante, todo lo que publicaría sería para regalárselo a sus amigos y a la gente que ella considerase merecedora de leer su obra.

La temprana decepción amorosa e inseguridad que le produjeron las infidelidades de Natalie Clifford Barney, la precipitaron a correr bajo los brazos y la protección de la Baronesa Zuylen, quien a juzgar por los escritos que dejó escritos Colette sobre aquella relación, pusó a Renée Vivien en una situación subyugada y posesiva que la obligaría forzadamente a escribir una carta de ruptura dirigida a Natalie (la misma amazona confesaría años más tarde su total convencimiento de que Renée Vivien fue obligada a escribir aquella carta).

Sea como fuere, parece ser que efectivamente, Vivien no se hallaba enamorada de Zuylen, pues fueron otras las musas que le inspirarían amor y literatura, no sólo Barney, cuya sombra persistiría a lo largo de su vida y de su obra, sino también otras, entre las cuales la más importante sería la princesa turca Kerimé, con quien mantuvo una relación amorosa platónica y epistolar.

Este ser sensible y místico encontró refugio para sus decepciones y sus tenebrosidades en el alcohol, acarreándole con el tiempo una anorexia que la haría morir, o dejarse morir, en 1909, pocos meses después de haberle confesado en su última carta a la princesa Kérimé su intención de acabar son su vida iniciando ya lo que Renée Vivien llamó su "agonía moral".

Hoy en día todavía tiene lugar el "Premio Renée Vivien" de poesía que tras su muerte fundó la Baronesa Zuylen, con quien se cuenta que escribió conjuntamente otras varias obras más bajo el pseudónimo de Paul Riverdsale.

Lucidité

L´art délicat du vice occupe tes loisirs,

Et tu sais réveiller la chaleur des désirs

Auxquels ton corps perfide et souple se dérobe.

L´odeur du lit se mêle aux parfums de ta robe.

Ton charme blond ressemble à la fadeur du miel.

Tu n´aimes que le faux et l´artificiel,

La musique des mots et des murmures mièvres.

Ton baiser se détourne et glisse sur les lèvres.

Tes yeux sont des hivers pâlement étoilés.

Les deuils suivent tes pas en mornes défilés.

Ton geste est un reflet, ta parole est une ombre.

Ton corps s´est amolli sous des baisers sans nombre,

Et ton âme est flétrie et ton corps est usé.

Languissant et lascif, ton frôlement rusé

Ignore la beauté loyale de l´étreinte.

Tu mens comme l´on aime, et, sous ta douceur feinte,

On sent le rampement du reptile attentif.

Au fond de l´ombre, elle une mer sans récif,

Les tombeaux sont encor moins impurs que ta couche...

O Femme ! Je le sais, mais j´ai soif de ta bouche!

LUCIDEZ

El arte delicado del vicio ocupa tus recreos,

Y tú sabes despertar el calor de los deseos

A los cuales tu cuerpo pérfido se arrebata.

El olor del lecho se mezcla con los perfumes de tu ropa.

Tu rubio encanto se asemeja a la insipidez de la miel.

No amas más que lo falso y lo artificial,

La música de las palabras y de los débiles murmullos.

Tus besos se desvían y se insinúan sobre los labios.

Tus ojos son inviernos pálidamente estrellados.

Los lutos siguen tus pasos en tétricos desfiles.

Tu gesto es un reflejo, tu palabra es una sombra.

Tu cuerpo se aplaca bajo besos sin nombre,

Y tu alma está ajada y tu cuerpo usado.

Lánguido y lascivo, tu artero roce

Ignora la belleza leal del abrazo.

Mientes como se ama, y, bajo la dulzura fingida,

Se siente el arrastramiento del reptil atento,

En el fondo de la sombra, tal que un mar sin arrecife,

Los sarcófagos son aún menos impuros que tu cama...

¡Oh Mujer!, yo lo sé, ¡pero tengo sed de tu boca!

Traducción castellana de Martínez Mado, (selección y traducción), "Poemas de Renée Vivien", en Lectora, Barcelona, UAB, 2004.

Selene y Endimión

2008-10-02T18:46:00.000+02:00

Selene, la luna divinizada, fue desde los más remotos tiempos inspiradora de pasiones y se vio siempre muy solicitada. Todo su drama de amor es, pues, comprensible. Si la fealdad es la mejor defensa de la virtud, Selene se encuentra desprovista del todo de esta defensa tan útil. Fue bella desde el principio, lo sigue siendo y sigue inspirando a los poetas y enamorando a los hombres.

Selene es hija de Hiperión y de su hermana Eurifaesia. Algunas versiones de la leyenda le atribuyen otra madre. Pero, en todo caso, es hermana del sol y de Eos, la aurora. Todos los mitos de esta diosa son historias de amor, y esto parece lo propio de una diosa que sólo sale de noche a lucir su hermosura. Entre sus muchos amantes están Zeus, el padre de los dioses, y Pan, el dios de la naturaleza. Pero el héroe de la más bonita leyenda de amor de Selene es Endimión, también de origen divino y nieto de Zeus. Cuando Selene le conoce, él se dedica al pastoreo, pero antes había sido rey de Elida. Le destronaron, se refugió en el monte Larmos y se dedicó a apacentar sus vacas y a estudiar los astros.

Su leyenda de amor con Selene tiene varias versiones, todas poéticas. Según la versión más primitiva y a la vez más simple, Endimión, llegada la noche, cansado de sus tareas del día, se dormía profundamente dentro de la cueva que le servía de morada. Pero, si el tiempo era bueno, se tumbaba a dormir al aire libre, junto a la puerta de la cueva, desnudo. En este detalle de su desnudez al aire libre coinciden todas las versiones.

Una noche Selene le descubre, le ama y se tiende a dormir junto a él. Desde entonces le visita todas las noches, le encuentra siempre dormido, y se acuesta junto a él sin despertarle. Así, dormido él y ella despierta, se aman. Y cuando una noche Endimión despierta en pleno amor y se entera de que es el amante de una diosa, ya es padre de cincuenta hijas y de un hijo.

En otra versión, la que se suele citar como mito de Endimión, el primer enamorado es él, quien todas las noches, para distraer su soledad, contempla a Selene y su corazón se nutre de esta muda contemplación amorosa. Hasta que una noche Selene, que no sabe nada del gran amor que ha inspirado, baja a la tierra, le ve dormido y desnudo y le ama.

Pasan mucho tiempo así. Despierto, es él el enamorado de la diosa imposible. Dormido, él se convierte, sin saberlo, en el objeto de amor de la misma diosa. Él no sabe que ella le visita cuando está dormido, y ella no sabe que él la ama cuando está despierto. Ella nunca se atreve a despertarle porque tiene miedo de estropear una situación tan romántica. Y así tienen las cincuenta hijas.

Pero un día él se despierta, de pronto, por un querer de los dioses. Ve a su amada allí y es feliz con ella. Él confiesa su amor, que dura desde hace tanto tiempo, y ella también. Esta escena de la mutua confesión, sobre todo después de las cincuenta hijas, aunque no figura dialogada en ninguna de las leyendas, podría ser una pura delicia.

Pero entonces el que tiene miedo es Endimión. Ha pasado tanto tiempo que ya empieza a envejecer, y pide a Selene que use de su poder divino y le conserve siempre joven. Selene pide ayuda a Zeus, y éste decide que Endimión no sufra el paso del tiempo, pero sólo mientras esté dormido. Es decir, que sólo envejecerá, en adelante, los ratos que esté despierto.

Endimión hace prometer a Selene que estará siempre con él mientras él duerma. Así él no envejece y siempre que se despierta se despierta feliz. Pero entonces, cuando está despierto, ella no está. Así él vuelve a dormir en seguida para tenerla junto a sí, y así no envejece.

Ninguna de las versiones de la leyenda explica el final de Endimión. El de Selene no lo pueden explicar porque no ha tenido final. Sigue en el cielo, enamorando a los hombres y recibiendo el homenaje y las canciones de los poetas. Apenas existe un poeta que no la haya mencionado alguna vez, como símbolo de la meta ideal e inefable de su corazón enamorado de algo que está más allá del alcance de los hombres.

César Vallejo, soledad, tristeza, búsqueda.

2008-10-02T18:13:00.000+02:00

César Vallejo (1892-1938)
Sin discusión, el poeta peruano más grande de todos los tiempos, una figura capital de la poesía hispanoamericana del siglo XX —al lado de Neruda y Huidobro— y una de las voces más originales de la lengua española. Su complejo mundo poético se distingue por un profundo arraigo al ámbito familiar; las experiencias del dolor cotidiano y la muerte; la visión del mundo como un lugar penitencial sin certeza de salvación; la solidaridad con los pobres y desamparados del sistema capitalista; y la fe en la utopía revolucionaria prometida a los hombres por el marxismo. En diversas etapas de su obra se notan los influjos del modernismo, la vanguardia, el indigenismo, la poesía social y el impacto de acontecimientos históricos, como la Guerra Civil española.

Nació en Santiago de Chuco, en la zona andina norte del Perú, en el seno de una familia con raíces españolas e indígenas. Desde niño conoció la miseria, pero también el calor del hogar, lejos del cual sentía una incurable orfandad. Estudió en la Universidad de Trujillo, ciudad donde recibió el estímulo de "la bohemia" local formada por periodistas, escritores y políticos rebeldes. Allí publicó sus primeros poemas antes de llegar a Lima a finales de 1917. En esta ciudad aparece su primer libro, Los heraldos negros (impreso en 1918, circula en 1919), uno de los más representativos ejemplos del posmodernismo, tras las huellas de Leopoldo Lugones y Julio Herrera y Reissig. En 1920 hace una visita a su pueblo natal, donde se ve envuelto en unos disturbios que lo llevarán a la cárcel por unos tres meses; esta experiencia tendrá una crítica y permanente influencia en su vida y obra, y se refleja de modo muy directo en varios poemas de su siguiente libro, Trilce (1922). Se considera esta obra como un momento fundamental en la renovación del lenguaje poético hispanoamericano, pues en ella vemos a Vallejo apartándose de los modelos tradicionales que hasta entonces había seguido, incorporando algunas novedades de la vanguardia y realizando una angustiosa y desconcertante inmersión en los abismos de la condición humana que nunca antes habían sido explorados.

Al año siguiente parte para París, donde permanecerá (con algunos viajes a la Unión Soviética, España y otros países europeos) hasta el fin de sus días. Los años parisinos fueron de extrema pobreza y de intenso sufrimiento físico y moral. Participa con amigos como Huidobro, Gerardo Diego, Juan Larrea y Juan Gris en actividades de sesgo vanguardista, pero pronto abjura de su propio Trilce y hacia 1927 aparece firmemente comprometido con el marxismo y su activismo intelectual y político. Escribe artículos para periódicos y revistas, piezas teatrales, relatos y ensayos de intención propagandística, como Rusia en 1931. Reflexiones al pie del Kremlin (1931). Inscrito en el Partido Comunista de España (1931) y nombrado corresponsal, sigue de cerca las acciones de la Guerra Civil y escribe su poema más político: España, aparta de mí este cáliz, que aparece en 1939 impreso por soldados del ejército republicano. Toda la obra poética escrita en París, y que Vallejo publicó parcamente en diversas revistas, aparecería póstumamente en esa ciudad con el título Poemas humanos (1939). En esta producción es visible su esfuerzo por superar el vacío y el nihilismo de Trilce y por incorporar elementos históricos y de la realidad concreta (peruana, europea, universal) con los que pretende manifestar una apasionada fe en la lucha de los hombres por la justicia y la solidaridad social.

José Carlos Mariátegui

LOS HERALDOS NEGROS

Hay golpes en la vida, tan fuertes... ¡Yo no sé!

Golpes como del odio de Dios; como si ante ellos,

la resaca de todo lo sufridos

se empozara en el alma... ¡Yo no sé!

Son pocos; pero son... Abren zanjas oscuras

en el rostro más fiero y en el lomo más fuerte.

Serán tal vez los potros de bárbaros atilas;

o lo heraldos negros que nos manda la Muerte.

Son las caídas hondas de los Cristos del alma,

de alguna fe adorable que el Destino blasfema.

Esos golpes sangrientos son las crepitaciones

de algún pan que en la puerta del horno se nos quema.

Y el hombre... Pobre... pobre! Vuelve los ojos, como

cuando por sobre el hombro nos llama una palmada;

vuelve los ojos locos, y todo lo vivido

se empoza, como charco de culpa, en la mirada.

Hay golpes en la vida, tan fuertes... ¡Yo no sé!

AMOR PROHIBIDO

Subes centelleante de labios y de ojeras!

Por tus venas subo, como un can herido

que busca el refugio de blandas aceras.

Amor, en el mundo tú eres un pecado!

Mi beso en la punta chispeante del cuerno

del diablo; mi beso que es credo sagrado!

Espíritu en el horópter que pasa

¡puro en su blasfemia!

¡el corazón que engendra al cerebro!

que pasa hacia el tuyo, por mi barro triste.

¡Platónico estambre

que existe en el cáliz donde tu alma existe!

¿Algún penitente silencio siniestro?

¿Tú acaso lo escuchas? Inocente flor!...

Y saber que donde no hay un Padrenuestro,

el Amor es un Cristo pecador!

EL POETA A SU AMADA

Amada, en esta noche tú te has crucificado

sobre los dos maderos curvados de mi beso;y

tu pena me ha dicho que Jesús ha llorado,

y que hay un viernes santo más dulce que ese beso.

En esta noche clara que tanto me has mirado,

la Muerte ha estado alegre y ha cantado en su hueso.

En esta noche de setiembre se ha oficiado

mi segunda caída y el más humano beso.

Amada, moriremos los dos juntos, muy juntos;

se irá secando a pausas nuestra excelsa amargura;

y habrán tocado a sombra nuestros labios difuntos.

Y ya no habrá reproches en tus ojos benditos;

ni volveré a ofenderte. Y en una sepultura

los dos nos dormiremos, como dos hermanitos.

ESPERGESIA

Yo nací un día

que Dios estuvo enfermo.

Todos saben que vivo,

que soy malo; y no saben

del diciembre de ese enero.

Pues yo nací un día

que Dios estuvo enfermo.

Hay un vacío

en mi aire metafísico

que nadie ha de palpar:

el claustro de un silencio

que habló a flor de fuego.

Yo nací un día

que Dios estuvo enfermo.

Hermano, escucha, escucha...

Bueno. Y que no me vaya

sin llevar diciembres,

sin dejar eneros.

Pues yo nací un día

que Dios estuvo enfermo.

Todos saben que vivo,

que mastico... y no saben

por qué en mi verso chirrían,

oscuro sinsabor de ferétro,

luyidos vientos

desenroscados de la Esfinge

preguntona del Desierto.

Todos saben... Y no saben

que la Luz es tísica,

y la Sombra gorda...

Y no saben que el misterio sintetiza...

que él es la joroba

musical y triste que a distancia denuncia

el paso meridiano de las lindes a las Lindes.

Yo nací un día

que Dios estuvo enfermo,

grave.

HECES

Esta tarde llueve, como nunca; y no
tengo ganas de vivir, corazón.

Esta tarde es dulce. Por qué no ha de ser?

Viste de gracia y pena; viste de mujer.

Esta tarde en Lima llueve. Y yo recuerdo

las cavernas crueles de mi ingratitud;

mi bloque de hielo sobre su amapola,

más fuerte que su "No seas así!"

Mis violentas flores negras; y la bárbara

y enorme pedrada; y el trecho glacial.

Y pondrá el silencio de su dignidad

con óleos quemantes el punto final.

Por eso esta tarde, como nunca, voy

con este búho, con este corazón.

Y otras pasan; y viéndome tan triste,

toman un poquito de ti

en la abrupta arruga de mi hondo dolor.

Esta tarde llueve, llueve mucho. ¡Y no

tengo ganas de vivir, corazón!

PIENSO EN TU SEXO...

Pienso en tu sexo.
Simplificado el corazón, pienso en tu sexo,

ante el hijar maduro del día.

Palpo el botón de dicha, está en sazón.

Y muere un sentimiento antiguo

degenerado en seso.

Pienso en tu sexo, surco más prolífico

y armonioso que el vientre de la sombra,

aunque la muerte concibe y pare

de Dios mismo.

Oh Conciencia,pienso, si, en el bruto libre

que goza donde quiere, donde puede.

Oh escándalo de miel de los crepúsculos.

Oh estruendo mudo.

¡Odumodneurtse!

ΜΑΡΙΚΑ ΝΙΝΟΥ & ΒΑΣΙΛΗΣ ΤΣΙΤΣΑΝΗΣ

2008-09-29T20:50:00.000+02:00

Vasilis Tsitsanis está considerado como el mejor compositor de rebétiko. Se crió oyendo las canciones del Epiro y el sonido del bouzouki. Sus primeros discos se publicaron en 1937, fundiendo las tradiciones populares de su tierra con ritmos más urbanos como el hasápiko, el tsifteteli, el hasaposérviko o el zeibékiko de este tema, añadiéndoles rasgos de las músicas eslavas y occidental. Su música fue siempre de estructura muy libre y gran riqueza ornamental. Sus mejores composiciones datan de la época de la ocupación alemana, alcanzando su máxima popularidad en los años cincuenta. En los sesenta, al cambiar los gustos y ponerse en boga un orientalismo facilón, Tsitsanis lo asimiló con éxito limitado. Pasada ya esa moda, recuperó su personalidad y su popularidad. Además de prolífico y variado compositor y letrista, fue un maestro de la improvisación con el bozouki, como puede comprobarse en los taksim incluidos en el disco Hommage à Tstsanis, publicado por Ocora.

Ésta es una de las canciones más duras y a la vez más hermosa, Γεννήθηκα για να πονώ (Nacida para sufrir) que a continuación les ofrecemos. Aparece en un momento estelar de una película de producción australiana de la griega Ana Kókkinos, Head on (De cabeza). ¡Que la disfruten!

Γεννήθηκα,
γεννήθηκα για να πονώ
και για να τυρανιέμαι
την ώρα που σε γνώρισα
βαρειά την καταριέμαι

Με πλήγωσες και δεν ξεχνώ
που τόσο έχω κλάψει
να γίνει η κατάρα μου
φωτιά και να σε κάψει

Κι αν τώρα κάνω μια ζωή
που πάντα τη μισούσα
γι όλα εσύ ευθύνεσαι
που τόσο αγαπούσα

Με πλήγωσες και δεν ξεχνώ
που τόσο έχω κλάψει
να γίνει η κατάρα μου
φωτιά και να σε κάψει

Θα το φωνάξω σαν τρελλή
ο κόσμος να το μάθει
τα βάσανα που τράβηξα
για σένα τα 'χω πάθει

Με πλήγωσες και δεν ξεχνώ
που τόσο έχω κλάψει
να γίνει η κατάρα μου
φωτιά και να σε κάψει.

Nacida
Nacida para sufrir
Y para atormentarme
La hora en que te conocí
La maldigo,
La maldigo profundamente

Me haces daño y no olvido
Lo mucho que he llorado.
Sea mi maldición
Un fuego que te queme

Y si ahora
Y si ahora vivo una vida
Que yo siempre
Que yo siempre había despreciado
Es todo por tu culpa,
Por haberte por haberte amado tanto.

Me haces daño y no olvido
Lo mucho que he llorado.
Sea mi maldición
Un fuego que te queme.

Lo gritaré
Lo gritaré como loca
Para que el mundo
Para que el mundo se entere
Por las penas que he sufrido
Y que por ti
Que por ti he soportado.

BREVE HISTORIA DE LA LEGUA GRIEGA

2008-09-24T20:26:00.001+02:00

1. Los Orígenes de la Lengua Griega.

El griego es una lengua de la familia lingüística indoeuropea. Dentro de los idiomas que proceden de este tronco común, con la comunidad de origen que resulta notoria tanto en su estructura sintáctica y morfológica como en una parte esencial del léxico, el griego es la lengua indoeuropea aún en uso que tenemos atestiguada por escrito desde fecha más antigua, y la que ha dejado una huella más honda en la tradición cultural europea.

La lengua indoeuropea atestiguada por escrito desde más antiguo es la hetita, ya que las tablillas escritas en un silabario cuneiforme de los archivos hetitas, en Hattusas, son de los siglos XVI a XIV a.C. Pero esa lengua, junto con la civilización desapareció hace treinta años.

Podemos pues seguir el desarrollo de la lengua griega desde los primeros testimonios en la época micénica, hasta el griego moderno, es decir, el idioma que se sigue hablando en la Grecia actual, van mucho más de tres mil años de una historia muy accidentada política y culturalmente, en los que se ha mantenido vivaz la lengua griega. Los primeros griegos llegaron a la península helénica desde el Norte hacia el 2.000 a.C. y se establecieron en ella y en las islas. De las gentes de la población anterior, a la que los griegos llamaron Pelasgos, tenemos muy pocos datos, aunque es probable que algunas palabras y algunos rasgos de su idioma influyeran en el griego.

2. Los Primeros Testimonios.

Los testimonios más antiguos de la lengua griega los encontramos en las tablillas micénicas de los siglos XV a XII a.C. redactadas en el silabario denominado como Lineal B. Esas humildes tablillas de arcilla, cocidas fortuitamente en los incendios de los palacios de Cnosos y Pilio, nos han conservado las primeras palabras y frases escritas en la lengua griega. Son sólo unos escuetos documentos de los inventarios o archivos palaciegos de la civilización minoico - micénica, pero de gran interés para el lingüista y el historiador del mundo antiguo. La literatura empieza con los poemas atribuidos a Homero, compuestos en siglo VIII a.C. en la misma época en que Grecia se introduce y se adopta definitivamente el alfabeto de origen fenicio.

Con Homero comienza no sólo la literatura griega, sino la tradición literaria occidental. Sus dos grandes poemas, la Iliada y la Odisea, se constituyeron pronto en los textos fundacionales de toda la literatura antigua. Se recitaban en las fiestas y los niños griegos los aprendían de memoria en las escuelas. Los griegos inventaron luego las formas literarias clásicas: tras la épica vino la lírica coral y personal, la prosa de la historiografía, la oratoria, la filosofía, los tratados científicos, y luego el teatro poético, con sus dos formas arquetípicas de la tragedia y la comedia.

3. Los Dialectos del Griego.

Esta literatura no está escrita en un griego común. Homero compone sus poemas en una forma literaria un tanto artificial, la lengua de la épica, que es la del dialecto jonio mezclado con las formas eólicas y algunos arcaísmos, mientras que la lírica personal de Safo y Alceo (ambos de Mitilene, en la isla de Lesbos) está escrita en eolio, y la lírica coral, la de Píndaro de Tebas, está escrita en dialecto dorio. En la literatura se refleja desde sus comienzos una fragmentación del griego en varios dialectos, que tienen su base en la historia y geografía de los diversos pueblos de la Grecia antigua.

Se pueden distinguir cuatro grandes grupos dialectales: el jónico - ático, el eolio, el arcadio - chipriota y el dorio en un sentido amplio, que comprende también al llamado griego del noroeste junto al dorio propio. Los tres primeros pueden agruparse en lo que se llama el griego ‘aqueo’ frente al dorio en sentido amplio.

Lo que llamamos griego clásico es el ático de los siglos V y VI a.C, la lengua de la prosa y del teatro ateniense, la forma del griego que se utilizaba en la Atenas del siglo de Perícles, la de Platón y los grandes oradores y dramaturgos.

El dialecto ático tiene desde el punto de vista de la cultura clásica, un claro predominio sobre los demás, que corresponde al papel central de Atenas en el pensamiento y la ilustración del periodo clásico. La ciudad de la democracia, el teatro y la filosofía, mantuvo un esplendor intelectual y artístico paralelo a su poder político en el siglo de Pericles y todavía después de la pérdida de su hegemonía política, siguió siendo largo tiempo el centro de la cultura griega por excelencia.

4. Distribución Geográfica de los Dialectos.

La repartición dialectal del periodo clásico era la siguiente: el jonio se hablaba en Asia Menor , las islas Cícladas, y la larga isla de Eubea; el ático, como su nombre indica, era propio de la comarca en torno a la ciudad de Atenas; el eolio estaba extendido en Tesalia, Beocia, la isla de Lesbos y la zona costera minorasiática de enfrente; el arcadio era hablado en la zona de Arcadia, en el Peloponeso, y el chipriota en la isla de Chipre; el dorio se hablaba en la mayor parte del Peloponeso, en las islas colonizadas por los dorios como Creta, Rodas, Cos, Tera, y en diversas partes del Sur de Italia (Magna Grecia) y Sicilia. El llamado griego del Noroeste muy semejante al dorio, en la región cercana al Adriático el Epiro y zonas vecinas.

El dialecto jónico está muy próximo al ático, ya que los jonios, que poblaron la zona costera de Asia Menor en los siglos X y IX a.C. procedían en general del Ática y conservaron muchos rasgos del dialecto común a sus antepasados, los pobladores de la comarca de Atenas. El jonio evolucionó desde ese fondo común arcaico a rasgos más singulares en esta zona costera, una zona próspera que muy pronto realizó importantes avances culturales de la civilización helénica: allí se desarrolló la gran épica homérica, allí surgió la filosofía y la historiografía, y con ellas la primera prosa griega. También se escribe en jonio el género poético de la elegía y el yambo. En la isla de Lesbos, de población eolia, surgieron en el siglo VI a.C. dos grandes poetas cuya personalidad y obra marcó para siempre la poesía antigua: Safo y Alceo, que escribieron en el dialecto local eolio. La tradición de las fiestas impuso el dialecto dorio para la poesía coral, que tiene en la época clásica su manifestación más lograda en los epinicios de Píndaro y Baquílides.

5. Las Lenguas Literarias.

Por un lado tenemos la división dialectal geográfica, debida a la distribución de las tribus griegas que conquistaron y colonizaron diversas zonas de ámbito helénico. Y por otro, la utilización de un dialecto u otro según las convenciones literarias que impusieron en los varios géneros poéticos una u otra forma por tradición. Así a la repartición dialectal geográfica puede superponerse esta otra, artificial, del lenguaje literario. Por ejemplo, tanto Hesiodo como Píndaro eran de la región de Beocia, pero el primero, como autor épico compuso sus poemas en el mismo dialecto que Homero, mientras que el segundo escribió sus odas corales en dorio.

Los dialectos literarios convencionales, eran bastante distintos de la lengua coloquial hablada en una determinada región, y a la vez el carácter panhelénico de la gran poesía favorecía el que esos dialectos literarios fueran entendidos bien por toda Grecia. No hubo relación en Grecia entre formas dialectales y sentimientos nacionalistas, ya que todos los griegos participaban en la gran tradición cultural común, la mitología comunitaria, y la lengua griega genérica por encima de todos los rasgos dialectales minuciosos y peculiares, que no impedían la clara y mutua comprensión entre unos y otros griegos.

6. La Koiné o lengua común.

Con todo, los dialectos griegos fueron desapareciendo al extenderse el uso de la lengua griega como la lengua de cultura y uso comercial y civilizador en todo el Mediterráneo oriental y en los territorios conquistados por Alejandro Magno, a finales del siglo IV a.C. y administrados luego por sus sucesores. Aunque el imperio universal de Alejandro se fragmentó en varios reinos, se mantuvo la unidad cultural superpuesta a las lenguas locales. La lengua común griega o koinè dialektós, se impuso como una especie de lingua franca en todo un inmenso dominio cultural (desde las fronteras de la India hasta Egipto y de allí hasta el sur de Italia) como el vehículo de la civilización y la cultura, con un impulso arrollador.

El griego fue la lengua de la cultura en todo el ámbito de la civilización helenística, en su etapa alejandrina y después. En esa civilización de ansia universal y de enormes horizontes, ya no importaban las sutiles divergencias o tonos dialectales, sino que se usaba para la comunicación una forma de griego que había borrado todas esas variantes menores. La Koiné se había formado esencialmente sobre el ático, la lengua de los grandes prosistas, oradores y filósofos, pero sin conservar ciertos arcaísmos de ese dialecto e incorporando algunos vocablos del jonio y del dorio. En ese mundo helenístico ya no era Atenas la capital cultural, sino que durante siglos el helenismo de ideales cosmopolitas irradiaba desde otras grandes ciudades, más populosas que la vieja ciudad de Pericles, como Alejandría, Pérgamo, Éfeso, o Antioquía, y el griego era usado por gentes de orígenes y razas muy diversas.

La koiné era la lengua a la que se tradujeron los textos del Antiguo Testamento y en la que se escribieron los del Nuevo, la que utilizaban los filósofos y los mercaderes, los gobernadores de Oriente, ya fueran griegos o romanos, la que escribieron los autores de más renombre y los más populares del helenismo, sea cual fuera su procedencia, incluso en los siglos áureos del Imperio Romano, como hicieron por ejemplo, Plutarco, Luciano, Plotino o novelistas como Heliodoro. Los romanos hablaban y escribían griego en la zona oriental del Imperio, y en Roma se estudiaba el griego en las familias patricias o con intereses culturales. Era la lengua de la filosofía y de la ciencia. Es muy sintomático que el emperador Marco Aurelio (120 – 180), cuya familia no tenía relación alguna con Grecia, escribiera sus apuntes más íntimos o Soliloquios en griego.

7. El Griego Medieval o Bizantino.

Desde que Constantino trasladó la capital del Imperio Romano a Constantinopla, en el año 330 hasta la conquista de esta ciudad por los turcos en el año 1453, el centro del poder político y cultural helénico pasa a esta ciudad situada a orillas del Bósforo. La ciudad de Constantino, con sus tres nombres, Constantinopla, Bizancio o Estambul, se convirtió pronto en una nueva metrópoli, capital de un Imperio que se sigue llamando Romano, aun cuando después de Teodosio ya no sea el centro de todo el Imperio, sino tan sólo de la mitad oriental. Pero el imperio Romano de Oriente va a sobrevivir diez siglos a la caída de la vieja Roma, arrasada pro Alarico en 410 y a la destrucción del Imperio de Occidente cuyo último emperador es depuesto por los bárbaros en 179.

En esa larga etapa histórica de tantos siglos, el Imperio de Bizancio conoce épocas de esplendor y una tormentosa agonía. Sus fronteras van reduciéndose, sus relaciones con el mundo latino son difíciles, su Iglesia ortodoxa se escinde de la de Roma, Constantinopla sufre los horrores de la conquista en la cuarta cruzada en 1204, pero sigue siendo el baluarte de una civilización y el centro que conserva la tradición y especialmente los textos clásicos antiguos. Tras la caída de Constantinopla, esos textos llegarán a Occidente a través de Italia y darán como fruto el Renacimiento. Durante muchos siglos en el Occidente bárbaro se ignora el griego, mientras que en éste pervive como lengua del mundo bizantino. Es el griego medieval o bizantino, la lengua de Bizancio.

Tras la caída de la ciudad, tomada por los turcos, ya no quedó ningún poder político o un Estado que protegiera la lengua. Estambul fue entonces una espléndida capital otomana, de lengua turca. Los griegos estuvieron sometidos al imperio Turco hasta bien entrado el siglo XIX. Ellos siguen hablando griego en un país empobrecido mientras que de la prestigiosa civilización del mundo antiguo persisten en la antigua Hélade tan solo las ruinas que descubrirán los viajeros románticos. En esos siglos, del XV al XX, el Humanismo recupera en Occidente los textos clásicos, que se copian y estudian con fervor, primero en Italia y luego en otros países. Renace el conocimiento del griego clásico a partir de los manuscritos traídos por los sabios escapados de Bizancio, que se traducen y editan, se comentan y sirven de estímulo a toda la cultura del Renacimiento y luego de la Ilustración, y a partir de ahí surgen los estudios filológicos sobre el Helenismo y la Grecia Clásica que culminan en las Universidades de Europa de los últimos siglos.

8. El Griego Moderno.

Hasta el siglo XIX no vuelve a ser considerado el griego hablado como un idioma oficial, el de la nueva Grecia libre. Se restaura entonces la cultura griega y el uso de la lengua después de esos siglos en que fue ante todo de uso furtivo, coloquial y muy poco escrita. Este idioma ha tenido algunos problemas para definir ciertos usos de la norma escrita eligiendo entre las presiones conservadoras de los partidarios de una escritura más arcaica ( la purificada o Katharéousa) y las de los más modernos (partidarios de la popular o Dimotikí) que han acabado imponiendo sus criterios. De ahí viene el griego actual, que refleja una notable evolución desde la lengua de la koiné y la bizantina, en su fonética, morfología, sintaxis y en su léxico, pero a la vez una clara continuidad, y es ahora una más de nuestras lenguas de Europa.

9. Importancia del Griego como Lengua de Cultura.

La lengua griega es la de la historia más larga de todas las que conocemos. Desde mediados del segundo milenio antes de Cristo hasta nuestros días llegan los testimonios del griego. La muy rica documentación en textos muy diversos de épocas muy distintas nos ofrece un extenso conocimiento de su evolución y sus dialectos. Es por otra parte, una lengua de estructura gramatical compleja, que ha conservado bien los rasgos lingüísticos de la familia indoeuropea. Y un idioma de gran flexibilidad formal, ágil sintaxis y extraordinaria riqueza léxica. Es un instrumento verbal de gran precisión y elegancia para expresar los matices y aspectos del mundo real. Por todo ello merece una estacada atención de los estudiosos.

Pero el conocimiento de la lengua griega resulta mucho más importante aún por otra razón: la de su lugar en la Historia como punto de partida de la cultura occidental. En Grecia encontramos las raíces de nuestro modo de pensar y expresar el mundo, y muchos de los logros iniciales y decisivos del rumbo de la cultura europea se expresaron y pensaron por primera vez en palabras y conceptos griegos. La aurora del pensamiento occidental se dio en Grecia hace más de dos mil quinientos años. En Grecia nacieron los géneros literarios clásicos, además de las formas artísticas canónicas de la tradición occidental.

Primero fue la épica, con las dos grandes epopeyas de Homero, la Iliada y la Odisea. Luego la lírica en sus varias formas; y más tarde el teatro, con sus dos formas de la tragedia y la comedia, ambas surgidas en la Atenas clásica. La filosofía, la historiografía y los primeros tratados en prosa de intención científica, como los tratados médicos de Hipócrates y sus discípulos, surgieron en la Jonia ilustrada. Y la oratoria, la crítica literaria, la historia, la filosofía, la medicina, la matemática, las Ciencias Naturales... encontraron su culminación en la Atenas de la época de Tucídides, Hipócrates, Platón, Demóstenes y Aristóteles.

Más adelante, la ciencia griega continuó su curso en periodo helenístico, en el Museo de Alejandría y en otras ciudades. El espíritu científico griego viene a consolidarse de modo cabal, ya independizado de la filosofía, en las matemáticas de Euclides y Arquímedes, en las astronomía de Ptolomeo, y en la medicina de Galeno. Los orígenes de la Historia de la Ciencia son griegos. Y aún nos sorprenden los avances conseguidos pro esos sabios griegos en tan remoto periodo y con tan exiguos medios tecnológicos. Pero la huella del saber enciclopédico y la ambición filosófica de Aristóteles y Platón perdura además a través de la influencia de sus escuelas filosóficas: el Liceo y la Academia.

10. La Cultura Griega en Roma.

La huella de la cultura griega se advierte muy bien en todos los campos de la alta civilización de Roma, donde ya la poesía y la mitología se despliegan impulsadas e impregnadas de helenismo importado, tanto en el teatro como en la elegía y en la épica. La filosofía romana es traducción y comentario de las ideas de las escuelas filosóficas griegas. En Roma hubo discípulos de las escuelas de filosofía helenísticas, de los cínicos, de los epicúreos, los estoicos, los escépticos, los neopitagóricos y los neoplatónicos. El influjo griego en la oratoria no fue menos notable que en la escultura y en la arquitectura. No en vano los más distinguidos romanos viajaban a Grecia para educarse o tenían preceptores griegos. Los romanos copiaron las estatuas griegas para adornar sus bibliotecas y palacios del mismo modo como habían copiado los textos clásicos. Adaptaron y continuaron la herencia literaria y cultural de Grecia.

Y es a través de la versión romana y las traducciones latinas como Occidente conoce luego mucho de la sabiduría griega. Sin olvidar que también los árabes serán transmisores de ese mismo legado helénico, especialmente en aspectos científicos, como la medicina, la astronomía y las ciencias naturales. No debemos olvidar ese importante papel de los árabes como comentadores y transmisores de una parte del legado griego a Occidente durante el medievo.

11. Resurgir de los Estudios Griegos en el Renacimiento.

Durante la Edad media Europa desconoció por completo el griego. La anotación típica en un margen de un viejo manuscrito: Graecum est, non legitur (es griego, no se lee) pudo caracterizar muy bien un periodo de siglos de ignorancia del saber antiguo. Pero luego, al resurgir con el Humanismo renacentista los estudios de la lengua griega, con las numerosas y cuidadas traducciones de los clásicos, y los amplios y minuciosos comentarios a esos textos, recobraron el legado antiguo. Pronto volvieron los doctos de toda Europa a adentrarse con tesón y entusiasmo en el estudio y recuperación de todo el mudo clásico helénico; fueron pioneros los sabios italianos en los siglos XIV y XV, con personalidades como las de Lorenzo Valla o Angelo Poliziano, y de Italia irradió con fuerza irresistible el movimiento humanístico en todas direcciones. Y de ese anhelo de estudiar el panorama del saber griego vienen los estudios de la Filología Clásica que aún perviven en nuestras universidades y el aprendizaje del griego en nuestros centros de enseñanza.

La huella del tan impresionante bagaje cultural es muy notable en aspectos muy evidentes de nuestro mundo, como en el léxico científico de origen griego o los que usamos en nuestra charla cotidiana sin advertir su procedencia. Todavía nos es imprescindible el griego para ahondar en aspectos originarios de nuestra cultura. Y no hay un instrumento mejor que la lengua para conocer, acercarse metódicamente y avanzar por los caminos de este atractivo mundo helénico.

ELEFTHERIA ARVANITAKI

2008-08-06T22:24:00.000+02:00

La popular cantante griega Eleftheria Arvanitaki, acaba de publicar To the edges of your eyes (Al borde de tus ojos), un compacto con sus colaboraciones de los últimos 25 años en discos de otros artistas, y lo presentará el próximo lunes en el Teatro Coliseum de Madrid. Entre las 14 canciones -se incluye en edición especial limitada el DVD de un concierto suyo en el teatro Vrachon de Atenas- hay también inéditas como Into my arms, una canción de Nick Cave convertida en Adeia mou agkalia, y la versión helena de El universo sobre mí, de Amaral.

"Lo que yo hago es combinar dos estilos. El tradicional, no la música tradicional griega, que varía mucho de las montañas a las islas, pero sí canciones nuevas que están inspiradas en la tradición del siglo XX de compositores como Manos Hadjidakis, y la música occidental", explica. Entre sus cantantes preferidas menciona a María Callas, Amália Rodrigues, Oum Kalsoum, Ella Fitzgerald y Barbra Streisand. "Muchas canciones griegas actuales se basan en nuestras tradiciones y se venden muy bien, tanto o más que Madonna o la música pop extranjera."

Arvanitaki, que nació en El Pireo y empezó a cantar en el coro de la iglesia, nunca pensó que el canto se convertiría en su profesión. "Lo que yo quería era ser arqueóloga, pero conocí a unos chicos que tocaban rebétika [género de música popular griega] y me invitaron a estar con ellos. Yo trabajaba entonces como contable con el fin de reunir el dinero suficiente para poder irme a Italia a estudiar arqueología", dice riendo.

La historia de la rembetika se remonta al folklore que interpretaban los refugiados turcos llegados a Grecia en la década del ‘20. En la actualidad, Elefthería Arvanitaki es la voz más conocida y principal difusora de este género. Es, además, una de las figuras musicales más importantes de Grecia.

Su prometedora carrera solista se inició tras dejar la Opisthodromiki Compania, a la cual había ingresado a comienzos de los ‘80 interpretando diferentes estilos tradicionales griegos tales como la rembetika, la demotika, la nisiotika y la laika.

Pasó muy poco tiempo para que muchos se dieran cuenta del potencial que Elefthería poseía: su emotiva y cálida voz, su personalidad y, por sobre todo, su búsqueda en las raíces musicales griegas y las nuevas formas de expresión de los compositores actuales. La aparición de Stamatis Sjpanoudakis, escritor y compositor griego, le dio nuevos aires a la carrera de Elefthería. Elaboraron en conjunto el álbum “Contraband”, editado en 1986, considerado unos los trabajos más innovadores de la década del ‘80.

Otro compositor griego que se acercó a la cantante fue Nikos Xyadkis, quien encontró en Elefhtería la voz ideal para sus canciones. El resultado de la unión de ambos se escuchó en interesantes trabajos, tales como “Tenedos”, “Melti Ton Gremon” y “Akrotirio Tenaron”.
El disco que Elefthería grabó a comienzos de los ‘90, “Menos Ektos (Me quedo afuera)” impulsó su carrera más allá de las fronteras de su país. Con influencias de la música balcánica y del este europeo, el disco marcó los pasos a seguir en su futuro; además, una de sus canciones (“Dinata-Dinata”) se convirtió en éxito en toda Europa.

Consagrada en Grecia y en gran parte del viejo continente, la cantante continuó su carrera con el lanzamiento de “Ta Kormia Ke Ta Maheria” (“Los cuerpos y los cuchillos”), trabajando en sociedad con el compositor norteamericano de origen armenio Ara Dinkjian, integrante del grupo Night Ark.

En los últimos años, Elefthería ha girado por todo el mundo, participando, entre otros, en los festivales Womad, el Festival de Jazz de Montreaux y en el Festival Internacional de Jerusalén. La energía y el calor del contacto de Elefthería con su público se reflejaron en varios discos grabados en directo.

PD: No puedo dejar de añadir canciones de Ελευθερία Αρβανιτάκη, todas tan hermosas, su voz encanta como una musa, espero que la disfrutéis tanto como yo lo estoy haciendo ahora que recupero su voz y sus letras hace tiempo sepultadas; ahora van conformando mis horas de libertad y van modelando un crisol de poesías musicadas. Toda una dulzura que hay que saborear.

Entrevista en españa

Θέλω κοντά σου να μείνω (Quiero quedarme junto a tí)

Δε ζω χωρίς εσένα ούτε λεπτό
Αγάπη μου της μοίρας ήταν γραφτό.

Θέλω κοντά σου να μείνω
Θέλω σκιά σου να γίνω
Κάθε πληγή ν' απαλύνω
Που σε πονά...

Τα βλέφαρά μου να κλείνω
Να με φιλάς και να σβήνω
Θέλω κοντά σου να μείνω
Παντοτινά...!

Σε νιώθω, σε λατρεύω και σε ποθώ
Κι αν κάποτε σε χάσω θα τρελαθώ.
Θέλω κοντά σου να μείνω
Θέλω σκιά σου να γίνω
Κάθε πληγή ν' απαλύνω
Που σε πονά...

Τα βλέφαρά μου να κλείνω
Να με φιλάς και να σβήνω
Θέλω κοντά σου να μείνω
Παντοτινά...!

No puedo vivir sin ti ni un minuto,
Mi amor estaba escrito por el destino.

Quiero quedarme junto a ti,
Quiero ser tu sombra,
Suavizar cada herida
Que te duela…

Cerrar mis párpados,
Que me beses y apagarme,
Quiero quedarme junto a ti
¡ eternamente…!

Te siento, te adoro y te deseo
Y me volveré loca si alguna vez te pierdo.

Quiero quedarme junto a ti,
Quiero ser tu sombra,
Suavizar cada herida
Que te duela…

Cerrar mis párpados,
Que me beses y apagarme,
Quiero quedarme junto a ti
¡ eternamente…!

Δυνατά (Fuerte posibilidad)

Σαν γυναίκα γεννά
στο χώμα η νύχτα το πρωί
κι όλα βγαίνουνε ξανά
και γίνονται ζωή.

Ποια παλιά κιβωτός
μέσα απ' του χρόνου τις στοές
βγάζει ακόμα στο φως
ζευγάρια αναπνοές.

Δυνατά, δυνατά
γίναν όλα δυνατά τ' αδύνατα
Δυνατά , δυνατά
σ' ένα θέαμα κοινό
Δυνατά, δυνατά
κι όπως πάνε του χορού τα βήματα
με τα χέρια ανοιχτά
όλα τα περιφρονώ

Μα σαν γυναίκα γεννά
στο χώμα η νύχτα το πρωί
κι όλα βγαίνουνε ξανά
και γίνονται ζωή

Ποια παλιά κιβωτός
μέσα απ' του χρόνου στοές
βγάζει ακόμα στο φως
ζευγάρια αναπνοές.

Δυνατά, δυνατά
γίναν όλα δυνατά τ' αδύνατα
Κι αναμμένο πετά
σπίρτο η γη στον ουρανό
Δυνατά, δυνατά
κι όπως πάνε του χορού τα βήματα
με τα χέρια ανοιχτά
όλα τα περιφρονώ

Κι όλο κάτι λέω
κάποια αγάπη κλαίω
κι όλο μέσα μου θρηνώ χαλάσματα
Με τα χρόνια μου
στα σεντόνια μου
σαν φαντάσματα.

Δεν υπάρχουν πολλά
που να ελπίζουμε μαζί
κοίτα, κοίτα ψηλά
κι άλλος αιώνας ζει.

Como una mujer nace
Sobre la tierra, la noche, la mañana
Y todo sale hacia fuera de nuevo
Y se convierte en vida.

¿Qué vieja arca
Dentro de las galerías del tiempo
Saca todavía a la luz
Respiraciones parejas?

Fuerte posibilidad, fuerte posibilidad,
Se ha convertido en una fuerte posibilidad todo lo débil.
Fuerte posibilidad, fuerte posibilidad,
En un espectáculo común.
Fuerte posibilidad, fuerte posibilidad,
Y según avanzan los pasos de la danza
Con las manos abiertas
Todo lo desprecio.

Pero como una mujer nace
Sobre la tierra, la noche, la mañana
Y todo sale hacia fuera de nuevo
Y se convierte en vida.

¿Qué vieja arca
Dentro de las galerías del tiempo
Saca todavía a la luz
Respiraciones parejas?

Fuerte posibilidad, fuerte posibilidad,

Se ha convertido en una fuerte posibilidad todo lo débil.
Y una cerilla encendida
Le lanza la tierra al cielo.
Fuerte posibilidad, fuerte posibilidad,
Y según avanzan los pasos de la danza
Con las manos abiertas
Todo lo desprecio.

Y continuamente digo algo,
Lloro por algún amor,
Y continuamente dentro de mí lamento mis ruinas.
A mi edad
En las sábanas
Como fantasmas.

No hay muchas cosas
Que podamos esperar juntos.
Mira, mira allá en lo alto
Otro siglo está vivo.

το μηδέν (El cero)

Το μηδέν θα κάνω κύκλο
Κι εκεί μέσα θα χορεύω
Κι ας μην ξέρω που πηγαίνω
Κι ας μην ξέρω τι γυρεύω.

Τη ζωή μου μηδενίζω,
Πάει να πει πως ξαναρχίζω,
Τη ζωή μου μηδενίζω,
Πίσω δεν ξαναγυρίζω...

Βάλαμε φωτιά στα φρένα
Και μας έμεινε το γκάζι
Με ταχύτητες μεγάλες
Μοναχά η γη αλλάζει.
Έτσι μόνο η γη αλλάζει
Με ταχύτητες μεγάλες
Βάλαμε φωτιά στα φρένα
Και μας έμεινε το γκάζι.

Στάχτη γίνανε τα πάντα
Κάηκε το παρελθόν μου
Όλη μου η περιουσία
Στην καρδιά και στο μυαλό μου.

Τη ζωή μου μηδενίζω,
Πάει να πει πως ξαναρχίζω,
Τη ζωή μου μηδενίζω,
Πίσω δεν ξαναγυρίζω...

Βάλαμε φωτιά στα φρένα
Και μας έμεινε το γκάζι
Με ταχύτητες μεγάλες
Μοναχά η γη αλλάζει.
Έτσι μόνο η γη αλλάζει
Με ταχύτητες μεγάλες
Βάλαμε φωτιά στα φρένα
Και μας έμεινε το γκάζι.

Voy a hacer un círculo con el cero
Y allí dentro voy a bailar sin parar
Aunque no sepa adónde voy,
Aunque no sepa lo que estoy buscando.

Anulo mi vida,
Esto significa que vuelvo a empezar.
Anulo mi vida,
No vuelvo hacia atrás.

Pusimos fuego en los frenos
Y nos quedó el acelerador.
A grandes velocidades
Solamente cambia la Tierra,
De este modo sólo cambia la Tierra
A grandes velocidades.
Pusimos fuego en los frenos
Y nos quedó el acelerador.

Todo se convirtió en ceniza,
Se quemó mi pasado,
Toda mi fortuna
En mi corazón y en mi mente.

Anulo mi vida,
Esto significa que vuelvo a empezar.
Anulo mi vida,
No vuelvo hacia atrás.

Pusimos fuego en los frenos
Y nos quedó el acelerador.
A grandes velocidades
Solamente cambia la Tierra,
De este modo sólo cambia la Tierra
A grandes velocidades.
Pusimos fuego en los frenos
Y nos quedó el acelerador.

Της καληνύχτας τα φιλιά (Los besos de medianoche)

Εδώ να μείνεις,
να με κρατήσεις αγκαλιά
να μ' ανακρίνεις.
Της καληνύχτας τα φιλιά
τι μου τα δίνεις.

Δεν φεύγω απόψε
κι απ' το αμάξι δε θα βγω
κι αν έχεις τίποτα μαζί μου να συγκρίνεις
εδώ να μείνεις
να το μάθουμε κι οι δυο.
Εδώ να μείνεις
της καληνύχτας τα φιλιά μη μου τα δίνεις.

Εδώ και τώρα
γιατί είν' ο δρόμος μας παλιός
και κατηφόρα.
Της καληνύχτας τα φιλιά
δεν είναι δώρα.

Δεν φεύγω απόψε
κι απ' τη ζωή σου δεν θα βγω
κι ας είναι η σχέση μας μισή
τα λόγια φόρα,
εδώ και τώρα στης αγάπης τον θυμό.

Quédate aquí,
Abrázame,
Interrógame.
No me des los besos
De las buenas noches.

Esta noche no me voy
Y no salgo del coche
Y si no tienes nada con que compararme
Quédate aquí
Para que los dos lo aprendamos.
Quédate aquí
No me des los besos de las buenas noches.

Aquí y ahora
Porque nuestro camino viene de lejos
Y va cuesta abajo.
Los besos de las buenas noches
No son regalos.

Esta noche no me voy,
Y de tu vida no salgo,
Aunque nuestra relación esté rota por la mitad
Pon las palabras
Aquí y ahora, a la furia del amor.

Πάρε με αγκαλιά και πάμε (En tus brazos llévame y vamos)

Πώς φτάσαμε ως εδώ και τ΄ αύριο
μοιάζει σα να ΄ναι χθες και για τους δυο

Ξέρω θα φύγεις το πρωί
πριν από μένα πάντα εσύ,
θα με κοιτάζεις που κοιμάμαι σαν παιδί.

Την πόρτα πίσω σου σιγά
θα κλείσεις φεύγοντας μετά
ένα όνειρό σου θα ΄χω πάρει στα κλεφτά.

Ψάξε με μες στο σκοτάδι
Κρύψε με σ΄ ένα σου χάδι
Φίλα με να μη φοβάμαι.
Πάρε με αγκαλιά και πάμε

Πώς πέρασε ο καιρός, μοιάζει σα χθες
τ΄ αύριο που περιμέναμε, για πες…

Πες μου δυο λόγια μοναχά
αληθινά, απ΄ τα παλιά
κι αγάπησέ με απ΄ την αρχή σιγά σιγά.

Πες μου δυο λόγια μοναχά
Πάντα το ζήταγες αργά
Να ξημερώνει και να μένουμε αγκαλιά.

Como hemos llegado hasta aquí, y el mañana,
nos parece como si fuese el ayer

Lo sé partirás al amanecer
antes que yo siempre tú,
mientras me contemplas en mi sueño de niña.

La puerta tras de ti suavemente
cerrarás, marchándote después
de yo lograr uno de tus sueños robar.

Búscame en la oscuridad
escóndeme en una caricia
bésame para no sentir miedo
en tus brazos llévame y vamos

Como ha pasado el tiempo, parece ayer
el mañana que esperábamos, dime...

Dime dos palabras y no más,
verdaderas, del ayer
y desde el principio ámame poco a poco

Dime dos palabras y no más
Siempre lo rogabas despacio
Al amanecer seguir abrazados.

Τα κορμιά και τα μαχαίρια (Los cuerpos y los cuchillos)

Τα κορμιά και τα μαχαίρια
άντε κάποτε αλλάζουν χέρια,
τα σημάδια τους αφήνουν
που πονανε και δε σβήνουν.

Άγγιξέ με, φίλα με, μύρισέ με
κρύψου μέσα μου, κατοίκησε με,
σαν παλιό κρασάκι φύλαξέ με
ένα κορμί δεν είναι μόνο αγκαλιά,
αχ! ένα κορμί δεν είναι μόνο αγκαλιά
είναι μια πατρίδα που θα γίνει ξενιτιά.

Τα πουλιά και τα τριζόνια
άντε τραγουδάνε τόσα χρόνια
κι από την ανατριχίλα
κοκκινίζουνε τα μήλα.

Τα κορμιά και τα μαχαίρια
άντε μη βρεθούν σε λάθος χέρια,
κάποιο φονικό θα γίνει
και ποιός παίρνει την ευθύνη.

Μέσα στης γιορτής το κέφι
άντε πιο ψηλά κρατάει το ντέφι
όποιος πόνεσε και ξέρει
γλύκα που 'χει το μαχαίρι

Los cuerpos y los cuchillos,
Vamos, en algún momento se cambian las manos,
Dejan sus marcas
Que duelen y no se borran.

Tócame, bésame, olfatéame,
Ocúltate en mi interior, puéblame,
Como un viejo vinito guárdame.
Un cuerpo no es sólo un regazo,
Es una patria que se convertirá en exilio.

Las aves y los grillos,
Vamos, están cantando tantos años…
Y del estremecimiento
Enrojecen las manzanas.

Los cuerpos y los cuchillos,
Vamos, que no se hallen las manos en un error,
Algo mortífero va a suceder
Y ¿quién será el responsable?

En medio del ánimo de la fiesta,
Vamos, sostiene más alto la pandereta
Aquel que se ha lastimado y conoce
La dulzura que tiene el cuchillo.

Δεν απαντά (No contesta)

Έχω γεμίσει τη ζωή μου με ανάσες
που χρόνια τ' ανεβαίνω κόντρα τα σκαλιά
κι άναψαν έξαφνα οι αισθήσεις μου οι πάσες
και λέω στο θάνατο θα φύγω απ' τη δουλειά.

Τα μεσημέρια που η καρδιά στενοχωριέται
που κάθε βήμα μου το βλέπει οριστικό
της λέω αγάπη μου, η αγάπη δεν κρατιέται
μ' ένα τηλέφωνο κι εκείνο βιαστικό.

Δεν απαντά.
Δεν εμφανίζεται, δεν επιστρέφει.
Κι ούτε ρωτά μήπως την γύρεψαν
δεν είν' εδώ.

Έχω κρεμάσει στο μπαλκόνι μου ένα αστέρι
του ονείρου μου τους μάγους να οδηγεί
κι αυτούς που μέσα μου με κλείδωσαν, ποιος ξέρει
μπορεί στο ψέμα τους μια βόλτα να 'χουν βγει.

Δεν απαντά.
Δεν εμφανίζεται, δεν επιστρέφει.
Κι ούτε ρωτά μήπως την γύρεψε
ποτέ κανείς.

Δεν απαντά
η Ελευθερία της χρόνο δεν έχει.
Είναι καλά και ζει στον κόσμο της όπως κι εσείς.

He llenado mi vida de respiros,
Llevo años subiendo las escaleras al revés
Mis sensaciones todas se han iluminado de repente
Y digo a la muerte que dejo el trabajo.

Los mediodías que el corazón está triste
Que cada paso lo ve como definitivo
Le digo, amor mío, el amor no se puede mantener
Con una llamada, y encima rápida.

No contesta.
No aparece, no vuelve.
Ni siquiera se preocupa por si han preguntado por ella,
No está aquí.

He colgado en mi balcón una estrella
Para que guíe los magos de mis sueños
Y a los que me han encerrado en mi misma, quién sabe,
Quizá han salido a dar un paseo a su mentira.

No contesta.
No aparece, no vuelve.
Ni siquiera se preocupa por si han preguntado por ella,
No está aquí

No contesta.
Su Libertad no tiene tiempo.
Está bien
Y vive en su mundo como ustedes.

Μένω εκτός (Me quedo fuera)

Μένω εκτός, θυμάμαι ονόματα
τρέχω με ταχύτητα φωτός.
Μένω εκτός σαν κάτι στόματα
που 'διωξε απ' τον κόσμο ένας λωτός.

Τα βράδια μου τα εργένικα
τραγούδια λέω αρμένικα
θέλω να γυρίσω
μα ο παράδεισος κλειστός.

Τα βράδια μου τα εργένικα
τραγούδια λέω αρμένικα
θέλω να μιλήσω
μα είν' ο τόπος μου σβηστός.

Μένω εκτός, μιλάω με σύρματα
στη σιωπή ζυγιάζω σαν αητός.
Μένω εκτός σαν κάτι σχήματα
που 'φτιαξε στην άμμο ένας πιστός.

Me quedo fuera, me acuerdo de nombres
Corro a la velocidad de la luz.
Me quedo fuera como unas bocas
Que un loto ha mandado fuera del mundo.

Mis noches solteras
Canto canciones armenias
Quiero volver
Pero el paraíso está cerrado.

Mis noches solteras
Canto canciones armenias
Quiero hablar
Pero mi lugar está apagado.

Me quedo fuera, hablo por cable
Me deslizo en el silencio como un águila.
Me quedo fuera como algunos dibujos
Que ha hecho en la arena un creyente.

Y ahora una de las más bellas canciones de Eleftheria Arvanitaki. Su impresionante interpretación la coloca entre las mejores. Es una pena que el idioma nos mantenga a veces tan alejados de los griegos hoy dia, porque siguen guardando en sus textos líricos la belleza de los antiguos. Canciones como éstas lo demuestran, donde la naturaleza se funde con el alma del hombre para expresar el sentimiento que nos une a todos, el amor. Queja - el exilio es un tema que entronca con la tradición de los líricos arcaicos y la poesía griega en general que une al hombre con el cosmos para formar una unidad, un todo. La tierra, el agua, el aire (los vientos), la luz, elementos primeros, el argé de los presocráticos, el sentimiento de pertenencia a un lugar y de exilio, de extrañamiento. Todo brota de la virtuosa voz de Eleftheria (Libertad) para hacernos volar por un paisaje de bellas sensaciones. Al comienzo del video, nos dice la presentadora cómo a veces las interpretaciones penetran profundamente en el alma de los hombres, haciendo que participe en la misma. Es "como cuando el otro, el espectador, el oyente siente que no está sólo." ¡Qué maravilla! Como decía, el resto de Europa se pierde la belleza con que los griegos explican a veces "el hecho humano", cómo explican a veces ese instante de comunión, de empatía o mejor dicho simpatía (συν πάθοσ ), de sentir-sufrir con el otro.

Παράπονο - H ξενιτιά (Queja – El exilio)

Μουσική: Παραδοσιακά Αρμένικα Τραγούδια / Διασκευή: Ara Dinkjian.
Στίχοι: Λίνα Νικολακοπούλου

Compositor: canción tradicional armenia. /Arreglos y adaptación: Ara Dinkjian.
Letrista: L. Nikolakopoulou.

Βαριά βραχιόλια οι λύπες
πως μ' αγαπάς δεν είπες.
Το 'χω παράπονο μάνα μου, στόμα μου
κι ας πέθανε το σώμα μου.

Δε θέλω, φως μου, κόσμο
στα χείλη μου έχω δυόσμο.
Το 'χω παράπονο πάρε μου, ζήτα μου
της λησμονιάς σαϊτα μου.

Σου στέλνω μ' ένα γράμμα
του φεγγαριού τη λάμα.
Παρ' τη και χτύπα με μάνα μου, τρέλα μου
κι αν κλαίει η ψυχή σου, γέλα μου.

Ψηλά βουνά κι εσείς των άστρων θωριές.
Ποτάμια αχνά, ελάτια, δάφνες, μυρτιές.

Την καρδιά μου, ωχ φωτιά μου, όποιος δει
να της πει να 'ρθει κοντά μου, μην αργεί.
Ξενιτειά μου, έρωτά μου, φως κι αυγή
πριν ραγίσει απ' το σεβντά μου όλη η γη.

Φαράγγια υγρά κι εσείς των δράκων σπηλιές
αετών φτερά κι ανέμων μαύρες φωλιές.

Την καρδιά μου, ωχ φωτιά μου, όποιος δει
να της πει να 'ρθει κοντά μου, μην αργεί.
Ξενιτειά μου, ερωτά μου, φως κι αυγή
πριν ραγίσει απ' το σεβντά μου όλη η γη.

Αηδόνι εσύ, πλανεύτρα στάχτη που καις
με ποιό κρασί μεθάει τα μάτια του, πες.

Pesadas pulseras las penas,
no dices cuánto me quieres.
Tengo esa queja, amor mío, boca mía,
y que se muera mi cuerpo.
Tengo esa queja, amor mío, boca mía,
y que se muera mi cuerpo.

No quiero gente, luz mía,
tengo en el labio el sabor de la menta.
Tengo esa queja, quítame, pídeme,
saeta mía del olvido.
Tengo esa queja, quítame, pídeme,
saeta mía del olvido.

Te envío con una carta
la cuchilla de la luna.
Cógela y golpéame, amor mío, locura mía,
y si llora tu alma, sonríeme.
Cógela y golpéame, amor mío, locura mía,
y si llora tu alma, sonríeme.

Altas montañas y brillos de estrellas,
neblina sobre ríos, abetos, laureles, mirtos.

A mi corazón, ay, fuego mío, a quien sea,
dile que vuelva a mi lado, que no tarde.
Exilio mío, amor mío, luz y amanecer
antes de que se raje bajo mi pasión toda la tierra.

Gargantas húmedas y cuevas de dragones,
alas de águila y nidos negros de los vientos.

A mi corazón, ay, fuego mío, a quien sea,
dile que vuelva a mi lado, que no tarde.
Exilio mío, amor mío, luz y amanecer
antes de que se raje bajo mi pasión toda la tierra.

Ruiseñor, seductora ceniza que calcinas,
dime con qué vino se embriagan sus ojos.

A mi corazón, ay, fuego mío, a quien sea,
dile que vuelva a mi lado, que no tarde.
Exilio mío, amor mío, luz y amanecer
antes de que se raje bajo mi pasión toda la tierra.

MÚSICA GRIEGA I. INTRODUCCIÓN

2008-08-06T22:15:00.000+02:00

Desde los tiempos de la épica homérica y la tragedia helénica hasta la lectura clásica que Mikis Theodorakis hizo de Odiseas Elitis en los años sesenta, los griegos siempre han combinado excelentes melodías y poemas para crear una música destinada tanto a la mente como al cuerpo, apasionante, refrescante, gozosa y melancólica, a veces al mismo tiempo, y, lo que es más importante, afirmativa de la vida.
La música griega constituye una de las tradiciones más antiguas del mundo, pues se remonta, al menos, al año 2008 antes de Cristo. Al igual que el teatro y las demás artes, la música griega antigua se hallaba estrechamente vinulada a la religión. Fue Pitágoras quien construyó el kanon (precursor del kanun y el santur) para interpretar música destinada a infundir tranquilidad al espíritu, liberándolo da las pasiones humanas. Esta idea influyó en la música sufí y, en nuestros tiempos, el pretencioso movimiento New Age reivindica también para sí el legado pitagórico.
Como todos los estilos musicales anteriores a Bach, la música griega antigua utilizaba la escala natural y se encuadraba en la gran tradición oriental. Tenía tres genii (cromático, catónico y enarmónico) y cien escalas. Los griegos utilizaban aproximadamente 3.400 instrumentos. Ente ellos figuraba el hydraulis, precursor del órgano de tubo, así como Pandourides, guitarras, liras, varvytes, xavyges, aulia y zournades, algunos de ellos procedentes de otros pueblos.
Cuando la Acadmia Platónica fue clausurada violentamente en el año 529, los filósofos, que eran también nuestros músicos y místicos, encontraron refugio en la corte de Persia, por lo que aquella música antigua sirvió de fundamento a la música persa. La música griega antigua influyó mucho en el canto gregoriano y también en la música bizantina, la música griega de la Edad Media.
Pese al carácter multicultural del imperio, el núcleo de la civilización bizantina fue griego. Incluso los Padres Cristianos interpretaban la ortodoxia con argumentos platónicos y muchos ritos provienen de los Misterios Griegos. Los griegos conservaron su música, adaptando los textos de los himnos paganos a la nueva religión. Las danzas griegas relacionadas con los Misterios pasaron a convertirse en danzas populares. Los instrumentos se conservaron en su mayoría, aunque los más importantes fueron el Hydraulis, el salterio y el tambur (éstos dos últimos provenían del kanon y el Pandouris, respectivamente, y son los precursores del ud y el saz y del kanonaki, santur o kanun). Al caer los territorios bizantinos en manos árabes, estos instrumentos pasaron a utilizarse en la música islámica.
En el siglo VI Danascio modificó el antiguo sistema musical inventando la “Parasemántica bizantina”, el sistema musical más complejo que haya existido. Aun respetando las peculiaridades locales, los bizantinos enseñaron a los pueblos serbio y sirio dos variantes de la “Parasemántica bizantina” de las que provienen, respectivamente, la música serbia y la siria. Así pues, la música bizantina está en la base de la música clásica árabe, de la balcánica y posteriormente de la otomana. Habida cuenta de que todos los grandes compositores de música otomana eran griegos, cabe afirmar que la música otomana no es sino música postbizantina.
Pero la música bizantina no sólo era de carácter sacro. Lo que ahora consideramos musica popular era la música profana bizantina que se desarrolló inicialmente en las zonas urbanas del imperio y que después se conservó en las aldeas durante la ocupación otomana. Los únicos estilos nuevos que surgieron en el siglo XIX fueron la música de klarino y las bandas de metales de la zona noroccidental de la Macedonia griega. El klarino (clarinete popular afinado en la escala natural) fue traído por los gitanos en el siglo XVIII o bien por las bandas militares bávaras de la década de 1830. Las bandas de música surgieron a raíz de la occidentalización de las bandas militares otomanas.
Aparte de las bandas y la música de klarino de Epiro y Rumelia que se hicieron típicas de la música popular griega, existen diversos estilos locales que otorgan a la música griega una variedad con la que resulta imposible competir. Está la música griega oriental de Constantinopla y Asia Menor, precursora del Rebétiko. También están las alegres danzas de las islas griegas, la aspereza de la música póntica (música de lira del Mar Negro), la masculinidad concentrada de la música cretense, las polifonías de Epiro, los sonidos balcánicos de Macedonia y Tracia y las kantades de influencia italiana de las islas jónicas (Corfú, etc.). No deja de ser una ironía histórica el hecho de que casi toda la música que ahora se importa a Grecia fuese antaño exportada desde allí a los pueblos balcánicos y del oriente mediterráneo.
Un estilo musical que goza de gran popularidad entre los no griegos es el rebétiko. Mezcla de elementos griegos y otomanos (ambos provenientes de la música bizantina), se desarrolló en los barrios griegos de Constantinopla y Esmirna (actual Iznir) en la década de 1860. Se interpretaba con instrumentos populares típicos como violín, kanonaki o sandouri, saz o baglaná y klarino. Incluía el quejumbroso canto improvisatorio denominado ananés. Con posterioridad al desastre de Asia Menor, en 1922, que obligó a exiliarse a un millón de griegos, el estilo se relacionó con los refugiados y más tarde con los bajos fondos de el Pireo, Tesalónica (o Salónica) y la isla de Siros.
A raíz de la dictadura de Ioannis Metaxás (de 1936 a 1940), el sabor oriental y los temas ilegales quedaron excluidos del rebétiko. Durante la guerra y más aún después, el rebétiko pasó a servir de entretenimiento tanto a la clase baja como a la clase media. Su principal representante fue Vasilis Tsitsanis, que fue quien introdujo la influencia occidental en la música de Mangas. El género rebétiko tocó a su fin en 1954, aunque sus mayores éxitos lo conocerían más tarde.
Bajo el influjo del rebétiko surgieron dos tipos de música: el laikó era un estilo de la clase obrera fundamentado en el sonido del Bouzouki, que también recuperaba influencias orientales. Por otra parte, el entehno era la música de compositores de formación clásica como Mikis Theodorakis y Manos Hatzidakis que combinaban la influencia del rebétiko con arreglos de estilo occidental y la poesía griega de Odisseas Elitis, Yannis Ritsos y Nikos Gatsos. Estos dos estilos musicales representaban dos mundos distintos, aunque los compositores de entehno contratasen a cantantes de laikó como Stelios Kazadzidis y Grigoris Bithikotsis.
Durante el régimen militar, el laikó quedó marginado, poniéndose de moda una variedad más ligera denominada elafrolaikó. Tras la caída de la Junta, casi todos los compositores se dedicaron a imitar la “Nueva canción”, las obras de Kurt Weill y la música política soviética, despotricando contra la música de raíz griega. Hasta 1978 no surgió un nuevo movimiento que ocupó el antiguo trono del laikó, volviendo a popularizar el rebétiko. Este movimiento sigue todavía vigente y en él se encuadran artistas como Elefthería Arvanitaki, Nikos Xidakis, Nikos Papázoglou y muchos otros.

Yorgos Pisalidis
Crítico musical
Colaborador de la Revista inglesa Folk Roots